Débats d'Art

En ce qui concerne le processus, à mon avis, quelle que soit la façon dont vous mettez votre art sur la toile, tout est permis. J'ai une manière particulière de recréer ma peinture gestuelle qui n'implique pas de faire couler de la peinture mais révéler ce qui se cache sous le chaos. J'ai été réticent à expliquer mon procédé, car quelqu'un de réellement talentueux le ferait mieux. Mais si quelqu'un est intéressé, je serai heureux d'expliquer mon procédé.

Si vous cherchez un préréglage avant d'avoir passé quelques minutes avec l'image, vous décorez la mémoire de quelqu'un d'autre.

Je photographie sur pellicule, donc la moitié du 'gradation' est déjà intégrée dans le stock de pellicule que j'ai choisi ce matin. Mais même dans le scan, il y a un moment où vous décidez : est-ce que je laisse ce crépuscule rester ambre, ou est-ce que je le refroidis parce que c'est ce que la scène a réellement ressenti sur place ?

Pendant longtemps, j'ai remis en question chaque choix, convaincu qu'il existait une palette 'correcte' cachée quelque part. Il s'avère que la palette correcte est celle qui fait que l'image donne l'impression de l'air tel qu'il était.

Les préréglages peuvent être utiles comme points de départ, bien sûr. Mais j'ai remarqué que le travail auquel je reviens souvent, le mien ou celui de quelqu'un d'autre, a presque toujours des décisions de couleur qui semblent personnelles et un peu obstinées. Pas tendance. Pas prudent. Juste engagé.

Cela dit, je connais beaucoup de photographes qui jurent par un flux de travail basé sur des préréglages constants et leurs portfolios sont cohérents d'une manière que le mien ne l'est probablement pas. Alors peut-être que je rationalise simplement ma propre obstination. Je suis curieux de savoir qui ici fait réellement confiance à son intuition en matière de couleur plutôt que de suivre un système, et si les résultats valent l'incohérence.

Les amateurs de poils naturels jurent par la façon dont le poil de sanglier ou de martre retient la peinture et la libère — il y a une douceur et un flux que vous ne pouvez tout simplement pas imiter. Mais le camp synthétique réplique : le nylon et le polyester modernes ont tellement progressé, ils sont plus faciles à nettoyer, durent éternellement, coûtent moins cher, et personne n'a eu à blesser un animal. Je les ai utilisées les deux pendant des années et honnêtement, j'alterne selon ce que je peins ce jour-là.

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Des murs en béton sous une lumière plate. Une devanture fermée à 14 heures. L'arrière d'un abribus où personne n'attend.

Je pense que les clichés que les autres photographes ignorent en les jugeant « trop ennuyeux » sont exactement ceux qui entrent en résonance avec les personnes qui achètent réellement des œuvres. Chaque image n'a pas besoin d'un coucher de soleil ou d'un moment décisif avec un inconnu en plein élan. Des scènes calmes, vides et sans relief font quelque chose de différent. Elles permettent au spectateur de se projeter dans le cadre. Cette projection est ce qui donne envie à quelqu'un de vivre avec un tirage.

J'ai passé des après-midi entiers sur une seule rue d'Adélaïde à attendre que rien de particulier ne se passe, et ces images reçoivent plus de réactions que tout ce que j'ai pris à l'heure dorée. Idem pour une fenêtre pluvieuse à Kyoto où la rue en contrebas était complètement immobile. Pas d'action, pas de drame, juste la météo et le verre.

Les photographes aiment se dire les uns aux autres qu'un sujet doit être intéressant. Je pense que le contraire est vrai. Moins le sujet est « intéressant », plus l'atmosphère doit faire le travail, et c'est l'atmosphère qui reste dans la mémoire des gens.

Curieux de savoir qui d'autre a trouvé son meilleur travail dans ce que tout le monde a laissé passer.

L'art au-delà des frontières – 25 mètres d'expression ❤

Mes rouleaux d'art peints à la main se sont déroulés à l'intérieur de l'historique église Saint-Nicolas à Berlin-Spandau, Allemagne.

Une rencontre spéciale entre l'art outsider, l'architecture, les émotions humaines et les expériences partagées.

L'art nous relie au-delà des mots, des cultures et des frontières.

