Un lugar de reunión para artistas que creen en el poder insustituible de la mano, mente y espíritu humanos en el proceso creativo. Se requiere verificación de Hecho por Humanos.
He intentado agregar el fragmento de correo electrónico que se supone debe mostrar la marca de verificación en mi firma de correo, pero (como sospechaba) todo lo que hace es añadir el código en sí a mi bloque de firma. Uso Gmail: ¿cuál es el truco? ¿Cómo hago que funcione correctamente en mi firma de Gmail? ¡Gracias por cualquier ayuda!
¿Cómo respondes a comentarios como “¿Cuánto tiempo te llevó hacer esta obra?”
En julio de 2023, una artista conceptual que ayudó a construir los mundos visuales de Doctor Strange, Black Panther, Loki y Star Wars se presentó ante el Comité Judicial del Senado de los Estados Unidos y dijo algo que podría haber dicho cualquier artista que trabaje: «Nunca me han preguntado. Nunca me han acreditado. Nunca me han pagado ni un centavo». Esa artista fue Karla Ortiz. Y casi tres años después, nada ha cambiado.
El testimonio
El 12 de julio de 2023, Karla Ortiz compareció ante la Subcomisión de Propiedad Intelectual del Senado durante una audiencia titulada «Inteligencia Artificial y Propiedad Intelectual – Parte II: Derechos de Autor». Su testimonio escrito es de dominio público. Explicó cómo las empresas de IA generativa recopilaron su portafolio, junto con miles de millones de otras imágenes, para entrenar sistemas que ahora compiten directamente con los artistas de los que provinieron. Ni permiso. Ni atribución. Ni pago.
Esto no fue hipotético. Ortiz es una de las tres demandantes nombradas en Andersen v. Stability AI, la demanda histórica presentada en enero de 2023 contra Stability AI, Midjourney y DeviantArt. Ella puso su nombre en el caso y su rostro ante el Senado porque creía que la verdad debía decirse en voz alta, en el registro, donde no podría ser ignorada.
Qué ha pasado desde entonces
En agosto de 2024, el juez William Orrick denegó las mociones para desestimar reclamos clave en Andersen v. Stability AI, al dictaminar que las reclamaciones de infracción de derechos de autor tanto directas como inducidas eran plausibles. El caso pasó a la fase de descubrimiento. El juicio está programado para el 8 de septiembre de 2026, a apenas cuatro meses desde hoy.
Tres años de presentaciones. Tres años de proceso legal. Y, aun así, ni un solo artista cuyo trabajo fue extraído para el conjunto de datos LAION de 5 mil millones de imágenes ha sido preguntado, acreditado o pagado. Las empresas que usaron esos datos valen miles de millones. Los artistas cuyo trabajo lo hizo posible siguen esperando una respuesta.
Este es el mundo en el que vivimos: una artista conceptual cuyas pinceladas dieron forma a algunas de las películas más reconocidas de la última década tuvo que viajar a Washington, D.C., y sentarse ante una subcomisión del Senado para explicar que nunca le preguntaron. Que su trabajo fue tomado. Que no ha visto ni un centavo.
Por qué esto te importa
Si estás leyendo esto en la Human-Made Art Society, ya lo sabes. Has sentido alguna versión de esto en tu propio trabajo, en tu propio feed, en tu propio mercado. La devaluación. Las conversaciones de «¿por qué debería pagar a un artista cuando puedo escribir un prompt?». La inquietante sensación de que algo fue tomado de todos nosotros, colectivamente, sin nuestro consentimiento.
El testimonio de Ortiz no fue solo sobre ella. Se trató del principio. Y el juicio de este septiembre no solo determinará su caso. Moldeará el panorama legal para cada artista cuyo trabajo existe en línea.
Construimos ArtHelper para apoyar a los artistas que hacen cosas con sus manos, con sus ojos, con su experiencia vivida. No recolectadas de ellos. No imitadas sin permiso. Hechas por ellos.
Karla Ortiz dijo la verdad en 2023. Finalmente llega el juicio. Y la pregunta que importa ahora es si la respuesta cambiará.
Me gustaría saber de ti: ¿Cuál fue el momento, la cita o la historia que cristalizó tu propia postura sobre la IA y tu trabajo como artista?
Hace catorce años, antes de que ninguno de nosotros hubiera oído hablar de DALL-E o Midjourney, una de las pintoras más influyentes de nuestra generación hizo una predicción. Tenía razón. Y lo que dijo importa más ahora que entonces.
