La Société de l'Art Made à la Main

J'ai essayé d'ajouter l'extrait d'e-mail qui est censé afficher la coche dans ma signature électronique, mais (comme je m'en doutais) tout ce que cela fait est d'ajouter le code lui-même dans ma zone de signature. J'utilise Gmail - quelle est l'astuce ? Comment faire en sorte que cela fonctionne correctement dans ma signature Gmail ? Merci pour toute aide que quiconque pourra apporter !

Comment répondez-vous à des commentaires tels que « Combien de temps cela vous a-t-il pris pour le réaliser ? »

En juillet 2023, une artiste conceptuelle qui a aidé à bâtir les univers visuels de Doctor Strange, Black Panther, Loki et Star Wars s'est présentée devant le Comité judiciaire du Sénat américain et a déclaré quelque chose que tout artiste en activité aurait pu dire : « Je n'ai jamais été sollicitée. Je n'ai jamais été créditée. Je n'ai jamais reçu un seul centime. » Cette artiste était Karla Ortiz. Et près de trois ans plus tard, rien n'a changé.

Le Témoignage

Le 12 juillet 2023, Karla Ortiz s'est présentée devant la Sous-comité judiciaire du Sénat sur la Propriété intellectuelle lors d'une audience intitulée « Intelligence artificielle et propriété intellectuelle – Partie II : Droit d'auteur ». Son témoignage écrit est une affaire de dossier public. Elle a expliqué comment des entreprises d'IA générative ont prélevé son portfolio, ainsi que des milliards d'autres images, pour entraîner des systèmes qui entrent désormais en concurrence directe avec les artistes dont ils se sont servis. Aucune autorisation. Aucune attribution. Aucun paiement.

Ce qui s'est passé depuis

En août 2024, le juge William Orrick a rejeté les requêtes visant à rejeter les principaux chefs d'accusation dans Andersen v. Stability AI, estimant que les allégations de contrefaçon directe et induite du droit d'auteur étaient plausibles. L'affaire est passée à la phase de découverte. Le procès est désormais fixé au 8 septembre 2026, soit à seulement quatre mois d'aujourd'hui.

Trois ans de dépôts de dossiers. Trois ans de procédure judiciaire. Et pourtant, pas un seul artiste dont les œuvres ont été prélevées dans l'ensemble de données LAION, comptant 5 milliards d'images, n'a été sollicité, crédité ni rémunéré. Les entreprises qui ont utilisé ces données valent des milliards. Les artistes dont les œuvres ont rendu cela possible attendent encore une réponse.

C'est le monde dans lequel nous vivons : une artiste conceptuelle dont le coup de pinceau a contribué à façonner certains des films les plus reconnus de la dernière décennie a dû prendre l'avion jusqu'à Washington, D.C., s'asseoir devant une sous-commission du Sénat et expliquer qu'on ne l'avait jamais sollicitée. Que son travail avait été pris. Qu'elle n'avait vu un seul centime.

Pourquoi cela compte pour vous

Si vous lisez ceci dans la Human-Made Art Society, vous le savez déjà. Vous avez ressenti une version de ceci dans votre propre travail, votre propre flux, votre propre marché. La dévalorisation. Les conversations « pourquoi devrais-je payer un artiste quand je peux taper une requête » (ou « invite »). Le sentiment troublant que quelque chose a été pris à nous tous, collectivement, sans notre consentement.

Le témoignage d'Ortiz n'était pas seulement au sujet d'elle-même. Il s'agissait du principe. Et le procès de ce septembre ne va pas seulement déterminer sa affaire. Il va façonner le paysage juridique pour chaque artiste dont le travail existe en ligne.

Nous avons créé ArtHelper pour soutenir les artistes qui créent des choses avec leurs mains, leurs yeux et leur expérience vécue. Pas prélevées sur eux. Pas imitées sans permission. Fabriquées par eux.

Karla Ortiz a dit la vérité en 2023. Le procès arrive enfin. Et la question qui compte maintenant est de savoir si la réponse changera.

J'aimerais vous entendre : Quel a été le moment, la citation ou l'histoire qui a cristallisé votre position personnelle sur l'IA et votre travail d'artiste ?

Il y a quatorze ans, bien avant que nous ayons entendu parler de DALL-E ou de Midjourney, l’une des peintres les plus influentes de notre génération a fait une prédiction. Elle avait raison. Et ce qu’elle a dit compte davantage aujourd’hui qu’alors.

La citation et son origine

En juin 2012, la journaliste Rachel Cooke a interviewé Jenny Saville pour The Guardian. Saville venait d’ouvrir sa première grande exposition personnelle au Royaume-Uni au Modern Art Oxford, et deux de ses peintures monumentales étaient exposées dans la salle Renaissance italienne de l’Ashmolean, aux côtés des œuvres de Bellini et de Titien.

Cooke a demandé si la peinture pouvait survivre dans un monde de plus en plus façonné par les algorithmes. Saville n’a pas hésité :

« L’art reflète la vie, et nos vies sont pleines d’algorithmes, donc beaucoup de gens voudront créer de l’art qui ressemble à un algorithme. Mais mon langage, c’est la peinture, et la peinture est l’opposé de cela. »

L’intégralité de l’interview est encore en ligne sur The Guardian.