Avec amour de Berlin,

Haci Sami Yaman – Artiste outsider

#OutsiderArt #ContemporaryArt #BerlinArt #ArtWithoutBoundaries

Certains artistes jurent qu'il faut commencer en CMYK pour ne pas avoir de surprises à l'imprimerie — ce que vous voyez est ce que vous obtiendrez. D'autres soutiennent que le RVB vous offre toute la gamme de couleurs avec laquelle travailler, de meilleurs modes de fusion, des fichiers plus petits, et vous pouvez toujours convertir et ajuster plus tard. J'ai essayé les deux approches et honnêtement, j'alterne selon le projet.

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Je fais tourner des œuvres dans un café ici à Seattle, je remplace les pièces environ tous les mois. Un ami m'a dit que je devrais laisser des points rouges sur quelques emplacements même après que ces peintures soient retirées, laisser les nouvelles pièces à côté de preuves que les choses se vendent. L'idée est que la demande perçue crée une demande réelle.

Une partie de moi le comprend. J'ai vu quelqu'un passer devant un mur de peintures sans jeter un coup d'œil, puis s'arrêter net en voyant l'une d'elles marquée 'vendu', soudain intéressé par l'œuvre à côté. Quelque chose dans la rareté actionne un interrupteur.

Mais une autre partie de moi, celle qui a perdu un panneau à moitié fini sous une rafale venant de Puget Sound la semaine dernière, pense que l'œuvre devrait simplement se suffire à elle-même. Si un ciel gris plein de couleurs cachées n'attire pas les gens, une petite étiquette rouge à côté ne devrait pas avoir à faire le travail.

Je n'arrête pas d'hésiter sur ce point. Est-ce que créer un sentiment de demande n'est qu'une présentation intelligente, ou cela franchit-il la ligne vers quelque chose de malhonnête ? Je suis curieux de savoir où se situent les autres.

Une fois, j'ai apporté un panneau de plein air à une exposition de groupe, tout droit du chevalet. Des bords bruts, une trace de cadmium sur le côté, peut-être une empreinte de pouce. Je l'ai vendu avant même la fin de l'ouverture. L'acheteur a dit que ce bord rugueux lui donnait une impression de vie.

Alors j'ai réessayé dans une galerie sérieuse. Public différent. La peinture est restée là toute la nuit, comme un devoir épinglé sur le réfrigérateur. La même qualité de travail, le même ciel gris avec cinq ou six couleurs enfouies dedans. Personne ne s'est arrêté.

Je pense que le cadre compte plus que ce que la plupart d'entre nous veulent admettre, surtout pour les petits paysages à l'alla prima qui luttent déjà pour leur présence sur un mur. Un cadre dit à quelqu'un que c'est fini, que cela vaut la peine d'être regardé. Sans cadre, seuls les peintres voient la peinture. Tout le monde voit une dalle de bois.

Ceci dit, je laisse mes panneaux de studio sans cadre et honnêtement ils me paraissent mieux comme ça. Donc peut-être que ce n'est pas l'art du tout, c'est une question de qui est dans la pièce.

Quelqu'un d'autre a-t-il remarqué une vraie différence dans la façon dont le travail se présente encadré par rapport au brut ? Je suis curieux de savoir si d'autres médiums ou styles s'en sortent plus facilement que l'huile sur panneau.

LUMIÈRE & OMBRE – CONCOURS D'ART ARTHELPER

CONNAISSANCE ORGANIQUE – Lumière, Ombre & Perception

Avec cette vidéo artistique, je participe au concours d'art « Light & Shadow » d'ArtHelper.

Mon travail explore l’interaction entre la lumière, l’ombre, la couleur, le mouvement et les différentes dimensions de la perception.

La lumière révèle ce qui est visible, tandis que l’ombre peut mettre en évidence ou dissimuler d’autres dimensions de ce que nous voyons. Ensemble, elles créent des contrastes, des transitions, des connexions et des transformations.

Je suis particulièrement intéressé par la façon dont différentes conditions d’éclairage transforment l’apparence d’une œuvre et comment ses structures, formes et couleurs peuvent être perçues et interprétées de manière variée.

Ces explorations artistiques font partie de mon engagement de longue date avec la connaissance organique, les champs d’information, le microcosme et le macrocosme, et les relations entre l’humanité, la nature et l’ordre cosmique.

