La Société de l'Art Made à la Main

I start with a digital stickers and this is my first artwork ¡Baphi bless you!

Nous venons de mettre Elaine en lumière sur Instagram et Facebook cette semaine.

Depuis Jávea, en Espagne, Elaine crée des œuvres abstraites vibrantes à l'acrylique et en techniques mixtes qui s'inspirent du paysage méditerranéen qui l'entoure — des bleus profonds, des couchers de soleil flamboyants, l'énergie de l'eau et du ciel. Son œuvre "Celestial Bloom" est un parfait exemple de la spontanéité et de la profondeur en couches qu'elle apporte à chaque toile. Nous sommes fiers de soutenir des artistes comme Elaine qui créent des corpus sérieux et nous invitent dans des espaces de contemplation et d'émotion.

Accorde un peu d'amour à la publication — commente, enregistre, partage. L'engagement précoce est ce qui fait que ces mises en lumière remplissent réellement leur rôle, donc cela aide lorsque notre communauté se montre:

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Fait par des humains. On les met en lumière.

— Nick

@Ellie Art Gallery

Quelques-unes de mes anciennes œuvres...

Nous avons mis en lumière HazelNut sur Instagram et Facebook cette semaine.

Basée à Črnomelj, en Slovénie, HazelNut crée des portraits au pochoir audacieux d’icônes culturelles — Nina Simone, Janis Joplin, James Maynard Keenan — qui réduisent chaque sujet à la silhouette et à l’ombre. Le travail distille la présence en formes essentielles, faisant le pont entre l’art pop et le design graphique avec un regard acéré et minimaliste. Il s’agit d’un portrait qui honore l’icône sans qu’il soit nécessaire de crier.

Passez un peu d’amour au post — commentez, enregistrez, partagez. L’engagement précoce est ce qui permet à ces mises en lumière de jouer pleinement leur rôle, alors il aide lorsque notre communauté participe :

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Et tant que vous êtes ici, le profil ArtHelper de HazelNut rassemble le reste de leur travail :

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Fait par des humains. On les met en lumière.

— Nick

@HazelNut

Samedi, SZA a publié une story sur Instagram qui devrait attirer l'attention de tout artiste en activité. Elle a recherché son nom dans une base de données d'entraînement musicale par IA et a constaté que 238 de ses chansons avaient été utilisées pour entraîner des modèles d'IA. Certaines d'entre elles, selon elle, étaient inédites.

Sa réponse a été immédiate et sans filtre : « Si vous êtes musicien et que vous soutenez cette merde dégénérée ? Vous êtes dégoûtant et il n'y a RIEN QUE VOUS PUISSIEZ JAMAIS ME DIRE POUR QUE CECI SOIT ACCEPTABLE. »

L'architecture du consentement a déjà échoué

Voici ce qui m'a frappé en lisant ceci. Si une artiste possédant les ressources, l'équipe juridique et les connexions de l'industrie de SZA peut découvrir, après coup, que des centaines de ses enregistrements ont été utilisés comme données d'entraînement, le système a déjà échoué. L'infrastructure destinée à protéger les droits des artistes n'existe tout simplement pas.

Il ne s'agit pas d'une seule artiste découvrant une seule chanson. Il s'agit de 238 chansons, y compris du matériel inédit, apparaissant dans une base de données sans permission, sans notification, sans compensation. La même chose se produit pour les artistes visuels chaque jour.

Elle a nommé le vrai problème

SZA ne s'est pas arrêtée aux sociétés d'IA. Elle a nommé Diplo en particulier, soutenant qu'il détient des parts chez Suno (l'un des générateurs de musique IA les plus utilisés au monde) et qu'il « s'efforce activement de l'entraîner sur les meilleurs et les plus brillants esprits noirs des auteurs et producteurs ».

