Kunstdebatten

Zum Thema Prozess ist meine Meinung, dass egal welchen Weg du deine Kunst auf die Leinwand bringst, dies legitim ist. Ich habe eine bestimmte Art, mein Action-Painting neu zu interpretieren, die nicht das Abtropfen von Farbe beinhaltet, sondern das Offenlegen dessen, was unter dem Chaos liegt. Ich war bislang zögerlich, meinen Prozess zu erklären, weil jemand mit echtem Talent es besser tun würde. Aber wenn sich jemand interessiert, erkläre ich meinen Prozess gerne.

Wenn du zu früh nach einem Preset greifst, bevor du dir ein paar Minuten Zeit genommen hast, um das Bild anzuschauen, gestaltest du die Erinnerung einer anderen Person.

Ich filme mit Film, also ist die Hälfte des 'Grading' bereits in dem Filmstock eingeflossen, den ich mir heute Morgen ausgesucht habe. Aber selbst im Scan gibt es einen Moment, in dem du entscheidest: Lasse ich diese Dämmerung bernsteinfarben, oder kühle ich sie ab, weil das, was die Szene dort tatsächlich fühlte, so war, als man dort stand? Lange zweifelte ich an jeder Entscheidung, überzeugt, dass irgendwo eine 'richtige' Palette versteckt sei. Letztlich ist die richtige Palette diejenige, die das Bild so wirken lässt wie die Luft damals.

Presets können sicher als Ausgangspunkte nützlich sein. Aber mir ist aufgefallen, dass die Arbeiten, zu denen ich immer wieder zurückkehre, egal ob meine eigenen oder die von jemand anderem, fast immer Farbentscheidungen haben, die persönlich wirken und ein wenig eigensinnig sind. Nicht trendy. Nicht sicher. Einfach entschlossen.

Das gesagt, kenne ich viele Fotografen, die auf einen konsistenten Preset-Workflow schwören, und deren Portfolios sind kohärent in Weisen, in denen meins wahrscheinlich nicht ist. Also vielleicht rationalisiere ich nur meine eigene Sturheit. Neugierig, wer hier tatsächlich seinem Bauchgefühl in Sachen Farbe vertraut, statt einem System zu folgen, und ob die Ergebnisse die Uneinheitlichkeit wert waren.

Natürliche Borsten-Fans schwören darauf, wie Wildschweinborsten oder Sableshaar die Farbe halten und freigeben — es gibt eine Weichheit und einen Fluss, den man einfach nicht vortäuschen kann. Aber die synthetische Seite schlägt zurück: Modernes Nylon und Polyester sind so weit fortgeschritten, dass sie leichter zu reinigen sind, ewig halten, weniger kosten, und niemand musste ein Tier schädigen. Ich habe beides jahrelang verwendet und wechsle ehrlich gesagt hin und her, je nachdem, was ich an diesem Tag male.

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Betonwände im flachen Licht. Eine geschlossene Ladenfront um 14 Uhr. Die Rückseite einer Bushaltestelle, an der niemand wartet.

Ich glaube, die Aufnahmen, an denen andere Fotografen vorbeigehen, weil sie als 'zu langweilig' gelten, sind genau die, die bei Menschen Anklang finden, die tatsächlich Werke kaufen. Nicht jedes Bild braucht einen Sonnenuntergang oder einen entscheidenden Moment mit einem Fremden, der mitten im Schritt ist. Ruhige, leere, unscheinbare Szenen bewirken etwas anderes. Sie ermöglichen es dem Betrachter, sich in den Rahmen hineinzuversetzen. Diese Projektion ist es, die jemanden dazu bewegt, mit einem Abzug zu leben.

Ich habe ganze Nachmittage an einer einzigen Straße in Adelaide verbracht und darauf gewartet, dass nichts Bestimmtes passiert, und diese Aufnahmen bekommen mehr Resonanz als alles, was ich bei der Goldenen Stunde aufgenommen habe. Dasselbe gilt für ein regnerisches Fenster in Kyoto, wo die Straße darunter völlig still war. Keine Bewegung, kein Drama, nur Wetter und Glas.

