Kunstdebatten

A. Kunst um der Kunst willen.
Kunst existiert unabhängig von Nützlichkeit, Moral oder Politik. Ihr Wert liegt allein in Form, Schönheit und Ausdruck.

B. Kunst muss einen sozialen Zweck erfüllen.
Kreative Arbeit, die sich nicht mit sozialen, politischen oder Umweltfragen beschäftigt, hat keinen sinnvollen Wert.

C. Kunst als Spiegel des Göttlichen.
Künstlerische Kreativität ist eine Gabe Gottes, die die Schönheit, Ordnung und das Geheimnis der Schöpfung widerspiegelt.

D. Kunst als Marktorientierung.
Ich schaffe Kunst, indem ich verstehe, was die Menschen kaufen möchten, und sie gekonnt produziere.

E. Kunst als Selbstverwirklichung.
Kunst ist ein Mittel, mein Innenleben zu entdecken, zu verfeinern und zu verstehen.

F. Kunst als Kommunikation.
Kunst existiert, um Ideen, Emotionen oder Erfahrungen zu vermitteln, die sich nicht durch gewöhnliche Sprache ausdrücken lassen.

G. Kunst als historisches Dokument.
Kunst dokumentiert eine Zeit, einen Ort, eine Kultur oder eine Perspektive und bewahrt sie für zukünftige Generationen.

H. Kunst als Therapie.
Der Hauptzweck der Kunst ist Heilung – Traumabewältigung, Emotionsregulation oder das seelische Wohlbefinden zu erhalten.

I. Kunst als Rebellion.
Kunst hinterfragt Autorität, stört Normen und widersteht kultureller oder institutioneller Kontrolle.

J. Kunst als Arbeit und Überleben.
Kunst ist Arbeit – nicht anders als in anderen Berufen – und ihr Zweck besteht darin, Einkommen und Stabilität zu sichern.

K. Kunst als kulturelles Kapital.
Kunst existiert innerhalb von Macht-, Prestige- und Institutionensystemen; ihr Wert wird durch Anerkennung, Kuratierung und Zugangskontrollen geprägt.

L. Kunst als Spiel.
Schöpfung ist Experimentieren, Neugier und Freude ohne Verpflichtung zum Ergebnis oder Sinn.

M. Kunst als Obsession.
Ich schaffe, weil ich muss — Zwang, nicht Wahl, treibt die Arbeit.

N. Kunst als Illusion oder Täuschung.
Kunst manipuliert Wahrnehmung und Emotionen; ihre Kraft liegt darin, überzeugende Fiktionen zu konstruieren.

O. Kunst als Transzendenz.
Kunst zielt darauf ab, sowohl den Schöpfer als auch das Publikum über gewöhnliche Erfahrungen hinaus in etwas Erhabenes oder Transformierendes zu heben.

Im Bereich des Fotografen, der den Vorteil hat, aus einer großen Anzahl von Fotos eine Szenerie auswählen zu können, gegenüber einem Künstler, der nur einen Versuch hat, die Atmosphäre des Werks einzufangen. Daher sollte das Foto nicht auf derselben Bewertungsstufe stehen wie eines, das geschaffen wurde.

Was ist eure Meinung dazu? Sollen Prominente gemalt werden oder nicht? Was denkt ihr?

Ist das, was du erschaffst, die einzige Kunst, die produziert wird? Können deine Methoden, diese Kunst zu erschaffen, auch Kunst sein?

In der traditionellen Kunst gibt es nur: Linien, Tonwerte und Farbe.

Alles andere ergibt sich aus diesen drei Dingen.

Es gibt keine neuen Ideen unter der Sonne.

Okay, KI schnappt (klaut) Bilder und Fragmente von anderen Künstlern. Wenn wir etwas schaffen, ziehen wir Fragmente aus den Erfahrungen unseres Lebens und allem, was wir gesehen haben, einschließlich der Werke anderer Künstler, weil sie in unserem Gehirn gespeichert sind. Wenn wir schaffen, ziehen wir Verbindungen zwischen all diesen kleinen Informationsfragmenten, die wir in unser Gehirn gepackt haben. Wenn diese Assoziationen neu erscheinen und sogar besser, wenn sie mit Bedeutungen verknüpft sind, sagen wir AHHA, EUREKA oder I'VE GOT IT. Dann kommt die Aufgabe, dieser 'neuen' Idee einen physischen Körper zu geben, und wir schaffen unsere Kunst. Aber es basiert alles auf bestehenden Fragmenten in unseren Gehirnen, die wir im Laufe unseres Lebens dort hineingelegt haben. Wir betreiben Data Mining in ähnlicher Weise wie die KI es tut, außer du besitzt alle Bits, die in deinem Kopf sind.