Ce qui a changé depuis qu’elle l’a dit

En 2012, l’algorithme que décrit Saville était abstrait. Il s’agissait de moteurs de recommandation, de ciblage publicitaire, de flux sociaux optimisés pour l’engagement. L’idée qu’un algorithme puisse générer des peintures n’existait pas encore sous une forme sérieuse.

Cela a changé. Midjourney a été lancé en 2022. DALL-E est devenu public quelques mois plus tard. Stable Diffusion a inondé le Web ouvert. D’ici 2024, des milliards d’images générées par l’IA avaient été téléchargées sur les plateformes sociales. L’algorithme qu’elle anticipait n’est plus une abstraction. Il est là, générant mille images par minute, inondant chaque fil d’actualité que vous faites défiler.

Et pourtant sa phrase tient toujours: la peinture est l’opposé de cela.

Le contraire n’a pas changé. Ce que fait l’algorithme l’a simplement rendu plus évident. Les choix, les erreurs, les révisions et les heures d’attention vécue qui entrent dans chaque trait sont exactement ce que l’algorithme ne peut pas reproduire. Il peut approcher le rendu. Il ne peut pas reproduire le processus.

Pourquoi cela compte dans votre fil

Chaque artiste de cette communauté sait ce que c’est de faire défiler des images générées par l’IA et de ressentir un léger frisson. Le doute. La frustration. Parfois la colère. Parfois la question plus discrète : est-ce que ce que je crée compte encore lorsque les machines peuvent produire en quelques secondes quelque chose qui ressemble à ce que je fais ?

Saville a répondu à cette question avant l’arrivée des machines. La peinture, la photographie, la sculpture, l’illustration, quel que soit votre médium, l’œuvre que vous réalisez porte votre attention, votre temps, vos choix. Voilà ce que signifie « l’opposé d’un algorithme ». Pas un style. Pas une technique. Le fait qu’une personne se soit présentée et ait créé l’œuvre.

L’afflux ne change pas cela. Au contraire, il le prouve.

Rejoignez la discussion

Quelle est, pour vous, une phrase d’un peintre, photographe, sculpteur ou réalisateur qui a crystallisé votre propre position sur les images générées par l’IA ? Je suis curieux de savoir s’il existe une citation qui vous est restée en tête, comme celle de Saville me reste en tête.

Spotify a annoncé quelque chose il y a deux semaines qui n'a pas reçu autant d'attention qu'il le méritait. Désormais, les artistes peuvent obtenir le badge « Vérifié par Spotify », une coche verte qui dit aux auditeurs : c'est une vraie personne qui fait cette musique. Et voici la partie qui compte le plus : les artistes générés par IA ne sont pas éligibles explicitement. L'entreprise l'a dit clairement : les profils qui « représentent principalement des artistes générés par IA ou des IA-personas ne sont pas éligibles à la vérification ».

Ce n'est pas un petit ajustement de politique. C'est une plateforme majeure qui choisit son camp.

Les chiffres sont vertigineux

Parlons de pourquoi cela compte. Spotify a retiré 75 millions de « morceaux spammy » de sa plateforme au cours de l'année écoulée. 75 millions. Et voici le chiffre qui devrait vous tenir éveillé la nuit : Deezer, une plateforme de streaming concurrente, reçoit désormais près de 75 000 morceaux entièrement générés par IA chaque jour. Cela représente 44 % de leurs téléchargements quotidiens.

Le flot est réel. Ce n'est pas théorique. Ce n'est pas dans cinq ans que cela arrivera. Il est déjà là, et il éteint les créateurs humains dans le bruit algorithmique. Spotify a observé ce flot et a décidé de donner aux artistes humains un moyen de se démarquer.

Pourquoi cela compte au-delà de la musique

La démarche de Spotify signale quelque chose de plus grand que la politique de streaming. Ils disent à haute voix ce que les collectionneurs, les galeries et le public ont toujours su intuitivement : l'humain derrière l'œuvre fait partie de la valeur. On ne peut pas séparer l'art de l'artiste.

Leurs critères de vérification racontent toute l'histoire. Pour obtenir le badge, vous avez besoin de preuves d'une activité dans le monde réel. Dates de concerts. Marchandise. Présence sur les réseaux sociaux. Une relation soutenue avec de vrais fans au fil du temps. En d'autres termes, vous devez être une personne menant une vie créative, et non un algorithme optimisant le bruit de fond.

L'entreprise l'a déclaré directement : « À l'ère de l'IA, il est plus important que jamais de pouvoir faire confiance à l'authenticité de la musique que vous écoutez. » C'est une plateforme qui compte 600 millions d'utilisateurs qui reconnaissent que l'authenticité a de la valeur. Cette origine humaine compte pour les auditeurs.

Ce que cela signifie pour les artistes visuels

La musique n'est que le premier champ de bataille. Chaque plateforme qui héberge des œuvres créatives sera un jour confrontée à cette même question : distinguons-nous les créateurs humains, ou laissons-nous le flot de contenu généré tout ramener à l'uniformité ?

La réponse compte pour vous. Que vous vendiez des originaux, que vous licenciiez des imprimés, ou que vous construisiez un public pour des commandes, votre humanité est votre avantage compétitif. Non pas parce que l'IA ne peut pas imiter votre style, mais parce que les collectionneurs achètent plus qu'une image. Ils achètent une histoire. Une relation. Une part de la vie réelle de quelqu'un.