Fotografen erzählen sich gerne gegenseitig, dass ein Motiv interessant sein muss. Ich glaube, das Gegenteil ist wahr. Je weniger 'interessant' das Motiv ist, desto härter muss die Atmosphäre arbeiten, und die Atmosphäre ist das, woran sich die Leute erinnern.

Neugierig, wer sonst seine beste Arbeit darin gefunden hat, das zu entdecken, was alle anderen vorbeigegangen sind.

Art Beyond Boundaries – 25 Metres of Expression ❤

My hand-painted art scrolls unfolded inside the historic St. Nikolai Church in Berlin-Spandau, Germany.

A special encounter between Outsider Art, architecture, human emotions and shared experiences.

Art connects us beyond words, cultures and boundaries.

With love from Berlin,

Haci Sami Yaman – Outsider Artist

#OutsiderArt #ContemporaryArt #BerlinArt #ArtWithoutBoundaries

Einige Künstler schwören darauf, im CMYK zu beginnen, damit am Drucker keine Überraschungen auftreten — was du siehst, ist, was du bekommst. Andere argumentieren, dass RGB dir den vollen Farbraum bietet, bessere Mischmodi, kleinere Dateien, und du kannst später immer konvertieren und anpassen. Ich habe beide Wege ausprobiert und ehrlich gesagt wechsle ich je nach Projekt.

(Die Kommentar-Abzeichen zeigen deine Stimme… Wähle weise 😈)

Ich wechsle hier in Seattle in einem Café alle paar Monate die Werke aus. Ein Freund meinte, ich solle rote Punkte an einigen Stellen belassen, auch nachdem die Gemälde abgehängt wurden, damit die Neuen neben dem Beleg stehen, dass sich Dinge verkaufen. Die Idee dahinter ist, dass wahrgenommene Nachfrage tatsächliche Nachfrage schafft.

Ein Teil von mir versteht es. Ich habe gesehen, wie jemand an einer Wand voller Gemälde vorbeigeht, ohne einen Blick zu werfen, und plötzlich stehen bleibt, wenn er eines als verkauft markiert sieht, plötzlich interessiert am nebenstehenden Stück. Etwas an der Knappheit schaltet einen Schalter um.

Aber ein anderer Teil von mir, der Teil, der letzte Woche ein halbfertiges Paneel durch eine Böe vom Puget Sound verloren hat, fühlt, dass das Werk einfach für sich stehen sollte. Wenn ein grauer Himmel voller versteckter Farben niemanden anzieht, sollte ein kleines rotes Etikett daneben nicht die Aufgabe übernehmen müssen.

Ich schwanke immer wieder zwischen beidem. Erzeugt das Schaffen eines Nachfragegefühls einfach eine kluge Präsentation, oder gerät es in etwas Unehrliches? Neugierig, wo andere landen.

Ich brachte einst ein Plein‑Air‑Panel direkt vom Easel zu einer Gruppenausstellung. Rohkanten, eine Cadmiumverschmierung an der Seite, vielleicht ein Daumenabdruck. Ich verkaufte es, noch bevor die Eröffnung vorbei war. Der Käufer sagte, die grobe Kante ließe es lebendig wirken.

Also probierte ich es erneut in einer ordentlichen Galerie aus. Eine andere Kundschaft. Das Gemälde stand die ganze Nacht dort und sah aus wie Hausaufgaben, die am Kühlschrank befestigt waren. Die gleiche Arbeitsqualität, derselbe graue Himmel mit fünf oder sechs Farben, die darin verborgen lagen. Niemand blieb stehen.

Ich denke, der Rahmen zählt mehr, als die meisten von uns zugeben wollen, besonders bei kleinen Alla prima-Landschaften, die sich schon um die Präsenz an der Wand streiten. Ein Rahmen signalisiert jemandem, dass dies fertig ist, dass es sich lohnt, hinzusehen. Ohne einen sieht nur Maler das Gemälde. Alle anderen sehen nur ein Holzbrett.

Das gesagt, lasse ich meine Studio-Panels ungerahmt, und ehrlich gesagt sehen sie mir so besser aus. Vielleicht geht es also gar nicht um die Kunst, sondern darum, wer im Raum ist.

Hat noch jemand einen echten Unterschied bemerkt, wie Werke gerahmt im Vergleich zu rohem Zustand wirken? Mich würde interessieren, ob andere Medien oder Stile damit leichter durchkommen als Öl auf Panel.