Gibt es also keine neuen Ideen unter der Sonne?

Hören wir auf, so zu tun, als wäre das kein echtes Problem.

Wenn ein Künstler KI-generierte Quellen verwendet, um sein Werk zu entwickeln, sind sie dann wirklich kreativ — oder verkleiden gestohlene Ideen nur als Kunst?

Es gibt einen riesigen Unterschied zwischen der Nutzung von KI als Werkzeug und der Nutzung von KI, um die fundamentale Grundlage des Werks zu erzeugen. Wenn das Quellmaterial nicht originell ist, wie originell ist das Endwerk wirklich?

Also hier ist die Frage: Wenn die KI die Quelle erzeugt hat, ist der Künstler ein Schöpfer … oder einfach die Person, die ihren Namen auf fremdes Werk setzt?

Ich möchte eine ehrliche Antwort hören. Wo zieht ihr die Grenze?

Wie anfällig ist deine ART dafür, von KI dupliziert zu werden?

Vor Kurzem hat ASF ein „Human Made“-Abzeichen für all jene Künstler geschaffen, die Kunst ohne den Einsatz von KI erstellen, und sie erheben eine monatliche Gebühr von uns menschlichen Künstlern, damit dieses Abzeichen auf unserer Website platziert wird, um zu beweisen, dass das, was wir machen, echt ist.

Mit allem Respekt denke ich, es ist eine große Schande, dass ASF beschlossen hat, Künstler auszunutzen, die echte Kunst schaffen, indem sie uns bezahlen lassen, um zu beweisen, dass das, was wir machen, echt ist. Sind wir nicht schon genug ausgebeutet, während wir uns mit einer Welt herumschlagen, die jetzt von scheiß KI-Kunst überschwemmt ist, die der Kunst, die wir jahrelang mit Übung geschaffen haben, stiehlt? Und jetzt liegt die Last bei uns echten Künstlern, nicht nur zu beweisen, dass wir die Kunst, die wir verkaufen, tatsächlich geschaffen haben, sondern wir sollen auch noch dafür bezahlen??

Fühlt sich noch jemand anders so, dass es unethisch ist, dass ASF für dieses Abzeichen Gebühren erhebt? Das sollte ein kostenloser Service sein, den sie anbieten, um diejenigen von uns zu unterstützen, die die echte Arbeit leisten, und nicht einfach eine weitere Forderung, mit der wir uns herumärgern müssen.

Etwas, das mir heute durch den Kopf geht… Soll das Museumsprogramm auf kommerzielle Interessen oder öffentliche Beteiligung ausgerichtet sein?

Im Frühjahr 2025 präsentierten die vier größten Museumsausstellungen in New York (MoMA, das Whitney, der Guggenheim und das Met) alle einen Künstler, der von derselben Galerie vertreten wird: Hauser & Wirth – eine der mächtigsten Mega-Galerien der Welt.

Dieses Phänomen hat eine neue Konstellation in der Kunstwelt offengelegt. Da Museen zunehmend mit der Finanzierung kämpfen, sind viele darauf angewiesen, Galerienunterstützung zu nutzen, um ihre Ausstellungen zu realisieren. 

Was halten wir von dieser Praxis – ist sie ethisch? Stimmt unten in den Kommentaren mit „A“ oder „B“ ab, um eure Meinung mitzuteilen – und lasst uns wissen, warum!

Im Jahr 2019 wurde Jeff Koons' Skulptur Rabbit (1986) bei Christie’s für 91 Mio. USD verkauft — der größte Auktionsverkauf eines lebenden Künstlers, der je verzeichnet wurde. Unter dem US-Recht hatte Koons kein Anrecht auf einen Cent davon.

Ist es fair, dass Sammler und Auktionshäuser den gesamten Erlös behalten, oder verdienen Künstler einen Anteil?

Foto: Seth Wenig / AP

Im Raum und in der Zeit ähnelt es heute dem Künstler-Sein einer Pilgerreise.

Ein Abschnitt, der aus Spannungen, Versuchen und Fragmenten besteht — wie unsichtbare Scharmützel, um unseren Beziehungen Sinn zu geben, unseren Platz unter den Lebenden.

Kreieren bedeutet nicht nur Bilder zu produzieren.
Es geht darum, eine Verbindung zu suchen.
Eine Verankerung.
Eine Art, mit anderen zu existieren.

Aber das Paradoxon ist da.

Man spricht von Vielfalt, aber man ordnet sie ein.
Man feiert die Schöpfung, aber man hierarchisiert die Werdegänge.

Der junge Künstler ist oft in einer Schublade gefangen: „Amateur“.
Der Künstler, der von außerhalb kommt, wird zu: „soziokultureller Animator“.