Puis elle a lâché une ligne à laquelle je reviens sans cesse : « NE DONNEZ PAS VOTRE VIBRANIUM. NE FORMEZ PAS L'IA AVEC VOTRE GÉNIE. »

Cette métaphore résonne parce que c'est vrai. Votre voix créative, vos années de pratique, votre perspective unique sur le monde, ce n'est pas seulement du contenu. C'est votre avantage concurrentiel. C'est ce qui fait que votre travail vous appartient. Et les entreprises d'IA l'ont volé à grande échelle, comptant sur le fait que la plupart des artistes n'ont pas la plateforme que SZA possède pour lutter publiquement.

Les artistes visuels, c'est aussi votre combat

Le procès de l'industrie musicale contre Suno et Udio est en cours dans les tribunaux en ce moment. Le procès Andersen v. Stability AI commencera en septembre. Les batailles juridiques se déroulent. Mais le post de SZA nous rappelle que la bataille culturelle compte tout autant.

Lorsqu'une artiste primée par un Grammy et avec des millions de followers dit à son public que soutenir une IA entraînée sur des œuvres volées est « dégoûtant », cela fait changer la conversation. Cela rend socialement inacceptable de balayer le vol.

Les artistes visuels ont la même opportunité. À chaque fois que vous publiez votre travail et déclarez qu'il est fait par des humains, à chaque fois que vous dénoncez des générateurs d'IA qui ont été entraînés sur des images récupérées, chaque fois que vous refusez de participer à des systèmes conçus pour vous remplacer, vous faites ce que SZA vient de faire. Vous rendez plus difficile de prétendre que tout cela est acceptable.

Votre travail n'est pas des données d'entraînement

SZA compte 27 millions d'abonnés sur Instagram. Elle peut toucher plus de personnes en une story que la plupart d'entre nous n'en toucheront au cours d'une vie. Mais elle utilise cette plateforme pour protéger des artistes qui ont beaucoup moins de visibilité.

C'est à quoi ressemble le plaidoyer. Ne pas accepter le récit « inévitable ». Ne pas se souder pour se fondre dans le moule. Nommer le vol, nommer les entreprises, et refuser de participer.

À quoi cela ressemblerait si chaque artiste en activité faisait de même ?

Travaillant depuis Innisfil, au Canada, Ailene crée des abstractions multi-couches en techniques mixtes qui traduisent la mémoire et le lieu en couleurs et textures vibrantes. Ses œuvres — comme « Polignano a Mare IV » — distillent la résonance émotionnelle des villes et des foyers dans des compositions construites à partir de peinture, de collage et de gestes intuitifs. C'est une artiste autodidacte avec un solide corpus d'œuvres, et nous sommes fiers de la mettre en valeur.

Faites aimer le post — commentez, sauvegardez, partagez. L'engagement précoce est ce qui permet à ces mises en lumière de remplir leur rôle, alors cela aide lorsque notre communauté se manifeste :

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Et pendant que vous êtes ici, le profil ArtHelper d'Ailene regroupe le reste de son travail :

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Fait par des humains. Nous les mettons en lumière.

— Nick

@Ailene Vrana MacDougall

Trois mots. Sans concession. Pas de doublespeak d'entreprise sur des « outils » et la « démocratisation ». Lorsque l'artiste de BD et illustratrice Jess Harwood s'est mise à écrire son article pour The Guardian ce 28 mai dernier, elle n'a pas adouci les arêtes. Elle a qualifié l'art IA de ce qu'elle voit comme tel : ennuyeux, vol et sans âme. Et en ce moment, alors que des artistes du monde entier défilent devant une autre vague de contenus générés qui inondent leurs fils d'actualités, ces trois mots semblent plus urgents que jamais.

La Source

La tribune de Harwood, publiée dans la section opinions de The Guardian, mérite d'être lue dans son intégralité. Elle n'est pas une simple pundit qui commente depuis les coulisses. C'est une artiste visuelle active qui a passé des années à développer son métier, bâtissant sa carrière une œuvre dessinée à la fois. Et elle a écrit ce que beaucoup d'artistes ressentent au plus profond d'eux-mêmes mais ont du mal à articuler publiquement : que voir le travail de toute une vie être gratté, traité et régurgité par des machines n'est pas seulement frustrant. C'est furieusement irritant. Son article complet est disponible sur le site de The Guardian, et j'encourage chaque membre de cette communauté à le lire, le sauvegarder et le partager.