Spotify vient de rendre cette distinction visible avec une coche verte. La question est désormais de savoir si les plateformes qui comptent pour les artistes visuels feront de même.

Qu'en pensez-vous ? Est-ce qu'Instagram, Etsy, ou des galeries en ligne devraient créer leurs propres badges « humain vérifié » ? En voudriez-vous un ?

En septembre 2023, l'un des photographes les plus respectés encore en vie a été invité à une question simple : comment l'IA vous affecte-t-elle ?

Wolfgang Tillmans, le photographe allemand qui a remporté le Turner Prize en 2000, dont les images de la vie ordinaire ont façonné notre vision du monde pendant 35 ans, n'a pas atténué sa réponse. Il l'a appelée « l'oblitération visuelle ».

La citation, dans son intégralité

L'entretien a été publié par Dazed Digital le 25 septembre 2023, lors de l'ouverture de « Fold Me », son exposition personnelle chez David Zwirner à New York. L'intervieweur a demandé à Tillmans comment le bouleversement sismique vers des images générées par l'IA l'affecte, en tant qu'artiste basé sur l'objectif qui ne manipule jamais ses photographies, dont l'ensemble de son œuvre repose sur la confiance du public.

Sa réponse : « Il y aura des sous-cultures et des contre-cultures qui s'accrochent à leurs sens, mais peut-être les choses ont-elles été poussées loin dans une spirale descendante d'oblitération visuelle. »

Pas de perturbation. Pas d'évolution. L'oblitération. L'effacement du monde visible, remplacé par des images qui ne nécessitaient pas l'œil humain pour être créées.

Ce qui a changé depuis lors

Vingt mois se sont écoulés. Pendant ce temps, la spirale s'est accélérée exactement comme Tillmans l'avait décrite.

À l'époque de cette interview, Midjourney v5 était encore nouveau. DALL-E 3 n'était pas encore lancé. Sora n'existait pas. Les principales poursuites collectives, Andersen v. Stability AI et Getty v. Stability, en étaient encore à leurs premiers dépôts. La plupart des plateformes n'avaient pas de politique d'étiquetage pour les images générées. La plupart des flux semblaient globalement réels.

Et maintenant ? Votre fil est un jeu de devinettes. Les plateformes s'évertuent à mettre en place des exigences d'étiquetage que les utilisateurs ignorent en grande partie. Les affaires juridiques se sont multipliées et étendues à la musique, à l'art visuel et au journalisme. Et chaque semaine apporte une autre image virale qui coupe la conversation, puis se révèle générée, une autre petite érosion de la confiance dans le registre visuel.

Tillmans l'avait vu venir. Il l'a nommé.

Pourquoi cela compte ici

Lorsqu'une personne qui a passé trois décennies à bâtir un regard sur lequel le monde a confiance vous dit que nous sommes dans une spirale descendante, vous ne le niez pas en le qualifiant de nostalgie. Vous demandez ce qu'il voit que vous ne voyez pas.

Les sous-cultures et contre-cultures qu'il a mentionnées, celles qui « s'accrochent à leurs sens », ne sont pas hypothétiques. Ce sont nous. Vous, qui lisez ceci, qui créez des œuvres avec vos propres yeux et vos mains et vos heures. Ce sont tous les artistes de cette communauté qui ont décidé que le fait d'être humain est une déclaration qui mérite d'être faite, pas seulement un choix par défaut.

Tillmans ne prédisait pas l'avenir. Il décrivait un présent que la plupart des gens n'avaient pas encore nommé. Désormais, vous pouvez le voir dans votre propre fil tous les jours.

C'est ce qui rend cette communauté différente. Nous ne prétendons pas que la spirale n'existe pas. Nous choisissons de rester en dehors. Nous sommes la sous-culture qu'il pensait pouvoir tenir bon.

Une question pour le fil

Tillmans l'a dit en 2023. Miyazaki a qualifié l'animation par IA de « une insulte à la vie elle-même » en 2016. Del Toro a déclaré que « l'âme de l'art est humaine » en 2022.

Quelle est la ligne d'un photographe, d'un peintre ou d'un cinéaste qui a cristallisé votre propre vision de l'IA dans l'art ? Déposez-la dans les commentaires. Je veux constituer une bibliothèque de ces voix.

La semaine dernière, cinq grands éditeurs et l'auteur à succès Scott Turow ont déposé une plainte contre Meta et Mark Zuckerberg personnellement. L'allégation ? Que Zuckerberg lui-même aurait autorisé Meta à torrenter des centaines de millions de livres piratés pour entraîner leur IA. Si vous vous êtes déjà demandé si les grandes entreprises technologiques respectent réellement votre travail créatif, voici votre réponse.

L'échelle du vol

Selon la plainte, Meta a téléchargé plus de 267 téraoctets de matériel piraté sur des sites tels que LibGen. C'est plusieurs fois la taille de l'ensemble de la collection imprimée de la Bibliothèque du Congrès. Des centaines de millions de livres, articles et publications, tous torrentés à partir de sites pirates que les employés de Meta ont eux-mêmes reconnus comme illégaux. Les plaignants ont qualifié cela de « l'un des plus vastes actes de contrefaçon de matériel protégé par le droit d'auteur de l'histoire ». Ce n'est pas de l'hyperbole. C'est la plainte.