La cita, y de dónde proviene
En junio de 2012, la periodista Rachel Cooke entrevistó a Jenny Saville para The Guardian. Saville acababa de inaugurar su primera gran exposición individual en el Reino Unido en Modern Art Oxford, y dos de sus pinturas monumentales estaban expuestas en la sala del Renacimiento italiano del Ashmolean junto a Bellini y Tiziano.
Cooke preguntó si la pintura podría sobrevivir en un mundo cada vez más moldeado por algoritmos. Saville no se anduvo con rodeos:
“El arte refleja la vida, y nuestras vidas están llenas de algoritmos, así que mucha gente va a querer hacer arte que sea como un algoritmo. Pero mi lenguaje es la pintura, y la pintura es lo opuesto a eso.”
La entrevista completa aún está disponible en The Guardian.
Qué ha cambiado desde que lo dijo
En 2012, el algoritmo que Saville describía era abstracto. Eran motores de recomendación, segmentación de anuncios, feeds sociales optimizados para la interacción. La idea de un algoritmo que genere pinturas todavía no existía en forma seria.
Eso cambió. Midjourney se lanzó en 2022. DALL-E salió a la luz unos meses después. Stable Diffusion invadió la web abierta. Para 2024, miles de millones de imágenes generadas por IA se habían cargado en plataformas sociales. El algoritmo que anticipó ya no es una abstracción. Está aquí, generando mil imágenes por minuto, inundando cada feed que desplazas.
Y sin embargo su frase sigue vigente: la pintura es lo opuesto a eso.
Lo opuesto no ha cambiado. Lo que hace el algoritmo simplemente ha hecho que lo opuesto quede más claro. Las elecciones de un pintor, sus errores, revisiones y las horas de atención consciente que se invierten en cada trazo son justamente aquello que el algoritmo no puede replicar. Puede aproximar el resultado. No puede aproximar el proceso.
Por qué esto importa en tu feed
Cada artista de esta comunidad sabe lo que se siente al desplazarse por imágenes generadas por IA y sentir un destello de algo. Duda. Frustración. A veces enojo. A veces la pregunta más silenciosa: ¿lo que hago aún importa cuando las máquinas pueden producir algo que se parezca en segundos?
Saville respondió a esa pregunta antes de que llegaran las máquinas. La pintura, la fotografía, la escultura, la ilustración, sea cual sea tu medio, el trabajo que haces lleva tu atención, tu tiempo, tus decisiones. Eso es lo que significa “lo opuesto a un algoritmo”. No es un estilo. No es una técnica. El hecho de que una persona haya aparecido y haya creado la obra.
La avalancha no cambia eso. Si acaso, lo demuestra.
Únete a la discusión
¿Cuál es una frase de un pintor, fotógrafo, escultor o cineasta que cristalizó tu propia postura sobre las imágenes generadas por IA? Tengo curiosidad por saber si hay una cita que se te haya quedado grabada, como la de Saville, para mí.
Spotify anunció algo hace dos semanas que no recibió prácticamente la atención que merecía. A partir de ahora, los artistas pueden obtener una insignia "Verificado por Spotify", una marca de verificación verde que le dice a los oyentes: esto es una persona real haciendo esta música. Y aquí está la parte que más importa: los artistas generados por IA son explícitamente inelegibles. La empresa lo dijo claramente: los perfiles que "representen principalmente a artistas generados por IA o con personalidad de IA" no son elegibles para la verificación.
Esto no es un simple ajuste de política. Es una plataforma importante que está eligiendo un bando.
Las cifras son asombrosas
Hablemos de por qué esto importa. Spotify eliminó 75 millones de "pistas spam" de su plataforma durante el último año. Setenta y cinco millones. Y aquí está el número que debería mantenerte despierto por la noche: Deezer, una plataforma de streaming rival, ahora recibe casi 75,000 pistas generadas completamente por IA cada día. Eso representa el 44% de sus subidas diarias.
La inundación es real. No es teórica. No llegará en cinco años. Ya está aquí, y está ahogando a los creadores humanos en el ruido algorítmico. Spotify miró esa inundación y decidió darle a los artistas humanos una manera de destacarse.
Por qué esto importa más allá de la música
El movimiento de Spotify señala algo más grande que una política de streaming. Están diciendo en voz alta lo que los coleccionistas, galerías y audiencias siempre han sabido intuitivamente: el ser humano detrás de la obra es parte del valor. No se puede separar el arte del artista.