LIGHT & SHADOW – ARTHELPER ART COMPETITION

ORGANIC COGNITION – Light, Shadow & Perception

With this artistic video, I am participating in ArtHelper’s “Light & Shadow” art competition.

My work explores the interplay of light, shadow, color, movement, and the different dimensions of perception.

Light reveals what is visible, while shadow can emphasize or conceal other dimensions of what we see. Together, they create contrasts, transitions, connections, and transformations.

I am particularly interested in how different lighting conditions transform the appearance of an artwork and how its structures, shapes, and colors can be perceived and interpreted in diverse ways.

These artistic explorations are part of my long-standing engagement with organic cognition, information fields, the microcosm and macrocosm, and the relationships between humanity, nature, and cosmic order.

My works represent independent artistic and philosophical reflections. They make no medical, psychological, or therapeutic claims, nor do they present themselves as universally established scientific findings.

For me, art means making questions visible, allowing different perspectives to coexist, and approaching the unknown with openness and respect.

My heartfelt thanks go to ArtHelper and to everyone who accompanies my artistic journey with interest, attention, and appreciation.

Artwork: Original works created by Haci Sami Yaman.

Music: Original composition by Haci Sami Yaman, created in 2000.

Haci Sami Yaman (H.S.Y)

Outsider Artist · Berlin, Germany

Open Studio of the Alexianer St. Hedwig Hospitals, Berlin

R.T.A.IN.MANA

Watch the complete public video on ArtHelper:

https://www.arthelper.com/de/community/general/post/post-20261107-2da79637

Visit my public Facebook page “Haci Sami Yaman – Outsider Art” for more artworks and videos:

https://www.facebook.com/profile.php?id=61596102247596

Einige von uns feuern los — Belichtungsreihen, Serien, Variationen — im Wissen, dass die eigentliche Arbeit im Kürzen liegt, und wir hätten lieber Optionen, als das Foto zu verpassen. Andere fotografieren nur, wenn sie es sehen, und argumentieren, dass die Disziplin, vor dem Auslösen zu wählen, dich zu einem besseren Fotografen macht und Stunden in Lightroom spart. Ich schwanke selbst: Bei Wildtieren schieße ich wahllos drauf, aber an einem sorgfältigen Landschaftsmorgen mache ich insgesamt fünf Aufnahmen. Was ist dein natürlicher Modus?

(Die Kommentar-Abzeichen zeigen deine Stimme… wähle klug 😈)

Can art exist beyond what the eyes can see? How do you experience perception, harmony, and emotion in your own practice?

🌌✨ UNIVIP LOG | 360° – THE SYMPHONY OF PERCEPTION

Dear fellow artists and creative minds,

With this video, I would like to invite you into my world of thoughts and the boundless dimensions of my artistic perception.

For me, art does not begin with a brushstroke. It emerges from our thoughts, emotions, memories, and experiences. Colors, light, movements, and vibrations come together to create a personal symphony of existence.

I think in 360°. Why not?

My art is a journey in search of harmony, the beauty of life, and the invisible connections between our inner and outer worlds.

Every artist carries a unique universe within. Through sharing our different perceptions, new connections and creative experiences can emerge.

❤ Feel art. Experience art. Be art.

A little note: Unfortunately, I am not permitted to upload videos with music directly to ArtHelper. Watch the complete video with music directly on Facebook:

https://www.facebook.com/reel/1547051900515033

With love, harmony, and warm greetings from Berlin.

Haci Sami Yaman

Outsider Artist – Berlin

Artist from the Open Atelier of the Alexianer Sankt Hedwig Kliniken, Berlin

Bei der letzten Messe, an der ich teilgenommen habe, stand der Stand gegenüber von mir und verkaufte Drucke auf Metallplatten, in leuchtenden Farben, eindeutig nicht von jemandem hinter diesem Tisch gemacht. Einige der Bilder erinnerten mich an Arbeiten, die ich online von Künstlern gesehen habe, denen ich folge. Andere wirkten wie ein reibungsloses, zu sauberes Aussehen, das mich glauben ließ, dass überhaupt keine menschliche Hand beteiligt war.