Ils savaient exactement ce qu'ils faisaient

Ce n'était pas un accident ou un oubli. En décembre 2023, des employés de Meta ont diffusé une note interne décrivant LibGen comme « un ensemble de données que nous savons piraté ». La note indiquait aussi qu'ils ne divulgueraient pas l'utilisation de ces ensembles de données. Lorsque la question de savoir s'il fallait obtenir les licences du contenu de manière appropriée est apparue plus tôt dans l'année, la décision a été remontée jusqu'à Zuckerberg lui-même. Après cette réunion, les efforts de mise sous licence ont cessé. Le piratage a continué.

Avancer vite et tout casser

La plainte invoque la célèbre devise de Meta, et il est difficile d'imaginer une application plus adaptée. C'est à quoi ressemble « Avancer vite et tout casser » lorsqu'il est appliqué au travail créatif de millions d'auteurs et d'éditeurs. Cela signifie traiter vos droits d'auteur comme un inconvénient à contourner dans la « course aux armes de l'IA ».

C'est la même entreprise qui gère Instagram, la plateforme où des millions d'artistes visuels partagent leur travail chaque jour. La même entreprise qui développe des générateurs d'images basés sur l'IA. La même entreprise qui veut que vous croyiez qu'ils sont des partenaires des créateurs.

Pourquoi cela concerne les artistes visuels

La plainte porte sur les livres et les publications, mais le principe s'applique à chaque créateur. Si Meta est prêt à torrenter des centaines de millions de livres protégés par le droit d'auteur à partir de sites pirates tout en reconnaissant en interne que c'est illégal, qu'est-ce qui vous fait penser que vos peintures, vos photographies ou vos illustrations sont traitées différemment ?

Scott Turow et cinq grands éditeurs disposent des ressources pour porter ce combat devant les tribunaux. La plupart des artistes en activité n'ont pas ces moyens. Mais ce procès compte pour nous tous, car il aidera à établir si des entreprises comme Meta peuvent simplement prendre ce qu'elles veulent, ou si les créateurs disposent de droits qui ont réellement du sens.

Je vais suivre ce dossier de près. Vous devriez aussi.

Quelle est votre réaction ? Est-ce que cela change votre manière de partager votre travail sur les plateformes de Meta ?

En mai 2023, Sting s'est entretenu avec la BBC avant son induction en tant que Fellow de l'Ivors Academy. On lui a posé des questions sur la musique générée par l'IA. Sa réponse n'était pas diplomatique : « Les éléments constitutifs de la musique nous appartiennent, à nous, les êtres humains. Ça va être une bataille que nous devrons tous mener au cours des prochaines années : défendre notre capital humain face à l'IA. » Trois ans plus tard, cette bataille n'est plus théorique. Elle est dans votre fil d'actualité.

La Provenance

Sting a tenu ces propos le 17 mai 2023, la même semaine où il est devenu le 23e Fellow de l'histoire de 79 ans de l'Ivors Academy, rejoignant Paul McCartney, Kate Bush et Peter Gabriel. L'interview a été diffusée sur BBC News, et la citation a rapidement circulé. Il a comparé sa réaction à la musique générée par l'IA à son ressenti face au CGI dans les films : « Je m'ennuie immédiatement lorsque je vois une image générée par ordinateur. J'imagine que je ressentirai la même chose lorsque l'IA composera de la musique. »

Ce qui est frappant, c'est la tournure qu'il a choisie. Pas les droits d'auteur. Pas les droits de catalogue. Le capital humain. La chose que l'on possède avant qu'un contrat ne soit signé. Des décennies de pratique, les réécritures à 3 heures du matin, la mémoire musculaire et la mémoire émotionnelle gravées dans chaque accord que vous jouez. L'IA n'a gagné aucun de cela. Elle l'a simplement prélevé.

Ce qui a changé depuis 2023

Lorsque Sting a dit cela, la plupart des gens considéraient encore la musique générée par l'IA comme une curiosité. Des reprises étranges. Des deepfakes de Drake. Une curiosité, pas une menace.

Maintenant ? Spotify est inondé de morceaux générés par IA dits « ambient » et « lo-fi », chacun récoltant des fractions de cent qui revenaient autrefois aux musiciens vivants. Des maisons de disques intentent des procès contre Suno et Udio pour l'entraînement sur des catalogues protégés par le droit d'auteur. Le Bureau du droit d'auteur reçoit des commentaires sur la question de savoir si les sorties d'IA méritent une protection ou non. Et chaque semaine, une autre plateforme met à jour discrètement ses conditions d'utilisation pour revendiquer des droits d'entraînement sur tout ce que vous téléversez.

La bataille que Sting avait prédit n'arrive pas. Elle est là. Et les enjeux sont identiques pour les artistes visuels. La même infrastructure de scraping. Les mêmes plateformes qui monétisent les sorties tout en dévaluant les personnes dont le travail les a rendues possibles. La même question : à qui appartiennent les décennies passées à apprendre votre métier ?

Le capital humain est le cadre qui compte

La plupart des débats sur l'IA et l'art restent bloqués sur la légalité. Qu'est-ce qui enfreint le droit ? Qu'est-ce qui est transformateur ? Qu'est-ce qui relève de l'usage équitable ? Ces questions importent, mais elles manquent le point plus profond que Sting a formulé.