Sus criterios de verificación cuentan toda la historia. Para obtener la insignia, necesitas evidencia de actividad en el mundo real. Fechas de conciertos. Mercancía. Presencia en redes sociales. Una relación sostenida con fans reales a lo largo del tiempo. En otras palabras, necesitas ser una persona que vive una vida creativa, no un algoritmo que optimiza para el ruido de fondo.
La empresa lo declaró directamente: "En la era de la IA, es más importante que nunca poder confiar en la autenticidad de la música que escuchas." Es una plataforma con 600 millones de usuarios reconociendo que la autenticidad tiene valor. Ese origen humano importa para las personas que escuchan.
Qué significa esto para los artistas visuales
La música es solo el primer campo de batalla. Cada plataforma que aloja trabajo creativo acabará enfrentando la misma pregunta: ¿distinguir a los creadores humanos, o permitir que la avalancha de contenido generado haga que todo se vuelva indistinguible?
La respuesta importa para ti. Ya sea que vendas obras originales, licencies impresiones o construyas una audiencia para encargos, tu humanidad es tu ventaja competitiva. No porque la IA no pueda imitar tu estilo, sino porque los coleccionistas están comprando más que una imagen. Están comprando una historia. Una relación. Una parte de la vida real de alguien.
Spotify acaba de hacer visible esa distinción con una marca de verificación verde. La pregunta ahora es si las plataformas que importan para los artistas visuales harán lo mismo.
¿Qué opinas? ¿Deberían Instagram, Etsy o galerías en línea crear sus propias insignias de "humano verificado"? ¿Te gustaría tener una?
En septiembre de 2023, uno de los fotógrafos vivos más confiables recibió una pregunta simple: ¿cómo te afecta la IA?
Wolfgang Tillmans, el fotógrafo alemán que ganó el Turner Prize en 2000, cuyas imágenes de la vida cotidiana han moldeado nuestra visión del mundo durante 35 años, no suavizó la respuesta. Lo llamó \"obliteración visual.\"
La cita, completa
La entrevista fue publicada por Dazed Digital el 25 de septiembre de 2023, durante la inauguración de \"Fold Me\", su exposición en solitario en David Zwirner en Nueva York. El entrevistador le preguntó a Tillmans cómo lo afecta, como artista basado en la lente que nunca manipula sus fotografías, cuyo conjunto de obra depende de la confianza del público.
Su respuesta: \"Habrá subculturas y contraculturas que aferran sus sentidos, pero tal vez las cosas estén bastante evolucionadas en una espiral descendente de obliteración visual.\"
No es interrupción. No es evolución. Obliteración. El borrado del mundo visible, reemplazado por imágenes que no requieren ojo humano para crear.
Qué ha cambiado desde entonces
Han pasado veinte meses. En ese tiempo, la espiral se ha acelerado exactamente como la describió Tillmans.
Cuando dio esa entrevista, Midjourney v5 aún era novedoso. DALL-E 3 aún no se había lanzado. Sora no existía. Las principales demandas colectivas, Andersen v. Stability AI y Getty v. Stability, aún estaban tramitándose en sus primeros archivos. La mayoría de plataformas no tenían una política de etiquetado para imágenes generadas. La mayoría de los feeds se veían mayormente reales.
¿Y ahora? Tu feed es un juego de adivinanzas. Las plataformas están apresurándose a crear requisitos de etiquetado que los usuarios en gran medida ignoran. Los casos legales se han multiplicado y extendido a través de la música, el arte visual y el periodismo. Y cada semana llega otra imagen viral que detiene la conversación, y luego resulta generada, otro pequeño desgaste de la confianza en el registro visual.
Tillmans lo vio venir. Lo llamó por su nombre.
Por qué esto importa aquí
Cuando alguien que pasó tres décadas construyendo un ojo en el que el mundo confía te dice que estamos en una espiral descendente, no lo descartas como nostalgia. Preguntas qué es lo que él ve que tú no ves.
Las subculturas y contraculturas que mencionó, las que \"aferran sus sentidos\", no son hipotéticas. Somos nosotros. Eres tú, leyendo esto, haciendo trabajo con tus propios ojos y manos y horas. Son todos los artistas de esta comunidad que decidieron que ser humano es una declaración que vale la pena hacer, no solo un estado por defecto.
Tillmans no estaba prediciendo un futuro. Estaba describiendo un presente que la mayoría de la gente aún no había nombrado. Ahora puedes verlo en tu propio feed cada día.