Mes œuvres représentent des réflexions artistiques et philosophiques indépendantes. Elles ne prétendent pas à des affirmations médicales, psychologiques ou thérapeutiques, et elles ne se présentent pas non plus comme des résultats scientifiques universellement établis.

Pour moi, l’art signifie rendre les questions visibles, permettre à différentes perspectives de coexister et aborder l’inconnu avec ouverture et respect.

Mes sincères remerciements vont à ArtHelper et à tous ceux qui accompagnent mon parcours artistique avec intérêt, attention et appréciation.

Œuvre : Œuvres originales créées par Haci Sami Yaman.

Musique : Composition originale par Haci Sami Yaman, créée en 2000.

Haci Sami Yaman (H.S.Y)

Artiste outsider · Berlin, Allemagne

Atelier ouvert des hôpitaux Alexianer St. Hedwig, Berlin

R.T.A.IN.MANA

Regardez la vidéo publique complète sur ArtHelper :

https://www.arthelper.com/de/community/general/post/post-20261107-2da79637

Visitez ma page publique Facebook « Haci Sami Yaman – Outsider Art » pour plus d’œuvres et de vidéos :

https://www.facebook.com/profile.php?id=61596102247596

Certains d'entre nous tirent sans retenue — bracketing, rafales, variations — sachant que le vrai travail se fait dans la curation, et nous préférons avoir des options plutôt que de rater la photo. D'autres prennent des photos uniquement quand ils les voient, soutenant que la discipline de choisir avant l'obturateur vous rend meilleur photographe et vous fait gagner des heures sur Lightroom. Moi aussi, je fais des va-et-vient : avec la faune je tire et j'espère en obtenir une, mais lors d'une matinée consacrée au paysage avec prudence, je prendrai au total cinq clichés. Quel est votre mode naturel ?

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L'art peut-il exister au-delà de ce que les yeux peuvent voir ? Comment expérimentez-vous la perception, l'harmonie et l'émotion dans votre propre pratique ?

🌌✨ UNIVIP LOG | 360° – LA SYMPHONIE DE LA PERCEPTION

Chers artistes et esprits créatifs,

Avec cette vidéo, je souhaite vous inviter dans mon monde de pensées et les dimensions sans limites de ma perception artistique.

Pour moi, l'art ne commence pas par un coup de pinceau. Il émerge de nos pensées, émotions, souvenirs et expériences. Les couleurs, la lumière, les mouvements et les vibrations s'unissent pour créer une symphonie personnelle de l'existence.

Je pense en 360°. Pourquoi pas ?

Mon art est un voyage à la recherche de l'harmonie, de la beauté de la vie et des liens invisibles entre nos mondes intérieur et extérieur.

Chaque artiste porte un univers unique en lui. En partageant nos perceptions différentes, de nouvelles connexions et expériences créatives peuvent émerger.

❤ Ressentez l'art. Expérimentez l'art. Soyez l'art.

Petite note : Malheureusement, je ne suis pas autorisé à téléverser des vidéos avec de la musique directement sur ArtHelper. Regardez la vidéo complète avec la musique directement sur Facebook:

https://www.facebook.com/reel/1547051900515033

Avec amour, harmonie et chaleureuses salutations depuis Berlin.

Haci Sami Yaman

Artiste outsider – Berlin

Artiste de l'Open Atelier des Alexianer Sankt Hedwig Kliniken, Berlin

Je vends lors d'une poignée de petits salons d'artisanat chaque année, principalement mes pièces émaillées et argentées. Le dernier que j'ai fait, le stand en face de moi vendait des tirages sur panneaux métalliques, des couleurs vives, clairement pas faits par quelqu'un qui se tenait derrière cette table. Quelques images ressemblaient à des œuvres que j'avais vues en ligne chez des artistes que je suis. D'autres avaient cette apparence sans friction, trop lisse, qui me donne à penser qu'aucune main humaine n'était impliquée du tout.

Je ne suis pas là pour jouer les policiers du stand. Je n'ai guère le temps de veiller sur mon propre four afin d'empêcher que la moitié de mon stock ne se fissure.