Le capital humain, c'est ce que vous possédez avant qu'aucune loi ne vous protège. C'est la raison pour laquelle votre travail résonne d'une manière que la moyenne statistique de tout l'art ne pourra jamais atteindre. Il ne s'agit pas seulement de savoir si l'IA peut légalement utiliser vos coups de pinceau. Il s'agit de savoir si les systèmes que nous construisons valoriseront les humains derrière l'œuvre, ou les remplaceront discrètement tout en appelant cela « efficacité ».

Voilà la bataille. Et elle mérite d'être menée.

À vous

La tournure « capital humain » de Sting a cristallisé quelque chose chez de nombreux musiciens. Quelle citation d'un artiste, d'un écrivain ou d'un réalisateur a clarifié votre propre position sur l'IA et la créativité ? Déposez-la ci-dessous. J'aimerais lire les citations qui ont changé votre façon de voir les choses à ce sujet.

Salut. Tout d'abord, je peins la musique à la main, je prends mes propres photos et je suis quelque peu dépassé par la puissance des révisions numériques, etc... . J'écris aussi de la poésie que je retravaille pour en faire des chansons chantables qui répondent à mes réponses aux psaumes, mais passer des paroles à la musique réelle me bloque. L'IA rend tout cela si facile et le rendu est si bon... et je vois l'intérêt de l'utiliser comme outil pour trouver un son basé sur mes prompts - puis le retravailler à rebours pour que moi et mes amis jouions/chantions réellement la musique ajustée selon ce que nous estimons nécessaire... Je ne sais pas ce que j'en pense, car j'ai l'impression de pouvoir tout faire sauf apporter la musique et les instruments aux paroles... l'IA est si utile dans cette optique et c'est rapide... mais mon cœur est plutôt anti-IA, alors il y a le chemin de trouver quelqu'un pour le faire pour moi, ce qui revient à ne pas le faire moi-même, lent et probablement cher... De plus, maintenant lorsque j'entends une chanson plus récente à la radio, je me demande dans quelle mesure elle a été écrite à 100% par des humains plutôt que soutenue par l'IA ou des plateformes de production musicale... qui le saurait ? Les artistes musicaux remettent déjà en jeu les mélodies de grands compositeurs, etc., dans leur nouvelle musique parfois... c'est complexe dans ma tête et définitivement intéressant quant à ce que l'avenir nous réserve. Des idées ?

MISE À JOUR : J'ai envoyé un message au support technique chez ASF (c'était le week-end), et ils ont eu la gentillesse non seulement de répondre, mais aussi de s'occuper d'ajouter le code correctement. Tout fonctionne maintenant. Merci ASF et merci à vous tous pour vos suggestions.

D'accord - lorsque ASF a d'abord mis en place les stickers d'angle, je les ai récupérés et les ai mis sur mon site. Ils y sont depuis le jour où ils ont été rendus disponibles.

Maintenant il y a des stickers « nouveaux » et des choix (merci). Mais que dois-je faire avec l'ancien code ? Où commence-t-il et où se termine-t-il ? Comment le remplacer par le nouveau code, qui est un extrait HTML sensiblement plus court. L'extrait original que j'ai mis en place commence à la ligne 4 et se termine à la ligne 111 !!!!

Je ne veux pas perturber les autres scripts qui se trouvent là.

Où est le support technique pour cela ? Quelqu'un peut-il aider ?

L'art humain pour la victoire!!!!

En septembre dernier, j'ai organisé une journée pour que les artistes « prennent le contrôle » de notre petit centre-ville et se réunissent pour un événement urbain en plein air afin d'esquisser/peindre le paysage du centre-ville. J'ai choisi un fleuriste local et j'ai réalisé cette illustration. Le propriétaire de l'entreprise locale a pris une photo de moi pendant que je travaillais sur le croquis. Je n'avais aucune idée que cela se transformerait en cette merveilleuse opportunité de couverture de livre. Une autrice locale a commencé à chercher un artiste vivant réel après avoir été arnaquée deux fois et avoir versé des dépôts pour des œuvres qui, après le croquis initial, se sont révélées être générées par l'IA. Elle a trouvé des publications sur Facebook qui m'ont aidé à être reconnu comme un artiste vivant et réel. Je n'avais jamais pensé à quel point il pouvait être difficile pour quelqu'un qui cherche à commander une œuvre de lutter contre les imposteurs utilisant l'IA pour générer de l'art.

Je viens de remarquer que l'une de mes images sur mon site ArtHelper est signalée comme possiblement générée par une IA. Je comprends pourquoi, car la texture que j'ai utilisée est assez dramatique. Cependant, les deux images très similaires qui figurent également sur le site n'ont pas été signalées. Y a-t-il un moyen d'expliquer le processus utilisé et de faire savoir qu'il n'y a aucune génération par IA impliquée (à l'exception peut-être dans la description de l'image où j'ai probablement utilisé les suggestions d'Arty) ?

La semaine dernière, Udio a admis, dans des documents déposés au tribunal, qu'ils avaient extrait l'audio de YouTube à l'aide d'un outil nommé YT-DLP pour entraîner leur générateur de musique d'IA. Ils viennent tout simplement de le dire... à voix haute. Dans un document juridique. Et voici la partie qui devrait préoccuper tout artiste en activité: un seul grand label continue de les poursuivre.