Ce qui a changé depuis mai

Voici ce qui a changé dans les semaines qui ont suivi la publication de l'article de Harwood : le discours de l'industrie n'a fait que s'amplifier. Nous avons vu davantage de communiqués de presse sur l'IA « habilitant » les créateurs. Davantage de plateformes intègrent discrètement des outils génératifs tout en dissimulant l'information. Davantage de tentatives pour présenter la résistance des artistes comme une panique luddite plutôt que comme un grief légitime. La machine narrative travaille à plein régime pour vous faire croire que vous êtes l'irraisonnable si vous vous opposez à ce que votre travail soit volé sans consentement, crédit ou compensation.

Vous n'êtes pas déraisonnable. Vous faites attention.

Les artistes de cette communauté savent faire la différence entre un outil et un remplacement. Un pinceau est un outil. Un appareil photo est un outil. Un système entraîné sur des millions d'œuvres protégées par le droit d'auteur sans permission, conçu pour produire quelque chose qui est « assez proche » de ce que les humains créent, n'est pas un outil. C'est de l'extraction déguisée en innovation.

Pourquoi cette communauté existe-t-elle

C’est exactement pourquoi nous avons créé la Human-Made Art Society. Non pas pour crier dans le vide, mais pour créer un espace où les artistes qui travaillent peuvent partager leur travail, se soutenir mutuellement et se tenir du même côté d'une ligne qui compte. Quand Harwood a écrit « c'est ennuyeux, c'est du vol, c'est sans âme », elle nous a donné un langage. Mais le langage ne fonctionne que lorsque les gens l'utilisent ensemble.

Alors voici ma question pour cette communauté : Quelle ligne, quel passage ou quel moment a cristallisé votre propre position sur l'IA et l'art ? Était-ce quelque chose que vous avez lu ? Quelque chose qu'un autre artiste a dit ? Un contenu généré qui a franchi une ligne pour vous ? Je veux l'entendre. Car chaque fois que l'un d'entre nous explique pourquoi cela compte, l'argument devient plus difficile à ignorer.

Il y a deux semaines, quelque chose s'est passé au Congrès que tout artiste en activité devrait connaître. Des représentants des deux partis ont présenté la CREATOR Act, un projet de loi qui rendrait illégal l'utilisation de l'IA pour usurper commercialement votre style visuel. C'est une phrase que nous attendions de lire depuis des années.

Ce que ce projet de loi fait réellement

Le nom révèle l'ambition : des droits créatifs garantissant que la technique et l'originalité des artistes restent réservées. Les représentants Van Duyne, Clarke et Foushee l'ont conçu pour être ciblé et précis. Il vise les acteurs mal intentionnés qui utilisent sciemment l'IA pour usurper votre identité artistique à des fins commerciales. Si quelqu'un demande à un générateur de produire « dans le style de [votre nom] » et vend le résultat, vous pouvez les poursuivre. Vous pouvez exiger qu'ils arrêtent. Vous pouvez demander des dommages-intérêts.

Cela ne concerne pas la restriction des parodies, des travaux de fans, ou de la recherche générale sur l'IA. Il s'agit de l'acte spécifique de vol d'identité commercial permis par l'IA générative. Le projet de loi reconnaît ce que nous avons tous constaté : n'importe qui peut désormais inonder le marché d'imitations de votre style distinctif sans coût, en quelques secondes, sans votre consentement ni aucune compensation.

La faille au cœur du problème

Voici ce que la CREATOR Act ne fait pas: elle n'empêche pas les entreprises d'IA de s'entraîner sur votre travail dès le départ. C'est l'éléphant dans la pièce. Une plateforme peut encore parcourir l'ensemble de votre portefeuille, l'alimenter dans un modèle, et construire l'outil même qui permet le vol de style que vise ce projet de loi. L'entraînement lui-même demeure sans solution.