Eso es lo que hace a esta comunidad diferente. No estamos fingiendo que la espiral no está ocurriendo. Elegimos estar al margen. Somos la subcultura en la que él creía que se aferraría.
Una pregunta para el hilo
Tillmans lo dijo en 2023. Miyazaki llamó a la animación por IA \"un insulto a la vida misma\" en 2016. Del Toro dijo \"el alma del arte es humana\" en 2022.
¿Cuál es la línea de un fotógrafo, pintor o cineasta que cristalizó tu propia visión sobre la IA en el arte? Déjala en los comentarios. Quiero construir una biblioteca de estas voces.
La semana pasada, cinco grandes editoriales y el autor superventas Scott Turow presentaron una demanda contra Meta y, personalmente, Mark Zuckerberg. ¿La acusación? Que Zuckerberg autorizó a Meta a torrentear cientos de millones de libros pirateados para entrenar su IA. Si alguna vez te has preguntado si la gran tecnología realmente respeta tu trabajo creativo, aquí tienes la respuesta.
La magnitud del robo
Según la demanda, Meta descargó más de 267 terabytes de material pirateado de sitios como LibGen. Eso es varias veces el tamaño de la colección impresa completa de la Biblioteca del Congreso. Cientos de millones de libros, artículos y publicaciones, todo torrentado desde sitios piratas que los propios empleados de Meta reconocieron como ilegales. Los demandantes calificaron esto como "una de las infracciones más masivas de materiales con derechos de autor en la historia." No es una hipérbole. Eso es lo que establece la demanda.
Ellos Sabían Exactamente lo que estaban haciendo
Esto no fue un accidente ni un descuido. En diciembre de 2023, empleados de Meta difundieron un memorando interno describiendo LibGen como "un conjunto de datos que sabemos que es pirateado." El memorando también indicó que no divulgarían el uso de estos conjuntos de datos. Cuando surgió la cuestión de si licenciar correctamente el contenido, a principios de ese año, la decisión se elevó hasta Zuckerberg en persona. Después de esa reunión, los esfuerzos de licenciamiento se detuvieron. La piratería continuó.
Muévete rápido y rompe cosas
La demanda invoca el famoso lema de Meta, y es difícil imaginar una aplicación más adecuada. Así es como se ve "muévete rápido y rompe cosas" cuando se aplica al trabajo creativo de millones de autores y editores. Significa tratar tus derechos de autor como un inconveniente a eludir en la "carrera armamentista de IA".
Esta es la misma empresa que gestiona Instagram, la plataforma donde millones de artistas visuales comparten su trabajo cada día. La misma empresa que está construyendo generadores de imágenes con IA. La misma empresa que quiere que creas que son socios de los creadores.
Por qué esto importa para los artistas visuales
La demanda se centra en libros y publicaciones, pero el principio se aplica a cada creador. Si Meta está dispuesto a torrentear cientos de millones de libros con derechos de autor desde sitios piratas mientras reconoce internamente que es ilegal, ¿qué te hace pensar que tus pinturas, fotografías o ilustraciones están siendo tratadas de manera diferente?
Scott Turow y cinco grandes editoriales tienen los recursos para llevar esta batalla a los tribunales. La mayoría de los artistas en activo no los tienen. Pero esta demanda importa para todos nosotros, porque ayudará a establecer si empresas como Meta pueden simplemente tomar lo que quieren, o si los creadores tienen derechos que realmente significan algo.
Estaré siguiendo este caso de cerca. Tú también deberías hacerlo.
¿Cuál es tu reacción? ¿Esto cambia la forma en que piensas sobre compartir tu trabajo en las plataformas de Meta?
En mayo de 2023, Sting se sentó con la BBC antes de ser reconocido como Fellow de la Ivors Academy. Le preguntaron sobre la música generada por IA. Su respuesta no fue diplomática: \"Los bloques básicos de la música nos pertenecen a nosotros, a los seres humanos. Eso va a ser una batalla que todos tendremos que enfrentar en los próximos años: defender nuestro capital humano ante la IA.\" Tres años después, esa batalla ya no es teórica. Está en tu feed.