Als ob das Potenzial gefiltert werden müsste.
Als ob die Legitimität von einem Kontext, einem Label, einem System abhängen würde.

Denn grundsätzlich ist die Kraft des Schaffens geteilt.

In einer Gesellschaft, die auf Produktion und Wettbewerb aufgebaut ist,
steht der Künstler vor einer stillen Wahl:

Sich konformieren,
oder sich engagieren.

Wofür soll man sich engagieren?
In die Verbindung.
In die Erinnerung.
In diese unsichtbare Geschichte der Resilienz, die jeder trägt.

Vielleicht liegt der wahre Ort des Künstlers nicht dort, wo man ihn verortet, sondern dort, den er selbst webt.

Ein instabiler, sich wandelnder, manchmal unbequemer Ort —
aber zutiefst lebendig.

Und wenn Kreieren heute bedeuten würde, die Unvereinbarkeit abzulehnen und trotz allem weiter zu verbinden? @Caliban RAMIREZ

#ArtEtSociété #CréerDuLien #ArtisteAujourdHui #Résilience #ArtContemporain #VoixArtistique

Ich habe keine Ahnung, warum Leute den Bauprozess sehen möchten, vielleicht sind sie durch Koch-, Näh-, Back- und andere Programme im Fernsehen konditioniert. Da ich unterwegs Fotos mache, habe ich keine starke Meinung dazu. Wenn Leute es mögen, den Prozess zu sehen, warum nicht? Es ist wie die Jahreszeiten eines Baumes, neue Knospen, Blätter, Blätter ändern die Farbe, Blätter sterben ab und fallen.

Ich glaube, die Leute wollen den Künstler als Person "sehen" und nicht als Halbgott, der dieses Gemälde, das gezeigt wird, fertiggestellt und verarbeitet hat. Es besteht keine Notwendigkeit für Geheimniskrämerei und Ego-Schutz. Authentisch zu sein verkauft sich besser als in einem Elfenbeinturm zu verweilen; es verbindet die Menschen auf einer tief menschlichen Ebene, was dazu führt, dass sie dich und deine Arbeit eher und wärmer mögen. Das gesagt habe, kann man nicht allen gefallen, und das ist auch gut so. Meine Arbeit ist nicht für jeden, aber Offenheit und Authentizität werden die Treue "meiner Leute" verstärken.

Neugierig, wo wir dazu stehen...Ist das Geheimnis, wie Kunst entsteht, ein Teil ihres Wertes? Oder profitieren Künstler mehr davon, wenn sie zeigen, wie sie ihre Werke schaffen?

Ich glaube, Künstler müssen das Steuer ihrer Karriere selbst in die Hand nehmen. Warte nicht darauf, dass eine Galerie dich entdeckt, sondern geh raus und zeige deine Arbeiten.

So viele Künstler, mich eingeschlossen, fehlen Selbstvertrauen.

Ich habe meine Werke auf internationalen Kunstmessen präsentiert und ich glaube, das ist eine lohnende Unternehmung. Ich komme aus Australien, daher ist hier der Kunstmarkt sehr klein.

Ich höre manchmal vom Begriff „Vanity Galleries“, aber ich stimme diesem Begriff nicht zu. Ich hatte das Glück, während meines Studiums an zwei Gruppenausstellungen kostenlos teilzunehmen. Allerdings habe ich für die meisten Ausstellungen bezahlt. Künstler müssen ihre Arbeiten zeigen.

Instagram macht das heutzutage möglich. Sehr wenige Künstler bekommen gleich nach dem Studium eine Galerievertretung, obwohl ich von einer Person weiß.

Am Ende des Tages musst du an deine Kunst und deine Arbeit glauben. Ich merke, dass ich, je älter ich werde, denke: Es ist jetzt oder nie. Vielleicht werde ich eines Tages sogar auf kommerzielle Galerien zugehen, aber ich bin noch nicht bereit.

Bildquelle: https://www.e-flux.com/notes/634540/the-field-of-contemporary-art-a-diagram

Ich bin eine Frau und seit über 35 Jahren professionelle Künstlerin. Wenn mich diese Frage vor etwa 3 Jahren gestellt hätte, hätte ich meinen Ärger zum Ausdruck gebracht und ja gesagt, ohne viel darüber zu wissen.

Doch seitdem habe ich tatsächlich ein Buch über die Rolle der Frauen in der Entwicklung der Kunst geschrieben, in der Zeit, in der akademische Kunst zur modernen Kunst wurde..... Die Antwort damals war eindeutig ja. Ich bin mir nicht sicher, ob es in Ordnung ist, den Titel dieses Buches hier zu nennen... Ich werde es tun, aber sagt mir Bescheid, falls ich es entfernen soll. (The HeArt of Paris) Bei meiner Recherche bin ich auch auf Gruppen wie die Gorilla Girls gestoßen, die neueren Datums sind, und wenn man sich damit beschäftigt, ist die Antwort immer noch ja.