Les lieux qui nous louent l'espace ne semblent pas vérifier, et honnêtement je ne sais pas à quoi ressemblerait une vérification. Est-ce aux organisateurs de vérifier l'inventaire ? Aux acheteurs de s'en soucier ? Aux artistes de le signaler et de risquer d'être perçu comme le vendeur difficile ?

Je ne suis vraiment pas sûr de savoir où se situe la responsabilité. Si vous avez été confronté à cela lors de marchés ou de foires, comment l'envisagez-vous ? Où se situe exactement la ligne ?

Rae Klein n'avait pas les signes distinctifs habituels du monde de la galerie : elle n'était jamais allée à l'école supérieure ni déménagé à New York (ou dans n'importe quelle autre grande ville, d'ailleurs). Elle avait toutefois une chose que le monde de l'art convoite de nos jours : plus de 99 000 abonnés sur Instagram.

Un jour, Klein peignait à Holland, dans le Michigan, lorsqu'un ami a tagué la célèbre galeriste Jessica Silverman dans une publication concernant l'une des expositions de Klein. Silverman a parcouru l'Instagram et le site Web de Klein, puis lui a envoyé un message privé. Cette connexion a finalement conduit à une exposition personnelle à San Francisco. Aujourd'hui, Klein est représentée par la galerie Nicodim, à Los Angeles.

Est-ce que quelqu'un d'inattendu vous a trouvé via votre Instagram ? Et si oui, qui était-ce ? Un collectionneur, une galeriste, un collaborateur, ou quelqu'un d'autre…

Peindre dans un état transactif – un voyage à travers les champs d'information

Lorsque je peins, j'entre dans un état transactif dans lequel je parcours des champs d'information.

J'explore les connexions, les perceptions et les différentes couches d'information sans suivre un plan prédéterminé.

Ce que je rencontre au cours de ces voyages intérieurs se déverse dans mes peintures et mes dessins.

Mon art devient l'expression visible de ces expériences.

Haci Sami Yaman – artiste outsider, Berlin

Regardez la vidéo ici :

https://www.arthelper.com/de/community/general/post/post-20261102-ff7bc187

DREAM TRAUMA DELUXE – Haci Sami Yaman

Chers amis artistes et collègues,

Je vous invite chaleureusement à découvrir mon livre d'art, « DREAM TRAUMA DELUXE ».

Dans ce livre, je rassemble mes œuvres originales et mes réflexions personnelles sur le traumatisme, la mémoire, la perception et les relations complexes entre les expériences intérieures et les champs d'information.

Mes peintures émergent d'un processus créatif intensif et à couches multiples. Elles expriment ma perception personnelle et de nombreuses années d'exploration artistique.

Le livre contient 39 œuvres et vous invite à voir l’art sous différents angles, à développer vos propres réflexions et à engager la conversation.

Je suis heureux de votre intérêt, de vos réflexions et d’un échange artistique ouvert.

Vous pouvez consulter mon livre gratuitement ici :

https://artbooks.arthelper.com/b/xN59sTym3B3f2iAvQpRhP

Chaleureuses salutations de Berlin,

Haci Sami Yaman

Choisir du matériel parce qu'il a l'air bien à l'écran plutôt que parce qu'il vous aide à mieux peindre est un piège. J'ai travaillé sur un ordinateur portable qui pouvait à peine maintenir une toile ouverte sans que le ventilateur ne rugisse, et l'art devait quand même se suffire à lui-même. Personne qui regarde une fiche de personnage terminée ne se soucie pas de savoir si la tablette dans la séquence time-lapse avait des bordures propres.

Je comprends l'argument selon lequel la présentation compte si vous construisez une audience autour de vidéos de processus. Mais je pense que, le moment où vos choix d'outils commencent à se pencher vers ce qui filme bien, vous avez discrètement passé de "artiste qui partage son travail" à "créateur de contenu qui dessine aussi". Ce ne sont pas les mêmes choses, et l'un d'entre eux finira par compromettre vos silhouettes.

Peut-être que je me trompe. Peut-être que l'investissement dans du matériel adapté à la caméra porte ses fruits d'une manière qui se répercute sur un art meilleur. Je ne l'ai tout simplement pas encore vu dans mon propre coin.