Réfléchissez à ce que cela signifie. Le crime nommé par le projet de loi, l'usurpation de style commerciale, se situe après l'entraînement. Les modèles qui peuvent imiter votre travail existent déjà parce qu'ils ont ingéré votre travail sans demander. Cette législation trace une ligne au point de vente, et non au point de vol.

Pourquoi cela compte encore

Je ne suis pas ici pour démolir un projet de loi qui a mis des années à être présenté. Une législation bipartite protégeant les artistes de l'exploitation par l'IA est vraiment nouvelle. Il y a un an, la plupart des législateurs ne pouvaient pas définir le problème. Maintenant, ils rédigent des lois qui considèrent votre identité créative comme quelque chose qui mérite d'être défendu devant les tribunaux.

L'économie créative contribue 1,2 trillion de dollars par an au PIB des États-Unis. Cela représente 4,2 %. Chaque artiste qui a déjà eu l'impression que son travail se situe dans une zone grise juridique devrait en prendre note : le Congrès reconnaît enfin que votre style, votre empreinte visuelle, a une valeur économique qui mérite une protection fédérale.

Est-ce suffisant ? Non. Les artistes devraient-ils défendre des exigences de consentement lors de l'entraînement ? Absolument. Mais c'est la première législation fédérale qui dit, en des termes simples, que l'imitation de l'œuvre d'un artiste par l'IA à des fins commerciales est actionnable. C'est une base.

Qu'en pensez-vous ? Ce projet de loi constitue-t-il une avancée significative, ou la faille liée à l'entraînement est-elle trop grande pour être ignorée ?

Je travaille avec Art Shopfronts, qui est basé aux États-Unis, et ils utilisent des services d'impression basés aux États-Unis pour les tirages et les produits dérivés. Le coût des frais de port et le temps nécessaire pour recevoir les tirages et les produits dérivés sont prohibitifs. Est-ce que quelqu'un connaît une alternative fonctionnelle à un service d'impression qui soit économique et facile à mettre en place ?

Nous avons mis en lumière Dawn Boyer Fine Art sur Instagram et Facebook cette semaine.

Travaillant à Dover avec des acryliques, des huiles et de cire froide, Dawn crée des peintures en couches qui s'inspirent du monde naturel — la terre, le ciel, le jardin — en tant que sujet et métaphore de nos vies intérieures. Son oeuvre "Cherry Blossom Reverie" est un bel exemple de ce qu'elle fait : créer des espaces calmes et contemplatifs où les spectateurs peuvent faire une pause et se connecter à leurs propres pensées et émotions. C’est une artiste qui croit au pouvoir du calme, et son travail le transmet.

Le profil ArtHelper de Dawn est le site où se trouve le reste de son travail — allez voir :

👉 arthelper.com/dawnboyer

Fait par des humains. Nous les mettons en lumière.

— Nick

@Dawn Boyer Fine Art

Nous avons mis en lumière Richard Windeyer (JustRicho) sur Instagram et Facebook cette semaine.

Basé à Sydney, Richard est photographe et travaille avec le film traditionnel et des procédés analogiques, capturant tout, de l'Opéra de Sydney aux vallées alpines éloignées d'Australie et des repères côtiers.

Son œuvre \"Twelve Apostles Coastline\" illustre la façon dont il équilibre la géométrie architecturale et la forme naturelle — ancrée dans la discipline du travail artisanal en prépresse et dans le respect du travail lent et délibéré que demande le film. C'est un corpus d'œuvres fondé sur le souci du détail, la patience et un engagement envers le médium lui-même.

Le profil ArtHelper de Richard est le domicile du reste de son travail — allez jeter un œil :

👉 arthelper.com/richo

Fait par des humains. Mise en lumière de ces artistes.

— Nick

@JustRicho

Il y a eu une publication récente dans mon flux LinkedIn qui se concentrait sur le marché de l'art fait par des humains et sa valeur croissante. L'auteure Aishwarya ch a décrit dans son post que le marché de l'art se tourne rapidement vers de vrais artistes et j'ai répondu en mentionnant Arthelper et la certification Human Made. Cela a reçu un like de la part de l'auteure et, espérons-le, cela se poursuivra avec la validité de ce badge. Petit peut-être, mais chaque plug compte pour l'enrichissement des connaissances autour de cette nouvelle mission.