Ich bin nicht hier, um der Standpolizei zu spielen. Ich habe kaum Zeit, meinen eigenen Brennofen davon abzuhalten, die Hälfte meines Inventars zu beschädigen. Aber das hat mir keine Ruhe gelassen. Ich habe Stunden damit verbracht, ein einzelnes Stück zu brennen und erneut zu brennen, und jemand in der Nähe verkauft Produkte, die in Sekunden hergestellt oder in Minuten kopiert wurden.

Die Veranstaltungsorte, die uns Platz vermieten, scheinen das nicht zu überprüfen, und ehrlich gesagt weiß ich auch nicht, wie eine Überprüfung überhaupt aussehen würde. Liegt es an den Organisatoren, das Inventar zu prüfen? Oder sollen Käufer darauf achten? Oder sollen Künstler es melden und riskieren, der schwierige Aussteller zu sein?

Ich bin wirklich unsicher, wo die Verantwortung liegt. Wenn du das auf Märkten oder Messen erlebt hast, wie gehst du damit um? Wo liegt eigentlich die Grenze?

Rae Klein hatte nicht die typischen Anzeichen der Galerieszene: Sie hatte nie die Graduiertenschule besucht oder nach New York (oder in eine andere Großstadt überhaupt) gezogen. Sie hatte jedoch eine Sache, die die Kunstwelt heutzutage begehrt: mehr als 99.000 Follower auf Instagram.

An einem Tag malte Klein in Holland, Michigan, als ein Freund Jessica Silverman in einem Beitrag zu einer von Kleins Ausstellungen taggte. Silverman sah sich Kleins Instagram und Website an, und schickte ihr dann eine Direktnachricht. Diese Verbindung führte schließlich zu einer Einzelausstellung in San Francisco. Heute wird Klein von der führenden Galerie Nicodim in Los Angeles vertreten.

Hat dich jemand Unerwartetes durch Instagram gefunden? Falls ja, wer war es? Ein Sammler, Galerist, Mitstreiter oder jemand anderes…

Painting in a Transactive State – A Journey Through Information Fields

When I paint, I enter a transactive state in which I journey through information fields.

I explore connections, perceptions and different layers of information without following a predetermined plan.

What I encounter during these inner journeys flows into my paintings and drawings.

My art becomes the visible expression of these experiences.

Haci Sami Yaman – Outsider Artist, Berlin

Watch the video here:

https://www.arthelper.com/de/community/general/post/post-20261102-ff7bc187

DREAM TRAUMA DELUXE – Haci Sami Yaman

Dear art friends and fellow artists,

I warmly invite you to discover my art book, “DREAM TRAUMA DELUXE.”

In this book, I bring together my original artworks and personal reflections on trauma, memory, perception, and the complex relationships between inner experiences and fields of information.

My paintings emerge through an intensive, multilayered creative process. They express my personal perception and many years of artistic exploration.

The book contains 39 works and invites you to look at art from different perspectives, develop your own thoughts, and engage in conversation.

I welcome your interest, thoughts, and an open artistic exchange.

You can view my book free of charge here:

https://artbooks.arthelper.com/b/xN59sTym3B3f2iAvQpRhP

Warm greetings from Berlin,

Haci Sami Yaman

Hardware auszuwählen, nur weil es auf dem Bildschirm gut aussieht, statt weil es dir hilft, besser zu malen, ist eine Falle. Ich habe an einem Laptop gearbeitet, der kaum in der Lage war, eine Leinwand offen zu halten, ohne dass der Lüfter schrie, und die Kunst musste trotzdem eigenständig stehen. Niemand, der sich einen fertigen Charakterbogen anschaut, kümmert sich darum, ob das Tablet im Timelapse saubere Bildschirmränder hatte.

Ich verstehe das Argument, dass die Präsentation wichtig ist, wenn du ein Publikum rund um Prozessvideos aufbaust. Aber ich denke, sobald deine Werkzeugauswahl sich dahin neigt, was gut filmt, bist du stillschweigend von "Künstler, der Arbeiten teilt" zu "Content Creator, der auch zeichnet" gewechselt. Das ist nicht dasselbe, und eines von beiden wird schließlich deine Silhouetten beeinträchtigen.