Est-ce que quelqu'un ici a réellement changé son équipement pour la façon dont il apparaît à la caméra ? Cela vous a-t-il aidé ou distrait ?

Point de vue audacieux : travailler avec moins de crayons de couleur te rend meilleur en couleurs plus rapidement que d'avoir toutes les nuances disponibles.

J'ai commencé avec un ensemble de douze crayons. Douze ! Et je pense sincèrement que ces mois à superposer seulement trois ou quatre crayons pour obtenir la couleur que je voulais m'ont appris davantage sur les interactions entre les teintes que n'importe quel tutoriel. Quand vous n'avez qu'un jaune chaud, un rouge frais et un bleu qui tire vers le vert, vous devez vraiment regarder ce qui se trouve devant vous et déterminer comment le construire. Vous remarquez la température. Vous remarquez comment l'ordre de superposition change tout.

Maintenant j'ai un ensemble plus grand et honnêtement je me tourne vers la même petite poignée la plupart du temps. Le reste reste là, joli, dans la boîte. Plus de choix ne fait qu'apporter plus d'hésitation, du moins pour moi.

Je sais que certaines personnes trouvent qu'une palette limitée ressemble à une cage. Mais je pense que la contrainte est là où se loge l'apprentissage. Changez mon avis, surtout si vous travaillez dans un médium où le mélange est plus indulgent que le travail en couches avec des crayons de couleur.

Chers artistes et amateurs d'art,

Je suis ravi de partager mon nouveau livre d'art numérique, AR EX – Le Codex de l'Existence.

Le projet s'est développé sur environ trois années d'exploration artistique. Au cours des deux dernières années, j'ai également utilisé l'intelligence artificielle pour transformer mes propres dessins, mes pensées et les systèmes du Codex en mondes visuels.

Sur 95 pages et 40 images, le microcosme et le macrocosme se rencontrent avec le temps, les nombres, les fréquences, les champs d'information et ma perception personnelle. Un thème important est une énergie protectrice omniprésente : influences positives et négatives, la recherche d'équilibre et un champ protecteur en transformation constante. Mon Codex est un langage artistique personnel reliant l'expérience vécue, la géométrie et la pensée à 360°.

Vivant avec une déficience visuelle sévère, je cherche à rendre visibles et accessibles aux autres des perceptions intérieures complexes. Je vous invite chaleureusement à explorer les images et à partager vos réflexions.

Lire le livre complet : https://artbooks.arthelper.com/b/D1OlehDB9n3Iq3tvmdYFe

Bien à vous,

Haci Sami Yaman (H.S.Y.)

Artiste outsider | Studio ouvert, Cliniques Alexianer St. Hedwig, Berlin

Certains artistes jurent qu'il ne faut jamais baisser les prix — cela trahirait vos acheteurs précoces, minerait gravement votre crédibilité, et une fois que vous avez baissé les prix, vous ne pouvez plus remonter. D'autres disent que c'est l'orthodoxie des galeries, et si maintenir une position ferme signifie zéro vente pendant des mois, une réduction stratégique des prix (ou une œuvre plus petite à de nouveaux niveaux de prix) est tout simplement du bon sens commercial. Je suis partagé sur ce sujet, car les deux camps ont des cicatrices de bataille pour prouver leur point.

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L'art profondément personnel peut-il parler à des personnes qui n'ont jamais vécu l'expérience de l'artiste ?

Je suis Haci Sami Yaman, un artiste outsider à Berlin. Je crée des peintures, des dessins et des rouleaux de papier monumentaux comme moyen d'explorer la mémoire, le traumatisme, la beauté et la dignité humaine.

En travaillant sur mon prochain livre d'art, DREAM TRAUMA DELUXE, une question revient sans cesse : un spectateur doit-il connaître l'histoire personnelle de l'artiste pour se connecter à l'œuvre ? Ou la couleur, la forme et les symboles peuvent-ils communiquer quelque chose de significatif par eux-mêmes ?

Mon sentiment personnel est que l'œuvre doit laisser de la place à l'imagination du spectateur, même lorsqu'elle provient d'un lieu extrêmement personnel.

Et vous, qu'en pensez-vous ? L'explication de l'histoire approfondit-elle une œuvre — ou lui enlève-t-elle parfois son mystère ?

Haci Sami Yaman