Ce que Udio a réellement admis

Dans leur dépôt du 29 avril auprès du tribunal de district des États-Unis pour le district sud de New York, Udio a explicitement reconnu qu'ils "ont obtenu des données audio à partir de YouTube pour les utiliser comme données d'entraînement." Ce n'est pas de la spéculation ou une accusation. C'est leur propre aveu, sur le dossier. Ils ont prélevé les œuvres des musiciens sans permission, sans compensation, et sans même demander. La réponse de Sony Music a été directe: il s'agit d'une contrefaçon volontaire du droit d'auteur, et prétendre à l'usage équitable ne change rien à cela.

Le Problème du Règlement

Voici ce qui s'est passé: Universal Music Group a conclu un règlement avec Udio en octobre dernier. Warner Music Group a conclu un règlement avec Suno en novembre et aurait même négocié un accord avec Udio. Les deux ont reçu des paiements compensatoires et des partenariats de licences. Les deux ont lancé de nouvelles plateformes d'IA musicale. Et les deux ont cessé de se battre pour un précédent juridique qui protégerait chaque musicien en activité. Sony Music a rejeté ces règlements. Ils veulent une décision sur l'usage équitable, pas un chèque. Cette distinction compte énormément.

Pourquoi les artistes visuels devraient prêter attention

Je sais que c'est une affaire de l'industrie musicale. Mais la logique juridique est identique à ce qui se passe dans l'art visuel. Stability AI doit faire face à un procès en septembre 2026 pour la même question fondamentale: peut-on extraire des millions d'œuvres protégées par le droit d'auteur, les entraîner sur une IA, et qualifier la sortie comme "transformative" suffisamment pour être un usage équitable ? Si Sony perd, le précédent aidera chaque entreprise d'IA qui veut s'entraîner sur vos peintures, vos photographies, vos illustrations. Si Sony gagne, cela aidera à établir que les créateurs méritent le consentement et une compensation avant que leur travail ne devienne des données d'entraînement. Le jugement estival 2026 pourrait tout remodeler.

La réalité inconfortable

La plupart de l'industrie musicale a pris l'argent. Ils ont obtenu leurs accords de licence et leurs partenariats de plateformes et leurs paiements compensatoires. Ils ont décidé que cela suffisait. Sony a décidé que non. Ils se battent pour un précédent qui protégerait les artistes dans tous les médiums, pas seulement leur catalogue.

Je ne suis pas sûr que Sony fasse cela par pur altruisme. C'est une entreprise protégeant ses actifs. Mais parfois les intérêts des entreprises et les intérêts des artistes s'alignent. C'est l'un de ces moments.

Une entreprise est encore debout devant le tribunal pendant que tout le monde est rentré chez lui avec ses chèques de règlement. Que vous soyez musicien, peintre, photographe, ou tout autre artiste en activité, ce combat vous concerne aussi.

Qu'en pensez-vous ? Sony agit-elle de la bonne manière en poursuivant le précédent plutôt que le règlement ?

Terminez la phrase.

Une seule ligne. Pas d'hésitation. Pas de paragraphe de qualifications. Dis simplement ce qui est le plus vrai que tu puisses dire sur pourquoi ton travail doit exister.

Tu connais déjà ta réponse.

Dépose-la dans les commentaires.

En octobre 2023, lors de son exposition au Palazzo Strozzi à Florence, Anish Kapoor a été interrogé par Euronews pour savoir si l'intelligence artificielle améliore ou étouffe la créativité dans l'art. Kapoor est le sculpteur derrière Cloud Gate (« The Bean ») à Chicago, l'homme qui a obtenu l'exclusivité sur Vantablack, un artiste dont les œuvres se vendent par millions. Quiconque dans la salle aurait pu prévoir une réponse prudente et équilibrée.

Il a donné le contraire.

« Il me semble que l'IA est dangereusement proche d'un autre outil capitaliste destiné à éclipser l'individu. »

Il poursuit :

« Et ce que j'exprime montre que je ne suis pas entièrement d'accord avec cela. Certaines personnes soutiennent que cela le rend plus démocratique. Je ne vois pas comment. »

Il y a deux points qui valent la peine d'être disséqués dans ce qu'il a dit, et je tiens à mettre honnêtement les deux sur la table.

Sur « un autre outil capitaliste »

Cette première moitié est acérée. Idéologique. Et tout lecteur ne sera pas nécessairement d'accord. Honnêtement, je n'en suis pas sûr non plus. Il existe un argument réel selon lequel un sculpteur atteignant le niveau des milliardaires appelant l'IA un outil capitaliste est une sorte de contradiction en soi. Ce débat mérite d'être mené, et j'aimerais lire votre point de vue honnête à ce sujet dans les commentaires ci-dessous, où que vous vous situiez.

Ce n'est pas la partie de la citation sur laquelle nous voulons nous appuyer.

Sur « l'éclipse de l'individu »

C'est la partie qui résonne le plus chez les artistes en activité. L'œil spécifique. La main spécifique. L'expérience vécue spécifique qui fait qu'une œuvre est celle de cet artiste, et non une distribution de probabilités moyenne sur l'ensemble des données d'entraînement.