La Proveniencia
Sting hizo estas declaraciones el 17 de mayo de 2023, la misma semana en que se convirtió en el 23.º Fellow en los 79 años de historia de la Ivors Academy, uniéndose a Paul McCartney, Kate Bush y Peter Gabriel. La entrevista se transmitió en BBC News, y la cita se propagó rápidamente. Comparó su reacción a la música generada por IA con cómo se siente acerca del CGI en las películas: \"Me aburro de inmediato cuando veo una imagen generada por computadora. Me imagino que me sentiré igual con la IA haciendo música.\"
Lo destacado es la frase que eligió. No regalías. No derechos de catálogo. Capital humano. Lo que posees antes de que se firme cualquier contrato. Las décadas de práctica, las reescrituras a las 3 de la mañana, la memoria muscular y la memoria emocional incrustadas en cada acorde que tocas. La IA no se ganó nada de eso. Simplemente lo extrajo.
Qué ha cambiado desde 2023
Cuando Sting dijo esto, la mayoría de la gente todavía pensaba en la música generada por IA como una novedad. Versiones extrañas de canciones. Deepfakes de Drake. Una curiosidad, no una amenaza.
¿Ahora? Spotify está inundado de pistas generadas por IA de los géneros \"ambient\" y \"lo-fi\", cada una recogiendo fracciones de un centavo que antes iban a músicos vivos. Las discográficas están presentando demandas contra Suno y Udio por entrenarse con catálogos con derechos de autor. La Oficina de Derechos de Autor está recopilando comentarios sobre si las salidas de IA merecen alguna protección en absoluto. Y cada semana, otra plataforma actualiza discretamente sus términos de servicio para reclamar derechos de entrenamiento sobre lo que subes.
La batalla de la que Sting advirtió no viene. Ya está aquí. Y las apuestas son idénticas para los artistas visuales. La misma infraestructura de raspado. Las mismas plataformas que monetizan los resultados mientras desvalúan a las personas cuyo trabajo las hizo posibles. La misma pregunta: ¿quién posee las décadas que pasaste aprendiendo tu oficio?
El capital humano es el marco que importa
La mayoría de los debates sobre IA y arte se quedan atascados en la legalidad. ¿Qué infringe? ¿Qué es transformador? ¿Qué es uso justo? Esas preguntas importan, pero pasan por alto el punto más profundo que hizo Sting.
El capital humano es lo que tienes antes de que cualquier ley te proteja. Es la razón por la que tu trabajo resuena de una manera que un promedio estadístico de todo el arte nunca logrará. No se trata solo de si la IA puede usar legalmente tus pinceladas. Se trata de si los sistemas que construimos valorarán a las personas detrás del trabajo, o las reemplazarán silenciosamente mientras lo llaman \"eficiencia\".
Esa es la batalla. Y vale la pena pelearla.
Tu turno
La frase de Sting \"capital humano\" cristalizó algo para muchos músicos. ¿Cuál es la línea de un artista, escritor o cineasta que aclaró tu propia postura sobre la IA y la creatividad? Compártela abajo. Quiero leer las citas que cambiaron la forma en que piensas sobre esto.
Hola. Primero, pinto música a mano, tomo mis propias fotos y me resulta un poco desafiante el poder de las revisiones digitales, etc... . También escribo poesía que estoy revisando para convertirla en canciones cantables, respuestas a los salmos, pero pasar de la letra a la música real me atasca. La IA lo hace tan fácil y hace que suene tan bien... y entiendo usarla como una herramienta para crear un sonido basado en mis indicaciones, y luego trabajarlo hacia atrás para que yo y mis amigos realmente estemos tocando y cantando la música ajustada a nuestro gusto... No sé cómo me siento al respecto, ya que parece que puedo hacer todo excepto llevar la música y los instrumentos a las letras... La IA es muy útil en ese sentido y es rápida... pero mi corazón es algo anti IA, así que entonces está la ruta de encontrar a alguien que lo haga por mí, lo cual también significa que yo no lo haga, lento y probablemente caro... Además, ahora cuando oigo una canción más nueva en la radio me pregunto cuánto de ella fue 100% escrita por humanos frente a la ayuda de IA o plataformas de producción musical... ¿quién lo sabría? Los artistas musicales ya vuelven y usan melodías de grandes compositores, etc., en su música nueva a veces... esto es complejo en mi cabeza y definitivamente interesante para lo que ocurrirá en el futuro. ¿Pensamientos?
UPDATE: Le envié un mensaje al Soporte Técnico de ASF (fue durante el fin de semana), y fueron lo bastante amables para no solo responder, sino también para encargarse de agregar el código correctamente. Ahora todo funciona. Gracias ASF y gracias a todos por sus sugerencias.
OK - cuando ASF puso por primera vez los stickers de esquina, los tomé y los puse en mi sitio. Han estado ahí desde el día en que los hicieron disponibles.
