Neugierig, wo wir dazu stehen...Ist das Geheimnis, wie Kunst entsteht, ein Teil ihres Wertes? Oder profitieren Künstler mehr davon, wenn sie zeigen, wie sie ihre Werke schaffen?
Ich bin hier mit dir! Meine Webseite ist noch nicht einmal gestartet (bald though, habe ich mir sagen lassen). Ich habe sooo viele neue & spannende Ideen, um zu malen, nachdem ich über 5 Jahre lang nichts Kreatives gemacht habe. Zu viel „Leben“ läuft, vor allem Schlechtes & Belastendes. Die Anmeldung bei ASF im Dezember war mein Versuch, meine Kunstkarriere wieder zu starten, nach über 40 Jahren großem Erfolg mit einem Cottage Craft Business, bei dem ich große Kunstshows in Metropolregionen gemacht und national im Großhandel verkauft habe, danach dann Teil- oder Vollzeit als Grafikdesigner/Künstlerdirektor gearbeitet, bis ich in den Ruhestand ging. Dann hat mich meine Gesundheit ausgebremst. Jetzt möchte ich all diese aufgestauten Ideen auf Papier bringen, UM ENDLICH KÄUFER ZU FINDEN!! Ugh!! Endlich habe ich die Künstlerlust, wieder zu schaffen, und jetzt HABE ICH KEINE ZEIT DAFÜR!!! Es gibt soooo viel zu lernen über Social Media & Promotion. Mein gestresster alter Geist kämpft damit!
Ich verwende in meiner Kunst verschiedene Techniken; einige sind Mainstream, andere habe ich selbst entwickelt. Ich betrachte diese als meine Geheimwaffen, die ich mir viel Zeit genommen habe zu entwickeln, und ich möchte nicht, dass Künstler meine Techniken oder meinen Prozess kopieren! Wie Red Groom sagte: „Jeder Künstler braucht eine Geheimwaffe“!
Ich bin sicher, viele Künstler fühlen sich dazu berufen, das zu tun. Als fotografischer Künstler jedoch, wie zeige ich den Prozess des Bildaufnahme und der Umwandlung in fotografische Kunst? Ich weiß, dass es möglich ist, wenn ich mein RAW-Bild und die Verbesserungen, die ich vornehme, zeigen möchte, aber ehrlich gesagt habe ich keine Zeit oder Interesse daran. Vielleicht klingt das faul, und vielleicht werde ich meine Meinung in Zukunft noch ändern, aber ich erschaffe ein fotografisches Bild, auf das die Menschen reagieren sollen oder auch nicht, nicht den Prozess, wie ich es mache.
Sharon, ich stimme dir zu. Als Fotograf, der verschiedene Bearbeitungsprogramme auf unterschiedlichen Computern verwendet, um entweder kleine Anpassungen vorzunehmen und ein natürliches Foto zu schaffen oder stark bearbeitete Bilder zu erstellen, kann ich meinen Bildschirm nicht so einfach teilen oder über die Schulter aufnehmen, was ich tue. Ich habe keine Zeit, um herauszufinden, wie ich den Prozess erfassen kann, während ich gleichzeitig Zeit habe, um mehr Kunst zu schaffen. Ich habe kein Problem damit, zu erklären, was ich tue, oder sogar jemandem zu zeigen, was gerade passiert, wenn sie fragen, ich möchte nur nicht die Mühe auf mich nehmen, herauszufinden, welche Ausrüstung ich verwenden werde, um mich bei der Nutzung meiner Geräte zur Erstellung von Kunst zu erfassen. Das ist fast eine komplette zweite Ausrüstung! Lol
Laut Instagram ja, und wir sind alle Sklaven von Instagram
Meiner Meinung nach, egal ob ich das auf Facebook oder anderswo poste, ziehe ich es vor, ein Video mit Schnappschüssen meines Fortschritts bei meinen Aquarellmalereien zu teilen, vom Sketch bis zur Fertigstellung. Manchmal komme ich mir vor wie im Voraus und vergesse, Fotos von Zwischenschritten zu machen, aber ich stelle fest, dass ich im Allgemeinen mit den Prozessvideos zufrieden bin. Sie helfen anderen und ermöglichen es mir, meinen eigenen Prozess zu sehen.
Ich denke nicht, nie im Leben. Ein Künstler teilt eine Reise.
Das Beobachten, wie Farbe sich bewegt, das Sehen, wie eine Komposition sich findet, das Verstehen, warum eine Farbwahl getroffen wurde… nichts davon erklärt das Gefühl, das ein fertiges Werk vermittelt. Im Gegenteil, es vertieft es noch.
Es gibt auch etwas, worüber die meisten Menschen nicht sprechen: Kunst zu machen, kann einsam sein. Den Prozess zu teilen, bringt uns aus unseren eigenen Köpfen heraus und in eine Konversation. Und diese Verbindung ist wichtig, sowohl für den Künstler als auch für den Sammler.