Heute... April 2026. Ich hätte wahrscheinlich Arthelper fragen sollen, vielleicht hätte ich es tun sollen, aber ich habe ChatGPT gefragt.... Hier ist eine Zusammenfassung dessen, was ich erhalten habe: „Die unbequeme Wahrheit: Die Kluft ist immer noch real. Auch heute werden Frauenkünstlerinnen insgesamt noch unterschätzt, vor allem an der Spitze der Kunstwelt:

• Nur etwa 9–13 % der globalen Auktionserlöse sind für Werke von Frauen

• Unter den meistverkauften Künstlern sind Frauen eine kleine Minderheit (z. B. ca. 13 von den Top 100)

• Museen und Galerien zeigen immer noch weniger Werke von Frauen als von Männern, oft um die 30–40 % Repräsentation

Und hier ist die schmerzhafte Erkenntnis:
Selbst wenn Frauen die Kunstschule dominieren (was sie tun), verdienen sie weniger und erhalten im Laufe der Zeit weniger Sichtbarkeit

Also ja, in Bezug auf Geld, Prestige und historische Anerkennung dominieren noch immer Männer.

Wenn man den Blick weitet, wird die Frage „Werden Frauen weniger gut bewertet?“ schwierig.

Denn:

- Es geht nicht mehr wirklich um Qualität

- Es geht um Wertsysteme, Vermächtnis und Markteinflüsse

Die Kunstwelt basiert noch teilweise auf:

• historischem Kanon (männerdominiert)

• Sammlergewohnheiten (traditionell männlich geprägt)

• Investitionslogik (sicher = etablierte männliche Namen)

Aber diese Basis bricht…

🌱 6. Wohin das Ganze führt

Alle Anzeichen deuten darauf hin:

• Die nächsten Generationen werden viel ausgewogener sein

• Der Markt wird länger brauchen, um aufzukaufen

• Der größte Wandel könnte von denjenigen kommen, die Kunst kaufen, nicht nur von denjenigen, die sie schaffen

Was denkst du?

Unten ist meine Impression von Suzanne Valadon, die eine der Ausnahmen war. Sie war während ihrer Zeit als Künstlerin erfolgreich, eine der wenigen. Aber ihr Sohn, den sie zum Malen verführt hat, um seine Alkoholsucht zu bekämpfen, wurde bekannter und wertvoller als sie selbst. Der Hintergrund ist meine Impression seiner Art von Kunst (Straßen von Paris)

Hhhhhhjhgff

Nun, während die Zeiten weiterziehen, scheint es jetzt viel Debatte darüber zu geben, was menschgemachte Kunst ist und was KI oder Ähnliches. Offensichtlich geht dieses Thema viel tiefer als nur bei Kunst. Allerdings bin ich als Schöpfer jetzt oft verwirrter denn je, wie wir genau das „Menschgemacht“-Badge klassifizieren, das jetzt manche tragen, inklusive mir. Ich meine, ich glaube, ich verstehe den Marketing-Trick. Sicher, mehr Menschen wünschen sich mehr Authentizität in den Werken, die sie kaufen oder anschauen möchten, angesichts der Fülle an "Kunst", die jetzt auf die Straßen kommt, jetzt und in Zukunft. Es scheint eine typische Reaktion auf etwas völlig Neues und für die meisten ziemlich Fremdes zu sein. Aber als "human made" Künstler: Werden wir anfangen, andere zu beurteilen, die ihre Kreativität mit KI erkunden? Vielleicht ist es in gewisser Weise nur ein Türöffner fürs Erste und die Zukunft wird zeigen, wie das alles ausgehen wird. Für mich persönlich glaube ich nicht, dass ich entscheiden werde, jemandes Kreativität zu unterdrücken, nur weil sie KI benutzt haben… Wir sollten dies bei bestimmten Diskussionen im Hinterkopf behalten. Persönlich würde ich es vorziehen, nicht Teil einer elitären Gruppe zu werden, die jegliche KI-Kunst abwinkst, nur weil jemand anderes sie als Schnittstelle zu seiner Kreativität nutzt. Und wie ich dazu sage: Müll rein, Müll raus. So ist wahrscheinlich auch Kunst gedacht. Nur meine zwei Cent für heute… Hinweis: Ich habe mich entschieden, meine Originalgedichte und Werke vollständig zu teilen. Aber ich habe meine Gedichte auf einem Hintergrund präsentiert, den ich mit KI-Inputs erstellt habe. Und zurück zur Frage: Wie klassifizieren wir das jetzt?