Nous venons de mettre en avant Yvonne Agee sur Instagram et Facebook cette semaine.

Installée à Louisa, Yvonne peint des natures mortes et des paysages à l'huile, à l'acrylique, au fusain et aux pastels avec une palette qu'elle décrit comme « relevée et voyante ». Son tableau « A Fish Named Matisse » capture l'énergie qu'elle apporte à chaque composition — la couleur et le contraste font le vrai travail. C'est une artiste qui trouve la magie dans l'acte de créer, et cette conviction se reflète sur la toile.

Le profil ArtHelper de Yvonne est le foyer du reste de son travail — allez jeter un coup d'œil :

👉 arthelper.com/yvonneagee

Fait par des humains. Mise en lumière de ces personnes.

— Nick

@Yvonne Agee

Robert Longo a passé quarante ans à faire quelque chose que les générateurs d'images IA prétendent pouvoir faire en quelques secondes : rendre des êtres humains. Mais Longo les dessine une marque de charbon à la fois, sur des mois, à une échelle qui vous oblige à confronter le poids et la présence d'une personne réelle. En octobre dernier, lors d'un entretien avec The Guardian, Longo a examiné l'état actuel de la génération d'images IA et a dit : « Je pense que l'IA est absolument terrifiante. C'est la mort de l'individu. »

Pourquoi « La mort de l'individu » résonne différemment venant de lui

Ce n'est pas un observateur casual offrant des opinions hâtives sur la technologie. L'œuvre entière de Robert Longo est un argument en faveur de l'importance irréductible de l'être humain individuel. Sa série emblématique « Des hommes dans les villes » du début des années 1980 a capturé des personnes spécifiques dans des moments précis d'expression physique. Ses vastes dessins au fusain de visages, de vagues et de manifestations partagent tous le même engagement : l'acte minutieux de rendre ce qui est réellement là, et non ce qui pourrait statistiquement y ressembler.

Lorsque Longo qualifie l'IA de « la mort de l'individu », il décrit précisément ce qu'il a observé dans son propre domaine. Les générateurs d'images IA ne produisent pas des individus. Ils produisent des composites, des approximations, des moyennes statistiques de ce à quoi les humains ressemblaient collectivement lorsque les données d'entraînement ont été extraites. Il n'y a pas de corps derrière l'image. Pas d'heures. Pas de personne présente.

Ce qui a changé depuis octobre 2024

En vingt mois depuis cet entretien, la situation s'est encore intensifiée. Les générateurs d'images IA sont devenus plus rapides, plus accessibles et plus agressifs dans leurs affirmations marketing. Adobe, Getty et une douzaine de startups proposent désormais des outils qui promettent de remplacer entièrement le travail de création d'images. Le mot « créateur » s'est étendu pour inclure quiconque saisit une requête (prompt).

Et pourtant. La réaction a également pris de l'ampleur. Les artistes ont poursuivi en justice. Les collectionneurs ont commencé à poser des questions. Les galeries ont commencé à mettre en avant « fait par l'homme » comme argument de vente. Le marché s'éveille lentement à la différence entre une image et une œuvre, entre la production et l'intention.

La ligne qui compte

La phrase de Longo colle parce qu'elle nomme quelque chose que nous ressentons mais que nous avons du mal à articuler. La valeur de l'art fait par l'homme ne réside pas dans le fait qu'il ressemble différemment à l'imagerie générée par l'IA. Parfois oui, parfois non. La valeur réside dans le fait qu'il émane d'une personne spécifique qui a fait des choix, pris du temps, et laissé des traces de sa présence dans l'œuvre. Cela, c'est ce que « l'individu » signifie dans la formulation de Longo. Pas un style. Pas une compétence. Une personne.

L'IA ne peut pas tuer ce qu'elle ne peut pas reproduire. Et elle ne peut pas reproduire l'individu.