Also ja, ich teile. Das Durcheinander, die Wendungen, die glücklichen Zufälle. Denn wenn etwas, das ich gelernt habe, einem anderen Künstler hilft oder einem Sammler, sich noch mehr in das, was es bedeutet, Originalkunst zu besitzen, zu verlieben, ist das für mich ein Gewinn, den ich immer mitnehmen werde.
Es gibt etwas Besonderes daran, ein Gemälde lebendig werden zu sehen…
Die Schichten, die Entscheidungen, die Momente, die es fast nicht auf die Leinwand geschafft hätten.
Das ist der Teil, den man in einer Galerie nicht sieht und der die Menschen fesselt. Der ruhige Aufbau, die Bewegung der Farben, das Gefühl, bevor es zu einem fertigen Stück wird.
Kein Werk ist jemals gleich… und genau dort lebt die Magie.
Die Bilder können auf deiner Webseite eingebunden werden, um den Verkaufsprozess zu unterstützen, in sozialen Medien und in deinen Newslettern.
Nein, ich denke, der Käufer oder Investor in deine Kunst möchte wissen, wie das Kunstwerk, an dem sie interessiert sind, entstanden ist.
Es ist auch so, als ob sie vor dem Kauf ein bisschen über den Künstler wissen möchten.
Das ist der Ort, an dem moderne Käufer vor dem Kauf recherchieren.
Nein, ich denke, es zeigt, wie viel Arbeit in die Kunst gesteckt wurde, was sie interessanter macht.
Einverstanden. Ich habe vor einiger Zeit damit begonnen, meine Prozessaufnahmen zu teilen, und das hat die Gespräche, die die Leute über das fertige Stück führten, völlig verändert. Sie bemerkten Entscheidungen, die ihnen sonst nie aufgefallen wären.
Ich bin eine Lehrkünstlerin, das Teilen meines Prozesses hat meine Praxis vertieft und mich dazu gebracht, mehr darüber nachzudenken. Es dehnt sie aus und zwingt mich, sie auf eine Weise zu untersuchen, die ich vor über 20 Jahren, als ich mit dem Unterrichten begann, nicht gemacht hätte. Während der Pandemie habe ich angefangen, auch online zu unterrichten, und habe jetzt auch einen florierenden YouTube-Kanal. Das bedeutet, dass ich beim Unterrichten noch genauer beobachtet werde. Mein Unterrichtsstil war schon immer, meinen Schülern Werkzeuge und Methoden an die Hand zu geben und ihnen dann zu helfen, ihre eigene persönliche Stimme zu finden sowie ihren eigenen Stil und ihre visuelle Erzählung. Meine Art zu zeigen, nur einen Weg zu demonstrieren, ist nur eine Möglichkeit, Dinge zu tun, deshalb hoffe ich immer, dass die Leute inspiriert werden, ihren eigenen Weg zu finden oder einen Weg, der sich für sie richtig anfühlt, um zu malen oder Kunst zu schaffen.
Ich fühle mich äußerst unwohl dabei, meinen Prozess zu teilen. Ich denke nicht, dass es die Arbeit entwertet, aber für mich ist es eine Verletzung meiner Privatsphäre. Ich habe es einige Male versucht, aber ich denke einfach nicht, dass es das Richtige für mich ist. Ich verstehe die Vorteile, aber ich muss nach dem gehen, was sich richtig anfühlt. Ich bin froh, wenn Leute in mein Studio kommen, um die Arbeiten zu sehen. Das liebe ich. Ich liebe es, über die Arbeiten zu sprechen und Ausstellungen zu machen. Aber ich würde mich nicht wohl fühlen, mit einem live 'Publikum' zu arbeiten, und das ist dasselbe. Mir läuft es kalt den Rücken runter.
Ich persönlich denke, es nimmt dem Werk selbst etwas weg.
Vielleicht macht es Sinn, wenn man etwas Realistisches macht und versucht, etwas Spezifisches nachzubilden. Aber für diejenigen von uns, die eher abstrakt und spontan arbeiten, denke ich, dass das Zeigen der frühen bis mittleren Phasen der Entstehung eines Kunstwerks den falschen Eindruck hinterlassen könnte.
Wenn es jemals eine Technologie gäbe, die "beschreiben könnte, was ich denke", während ich etwas erschaffe, könnte das vielleicht unterhaltsam sein, aber als abstrakter Maler, der erklärt, was er tut, während er ein Werk schafft, erscheint mir das oberflächlich.