C'est la perte que Kapoor nomme. Peu importe ce que vous pensez du cadre politique de la première moitié, le problème de l'éclipse de l'individu est réel et mesurable. Les jeux d'entraînement de l'IA engagent les œuvres de dizaines de milliers d'artistes pour produire une sortie composite, et l'individualité du matériel source, ce qui rendait chaque œuvre digne d'être créée, est mathématiquement réduite à néant.

Où nous en sommes

Que l'IA soit fondamentalement un instrument capitaliste ou fondamentalement démocratisante, c'est un débat que je suis heureux d'animer ici. Que l'artiste individuel compte, et que son regard particulier, sa main propre, sa longue pratique mérite de continuer à apparaître dans les images du monde, c'est le terrain sur lequel nous ne bougerons pas.

Dites-moi où vous vous situez

« Outil capitaliste » est-il le cadre adéquat pour l'IA dans l'art, ou est-il trop tranchant ? « L'éclipse de l'individu » est-elle la vraie perte, ou idéalisons-nous ce que font réellement les artistes ? Déposez votre lecture honnête dans les commentaires ci-dessous.

En novembre dernier, le créateur de Breaking Bad et Better Call Saul s'est entretenu avec Variety et a dit quelque chose qui résonne dans mes oreilles depuis lors. Vince Gilligan n'a pas hésité. Il n'a pas tergiversé. Il l'a dit tout haut : « L'IA est la machine de plagiat la plus coûteuse et la plus énergivore du monde. »

La citation complète (et pourquoi cela compte)

Dans cette même interview Variety, liée à la première de sa série Pluribus sur Apple TV+, Gilligan est allé plus loin : « Je déteste l'IA. Je pense qu'il y a une très forte probabilité que tout cela ne soit qu'un tas de foutaises. » Il a décrit les partisans de l'IA comme « une bande de centibillionnaires dont le plus grand objectif de vie est de devenir les premiers trillionnaires du monde », vendant ce qu'il appelle « un sac de vapeur ».

Puis il a fait quelque chose qui va au-delà des mots. Le générique de fin de Pluribus comprend une ligne simple : « Ce spectacle a été créé par des humains. »

Ce qui a changé depuis novembre

Six mois se sont écoulés depuis que Gilligan a prononcé ces mots. Pendant ce temps, la conversation n'a fait que s'amplifier. Les artistes voient leurs flux se remplir d'images qui ont appris à partir de leur propre travail, de leur propre carrière, de leurs années de pratique délibérée. Chaque 'style' qu'une IA imite représente les décisions accumulées de quelqu'un d'autre. L'ensemble des œuvres d'une autre personne. Leurs heures.

Ce qui me frappe dans le cadre de Gilligan, c'est le mot « plagiat ». Pas « automatisation ». Pas « efficacité ». Le plagiat. Il nomme ce que tant d'artistes ressentent mais ont du mal à articuler : ce n'est pas un raccourci. C'est prendre sans demander. C'est s'entraîner sur des milliers de portfolios pour produire une production qui concurrence les personnes qui ont rendu ces portfolios possibles.

Et lorsque les gens qui vendent cette technologie sont, selon les mots de Gilligan, déjà des centibillionnaires en quête de trillions, il vaut la peine de se demander : qui bénéficie exactement d'un monde où faire de l'art devient moins cher, plus rapide et plus anonyme ?

Pourquoi cette communauté existe

C'est exactement pourquoi la Human-Made Art Society existe. Non pas pour rouvrir un conflit qui a déjà été gagné en principe (la plupart des gens, quand ils y pensent, veulent soutenir de vrais artistes), mais pour créer un endroit où les artistes n'ont pas à s'expliquer. Où vous n'avez pas besoin de défendre pourquoi le travail compte, pourquoi le temps compte, pourquoi l'expérience vécue derrière chaque œuvre est irremplaçable.

Gilligan a ajouté un avertissement dans les crédits de sa série parce qu'il savait que son public s'en soucierait. Il leur faisait confiance pour apprécier l'origine humaine de l'œuvre qu'ils regardaient. Chaque artiste qui publie ici fait la même chose, à sa manière. Déclarant : ceci vient de moi. Mes heures. Mes décisions. Ma vie.

À votre tour

Je suis curieux : quelle ligne, venant d'un réalisateur, d'un artiste ou d'un écrivain, a crystallisé votre propre position sur l'IA dans l'art ? Y a-t-il eu une citation précise, ou un moment, qui a fait tilt ? Déposez-la dans les commentaires. J'aimerais beaucoup entendre ce qui vous a marqué.

En novembre 2016, Hayao Miyazaki s’assit dans une salle du Studio Ghibli et regarda quelque chose qu’il n’avait jamais vu auparavant: une animation générée par l’IA. Sa réaction fut immédiate et sans équivoque. « Je suis fermement convaincu que c’est une insulte à la vie elle-même. »

Le Moment

La scène a été capturée pendant le tournage d’un documentaire NHK intitulé Owaranai Hito - Miyazaki Hayao (L’homme qui n’est pas fini : Hayao Miyazaki), diffusé le 13 novembre 2016. Nobuo Kawakami, alors président de Dwango et producteur en formation chez Ghibli, avait apporté une démonstration du système d’animation IA expérimental de sa société. La démonstration montrait une figure humaine utilisant sa tête pour ramper sur le sol, se déplaçant à vitesse croissante tout en ignorant des notions comme la douleur. Le résultat était semblable à un zombie, dérangeant, inhumain.