À vous la parole

Quelle citation d'un artiste, réalisateur ou écrivain a cristallisé votre position sur l'IA dans l'art ? Pas une opinion générale, mais une ligne précise qui a rendu les enjeux clairs pour vous. Déposez-la dans les commentaires.

En décembre 2022, des millions de personnes téléchargeaient des selfies sur l'application Lensa AI. L'artiste aquarelliste Mateusz Urbanowicz, dont les boutiques de Tokyo ont contribué à définir le langage visuel des films du Studio Ghibli comme Your Name, voyait des fans lui envoyer des images générées par l'IA qui ressemblaient de manière inquiétante à son travail. NBC News l'a interrogé à ce sujet. Sa réponse n'a fait que gagner en précision avec le temps.

La ligne qu'il a tracée

« Si quelqu'un crée une œuvre basée sur mon style et en fait une nouvelle pièce, c'est leur œuvre », a déclaré Urbanowicz à NBC News le 7 décembre 2022. « C'est quelque chose qu'ils ont fait. Ils ont appris de moi comme j'ai appris d'autres artistes. »

Puis il a nommé exactement ce qui se passe lorsque vous tapez le nom d'un artiste dans un générateur.

« Si vous tapez mon nom [dans une requête] pour créer une nouvelle œuvre d'art, cela force l'IA à produire une œuvre d'art que je ne veux pas faire. »

Forçant. Ce seul mot a fait le travail que mille articles d'opinion n'auraient pas pu faire. Les artistes humains qui apprennent de vous participent à la chaîne d'influence qui a construit chaque mouvement artistique de l'histoire. Les requêtes IA qui enrôlent votre nom sont quelque chose de complètement différent. Elles dépossèdent votre identité pour produire une œuvre que vous n'avez jamais choisie, jamais approuvée et jamais autorisée.

Ce qui a changé depuis 2022

Lorsque Urbanowicz a accordé cette interview, Stable Diffusion n'avait que quatre mois. ChatGPT n'était pas encore lancé. Les questions juridiques étaient théoriques. Aujourd'hui, ce ne sont plus le cas. Nous avons suivi le procès Andersen c. Stability AI, qui a résisté à des requêtes de rejet. Nous avons vu l'industrie musicale poursuivre Suno et Udio en justice. Nous avons vu le New York Times porter OpenAI devant une cour fédérale. La question à laquelle Urbanowicz a répondu en une phrase est désormais l'objet d'un litige de milliards de dollars.

Et dans vos fils d'actualité en ce moment, vous voyez l'effet en aval. Des plateformes inondées de contenu généré. Des collectionneurs se demandant si une œuvre est « réelle ». Des artistes répondant à des questions sur le fait d'avoir utilisé l'IA pour créer leur propre œuvre. La distinction que Urbanowicz a tracée, entre apprentissage et forçage, est la distinction que l'ensemble de l'économie créative doit désormais faire.

Pourquoi cela compte encore

Urbanowicz n'était pas avocat ni expert en politique publique. Il était un artiste qui regardait ce qui arrivait à son nom et à son œuvre, et il a trouvé le mot juste pour décrire cela. C'est ce que font les artistes. Ils voient clairement avant que le reste d'entre nous ne rattrape son retard.

Le badge Human Made Art existe grâce à des moments comme celui-ci. Parce que lorsque un artiste appose son nom sur une œuvre, ce nom devrait signifier qu'il a choisi chaque marque qui y est apposée. Pas qu'une machine ait été forcée d'imiter son identité sur commande.

Quelle ligne, quelle citation ou quel moment a cristallisé votre propre position sur l'IA et l'art ? J'aimerais savoir ce qui vous a convaincu.

Une peinture que j'ai réalisée dans l'esprit de la saison de la récolte des roses, il y a bien longtemps, sur la Montagne Verte ; avec des photos d'avancement pour l'accompagner, car je comprends que mon travail a déclenché votre détection d'IA et que je n'accepte pas cette diffamation - réalisée en 50 heures, toile de 95 x 69 cm, en acrylique et en peinture sur tissu. La raison, selon moi, est l'utilisation de fonctionnalités d'IA pour retoucher l'éclairage et la qualité de mon image.