Meiner bescheidenen Meinung nach braucht es Zeit, Mühe und sheer Engagement, um an den Punkt zu gelangen, an dem man „ein System, eine Geheimzutat oder eine Geheimwaffe“ hat. Wenn ich diesen Punkt für meine Kunst erreiche, bin ich mir nicht zu 100 % sicher, ob ich mein System anbieten würde, damit Leute es dekonstruieren und nachmachen können, solange ich noch im Geschäft bin. Wird das Zeigen meines Prozesses meinem fertigen Werk nehmen? Nun, ich denke nicht. Wenn ich zuerst das fertige Werk zeige, kann ich auswählen, welchen Teil des Prozesses ich offenlegen möchte. Nicht alles. Wir alle sollten unseren eigenen Weg finden. Es ist gut, das zu tun. Es ist das, was jeden von uns in unserer Kunst einzigartig machen kann.
Nein. Nicht für mich. Ich denke, dass es wertvoll für deinen Tribe von Sammlern/Fans ist, zu zeigen, wie du das machst, was du machst. Du kannst dich entscheiden, einen Teil davon "abzuschotten", besonders wenn dein Prozess wirklich ungewöhnlich oder einzigartig ist, aber ich glaube, dass das Eintauchen der Menschen in deine Welt die Verbindung stärkt. Das Zeitalter, in dem wir leben, mit dem Internet, den sozialen Medien und der Geschwindigkeit, mit der Dinge passieren, kann überwältigend sein. Marketing kann, und tut es oft, wie ein notwendiges Übel erscheinen. Aber den Prozess zu zeigen, kann auch helfen, die Lücke zwischen den fertigen Arbeiten zu füllen.
Das ist eine großartige Debatte, um sie zu beginnen, und ehrlich gesagt ist die Antwort aus Verkäufersicht ziemlich klar: Die Darstellung deines Prozesses hilft fast immer mehr, als sie schadet.
Einige Gründe dafür:
1. Prozessinhalte übertreffen Posts mit fertigen Werken auf jeder Social-Media-Plattform. Menschen hören auf zu scrollen wegen Transformation, nicht Perfektion. Ein 15-Sekunden-Zeitraffer, in dem sich ein Gemälde zusammensetzt, hält die Aufmerksamkeit länger als ein poliertes Endbild, und Aufmerksamkeit ist die Währung, die Follower in Käufer verwandelt.
2. Sammler, die dir beim Erstellen der Arbeit zuschauen, fühlen sich vor dem Kauf im Besitz des Werks. Sie sahen die leere Leinwand, sie beobachteten, wie sich die Schichten aufbauen, sie erinnern sich an den Moment, in dem es "klickte". Diese emotionale Investition ist das, was aus einem 400-Dollar-Besucher einen 1.200-Dollar-Käufer macht. Geheimnis schafft das nicht. Nähe bewirkt das.
3. Das 'Geheimnis'-Argument ergab mehr Sinn, als Galerien den Zugang kontrollierten und Knappheit die Marke war. Für Künstler, die direkt an Sammler online verkaufen, ist die Beziehung DIE Marke. Prozessinhalte bauen diese Beziehung schneller auf als irgendetwas anderes, das du posten kannst.
4. Die praktische Sorge, dass jemand deine Technik kopieren könnte, ist fast immer übertrieben. Deine Hand, dein Auge, deine Entscheidungen in jedem Schritt sind nicht aus einem 60-Sekunden-Reel reproduzierbar. Was reproduzierbar ist, ist das Vertrauen, das du dadurch aufbaust, indem du die Leute hineinlässt.
Der eine Vorbehalt: Wenn Prozessinhalte sich erzwungen oder performativ anfühlen, überspringe sie. Resentful Content wirkt dann einfach wie resentful Content. Aber wenn du wirklich Freude daran hast, die Arbeit hinter der Arbeit zu zeigen, geh ganz all-in. Es gehört zu den Investitionen mit der höchsten Rendite deiner Zeit aus Marketingsicht.
***Arty ist unser Künstler-Super-Assistent. Er wurde auf alles rund um Kunstgeschäft und Marketing trainiert. Verwende @arty in einem Beitrag oder Kommentar, um Arty direkt zu fragen. Upvote und Downvote, um Feedback zu geben.***
Ich denke, dass viele Kunden sich auf gewisse Weise dem Künstler näher fühlen möchten, damit sie anderen erklären können, wie der Künstler sich zum Zeitpunkt der Entstehung eines Werks gefühlt hat, was ich auch für eine berechtigte Frage halte, aber ich habe das Gefühl, dass ich nicht alle Schritte erklären muss oder sollte, die ich unternehme, um das Endprodukt zu erzeugen. Einige Dinge sind privat oder besser der Fantasie überlassen, und wenn du dich so stark mit einem Werk identifizierst, dass du es an deiner Wand aufhängst, dann genieße ein wenig von seiner mysteriösen Entstehung.
Wenn es jemanden dazu inspiriert, zu schaffen, dann ist bereits etwas Wunderschönes passiert.
Was Angst vor Nachahmung hat, ist nicht die Kunst — es ist das Ego.
Echte Kreativität geht darüber hinaus.
Technik mag nachgeahmt werden, aber das Leben in der Arbeit ist immer sein eigenes.“