Vielleicht liege ich falsch. Vielleicht zahlt es sich aus, in kamerafreundliche Ausrüstung zu investieren, auf eine Weise, die zu besserer Kunst zurückführt. Ich habe es in meinem eigenen Umfeld bisher einfach noch nicht gesehen.

Ist hier irgendjemand, der tatsächlich seine Ausrüstung geändert hat, damit sie auf der Kamera besser wirkt? Hat es geholfen oder abgelenkt?

Heiße These: Mit weniger Farbstiften bist du schneller gut im Umgang mit Farben, als wenn du jede Nuance zur Verfügung hättest.

Ich habe mit einem Set von zwölf begonnen. Zwölf! Und ich glaube ehrlich gesagt, dass mir jene Monate des Nebeneinanderlegens nur drei oder vier Stifte zu verwenden, um die gewünschte Farbe zu bekommen, mehr darüber beigebracht haben, wie Farbtöne interagieren, als irgendein Tutorial.

Wenn man nur ein warmes Gelb, ein kühles Rot und ein Blau hat, das grünlich wirkt, muss man sich wirklich anschauen, was vor dir liegt, und herausfinden, wie man es aufbaut.

Du bemerkst die Temperatur.

Du merkst, wie die Reihenfolge des Schichtens alles verändert.

Jetzt habe ich ein größeres Set und ehrlich gesagt greife ich die meiste Zeit nach der gleichen kleinen Handvoll. Der Rest liegt dort und sieht hübsch in der Dose aus. Mehr Auswahl bedeutet einfach mehr Zögern, zumindest für mich.

Ich weiß, dass manche Leute eine begrenzte Farbpalette wie ein Käfig empfinden. Aber ich denke, die Einschränkung ist der Ort, an dem das Lernen stattfindet. Überzeugt mich, besonders wenn du in einem Medium arbeitest, in dem das Mischen verzeihlicher ist als das Schichten von Buntstiften.

Dear fellow artists and art lovers,

I am delighted to share my new digital art book, AR EX – The Codex of Existence.

The project grew from approximately three years of artistic exploration. During the past two years, I have also used artificial intelligence to transform my own drawings, thoughts and Codex systems into visual worlds.

Across 95 pages and 40 images, microcosm and macrocosm meet time, numbers, frequencies, information fields and my personal perception. An important theme is an all-encompassing protective energy: positive and negative influences, the search for balance and a protective field in constant transformation. My Codex is a personal artistic language connecting lived experience, geometry and 360° thinking.

Living with severe visual impairment, I seek to make complex inner perceptions visible and accessible to others. I warmly invite you to explore the images and share your thoughts.

Read the complete book: https://artbooks.arthelper.com/b/D1OlehDB9n3Iq3tvmdYFe

Warm regards,

Haci Sami Yaman (H.S.Y.)

Outsider Artist | Open Studio, Alexianer St. Hedwig Clinics, Berlin

Einige Künstler schwören darauf, dass man die Preise niemals senken sollte — das verrät deine Frühkäufer, untergräbt deine Glaubwürdigkeit, und sobald du runtergehst, kannst du nie wieder nach oben klettern. Andere sagen, das sei Galerieorthodoxie, und wenn Festhalten am Preis monatelang zu null Verkäufen führt, ist eine strategische Preissenkung (oder kleinere Arbeiten zu neuen Preisstufen) einfach kluges Geschäft. Ich schwanke dabei selbst, weil beide Lager Narben haben, um ihren Standpunkt zu beweisen.

(Die Kommentarabzeichen zeigen deine Stimme… wähle weise 😈)

Can deeply personal art speak to people who have never lived the artist's experience?

I am Haci Sami Yaman, an Outsider artist in Berlin. I create paintings, drawings and monumental paper scrolls as a way of exploring memory, trauma, beauty and human dignity.

While working on my forthcoming art book, DREAM TRAUMA DELUXE, one question keeps returning: Does a viewer need to know the artist's personal story to connect with the work? Or can colour, form and symbols communicate something meaningful on their own?

My own feeling is that the artwork should leave room for the viewer's imagination, even when it comes from an intensely personal place.

What do you think? Does explaining the story deepen an artwork — or sometimes take away its mystery?

Haci Sami Yaman