Miyazaki observa. Puis parla. Il dit que cela lui rappelait un ami physiquement handicapé. « Quiconque crée ces choses n'a aucune idée de ce qu'est la douleur. Je suis complètement dégoûté. » Et puis la phrase qui a résonné au fil des années depuis : « Je suis fermement convaincu que c’est une insulte à la vie elle-même. »

Il ajouta une chose de plus : « Je ne veux jamais utiliser cette technologie dans notre travail. »

Ce qui a changé depuis lors

Près d'une décennie plus tard, ouvrez n'importe quel fil sur les réseaux sociaux et dites-moi qu'il avait tort.

La démonstration IA que Miyazaki avait vue était primitive comparée à ce que nous faisons défiler chaque jour en 2026. Midjourney. DALL-E. Stable Diffusion. Sora. Des outils qui peuvent générer des images et des vidéos en quelques secondes, entraînés sur le travail de millions d'artistes qui n'ont jamais donné leur consentement pour figurer dans l'ensemble de données.

Ce qui était autrefois une expérience grotesque est devenu le mode par défaut pour une grande partie du contenu visuel que nous consommons.

Et pourtant ce à quoi Miyazaki s'opposait n'a pas changé. Ce n'était pas la qualité du rendu. C'était le manque d'empathie au cœur. L'IA peut optimiser le mouvement. Elle ne peut pas comprendre la douleur. Elle peut rendre un cadre. Elle ne peut pas savoir à quoi ressemble la souffrance, ni pourquoi elle importe, ni comment la montrer honnêtement.

Chaque cadre de Ghibli a été dessiné par une main humaine qui savait à quoi ressemblait la souffrance. Ce n'est pas de la nostalgie. C'est le socle.

L’ancre

Miyazaki ne savait pas en 2016 ce qui allait arriver. Mais il savait ce qu'il voyait. Et il l'a nommé pour ce que c’était.

Pour ceux d'entre nous dans cette communauté, ses mots sont devenus une sorte d’ancre. Pas un rejet de toute la technologie. Juste une clarté : le créateur compte. La douleur compte. L'expérience vécue derrière l'œuvre est ce qui fait l'art.

Quelle est la phrase prononcée par un réalisateur, un artiste ou un écrivain qui a cristallisé votre propre position sur l'art créé par l'humain ? Partagez-la ci-dessous. J’aimerais constituer une collection de ces moments où quelqu'un a dit ce qui a tout déclenché.

Après presque une décennie de conversations avec des artistes en activité et les personnes qui les collectionnent, j'ai remarqué quelque chose que la plupart des artistes manquent totalement. La transaction, l'échange réel d'argent contre l'art, n'a que peu à voir avec l'image qui pend au mur. La peinture est la porte. Ce pour quoi les collectionneurs paient, ce sont les pièces à l'intérieur.

Ils achètent une connexion avec toi

Les collectionneurs demandent « où étais-tu lorsque tu as peint ceci ? » Ils demandent le jour, la météo, ce qui se passait dans ta vie. Ils ne demandent pas quelles marques de pigments ni le poids de la toile. L'œuvre devient un substitut pour te connaître, pour tenir dans leurs mains un morceau de la vie créative de quelqu'un d'autre. C'est pourquoi les artistes qui partagent leur processus, leur histoire, leurs luttes vendent plus d'œuvres que les artistes qui restent silencieux. Tu n'offres pas seulement un objet. Tu invites quelqu'un dans une relation.

Ils achètent le temps humain visible

Un collectionneur m'a dit un jour qu'il avait acheté une peinture en particulier parce qu'il pouvait voir où l'artiste avait changé d'avis. Une zone grattée, un décalage de couleur, une décision inversée. Cette main-d'œuvre visible, les heures gravées dans la surface, font partie de ce qui rend l'œuvre originale irremplaçable. La reprise compte. L'hésitation compte. Chaque marque qui montre qu'une personne est passée par ici et a fait des choix compte. C'est quelque chose que les optimisateurs purs ne comprennent jamais du côté des acheteurs d'art. Les collectionneurs n'achètent pas l'efficacité. Ils achètent des preuves d'attention.

Ils achètent une véritable rareté

Il n'y a exactement qu'un seul exemplaire de chaque peinture. Point final. Pas une édition limitée à 500 exemplaires. Pas un fichier numérique « rare » qui peut être copié à l'infini. Un seul. Cette rareté n'est pas artificielle ni fabriquée. C'est le résultat naturel d'un être humain qui fabrique quelque chose à la main, une fois, à un moment et dans un lieu précis. Les collectionneurs le savent. Ils le ressentent lorsqu'ils accrochent l'œuvre. Ils ne décorent pas un mur. Ils acquièrent un artefact de l'attention humaine avec lequel ils vivront le reste de leur vie.

Si tu es un artiste en activité, arrête de penser que ton travail consiste à produire de jolies images. Commence à te voir comme quelqu'un qui crée des enregistrements irremplaçables de ton attention, de ton temps et de tes décisions spécifiques.

L'image attire les gens à franchir la porte. Ton histoire, tes heures et ton humanité sont ce qu'ils ramènent réellement chez eux.

J'aimerais t'entendre : quelle est la raison la plus surprenante qu'un collectionneur t'ait donnée pour te dire qu'il avait acheté ton œuvre ?