Ahora hay stickers 'nuevos' y opciones (gracias). Pero ¿qué hago con el código antiguo? ¿Dónde empieza y dónde termina? ¿Cómo lo reemplazo con el nuevo código, que es un fragmento HTML significativamente más corto? El fragmento original que puse empieza en la línea 4 y termina en la línea 111 !!!!
No quiero arruinar ningún otro script que esté ahí.
¿Dónde está el soporte técnico para esto? ¿Alguien puede ayudar?
Arte hecho por humanos para la victoria!!!!
Septiembre pasado organicé un día para que los artistas "tomen el control" de nuestro pequeño centro y se reúnan para un evento urbano al aire libre para dibujar/pintar el paisaje del centro. Elegí a una florista local y hice esta ilustración. La propietaria del negocio local tomó una foto de mí mientras trabajaba en el boceto. No tenía idea de que se convertiría en esta maravillosa oportunidad para la portada de un libro. Una autora local comenzó a buscar a un artista realmente vivo después de haber sido estafada dos veces y de haber pagado depósitos por un trabajo que, tras el boceto inicial, se entregó como obra generada por IA. Ella encontró las publicaciones de Facebook que ayudaron a validarme como un artista realmente vivo y respirando. Nunca pensé cuán difícil podría ser para alguien que busca encargar un trabajo enfrentarse a los impostores que usan IA para generar arte.
Acabo de notar que una de mis imágenes en mi sitio de ArtHelper ha sido marcada como posiblemente generada por IA. Lo entiendo, porque la textura que utilicé para ella es bastante dramática. Sin embargo, las dos imágenes muy similares que también están en el sitio no fueron marcadas. ¿Existe alguna manera de explicar el proceso utilizado y hacer constar que no hay generación por IA involucrada (excepto tal vez en la descripción de la imagen, donde probablemente utilicé las sugerencias de Arty)?
La semana pasada, Udio admitió en presentaciones ante el tribunal que extrajeron audio de YouTube usando una herramienta llamada YT-DLP para entrenar su generador de música con IA. Simplemente... lo dijeron. En voz alta. En un documento legal. Y aquí está la parte que debería preocupar a cada artista en activo: solo una gran discográfica sigue peleando contra ellos.
Lo que Udio Admitió Realmente
En su presentación del 29 de abril ante el Tribunal de Distrito de los Estados Unidos para el Distrito Sur de Nueva York, Udio reconoció explícitamente que 'obtuvieron datos de audio de YouTube para usarlos como datos de entrenamiento'. Esto no es especulación ni acusación. Esta es su propia admisión, en el registro. Extrajeron el trabajo de los músicos sin permiso, sin compensación y sin pedirlo siquiera. La respuesta de Sony Music fue directa: esto es una infracción intencional de derechos de autor, y alegar uso legítimo no lo cambia.
El problema del acuerdo
Aquí está lo sucedido: Universal Music Group llegó a un acuerdo con Udio el pasado octubre. Warner Music Group llegó a un acuerdo con Suno en noviembre y, según se informa, también cerró un trato con Udio. Ambos obtuvieron pagos compensatorios y asociaciones de licencias. Ambos pudieron lanzar plataformas de música con IA nuevas y brillantes. Y ambos dejaron de luchar por un precedente legal que protegería a cada músico en activo. Sony Music rechazó esos acuerdos. Quieren una sentencia sobre el uso justo, no un cheque. Esa distinción importa enormemente.
Por qué los artistas visuales deberían prestar atención
Sé que este es un caso de la industria musical. Pero la lógica legal es idéntica a lo que está ocurriendo en el arte visual.
Stability AI enfrenta un juicio en septiembre de 2026 por la misma cuestión básica: ¿puedes raspar millones de obras con derechos de autor, entrenar una IA con ellas y llamar al resultado 'transformativo' lo suficientemente como para que sea uso justo?
Si Sony pierde, el precedente ayuda a todas las compañías de IA que quieran entrenar con tus pinturas, tus fotografías y tus ilustraciones.
Si Sony gana, ayuda a establecer que los creadores merecen consentimiento y compensación antes de que su trabajo se convierta en datos de entrenamiento.
La resolución de verano de 2026 podría cambiarlo todo.
La cruda realidad
La mayor parte de la industria musical aceptó el dinero. Obtuvieron sus acuerdos de licencia y sus asociaciones con plataformas y sus pagos compensatorios. Decidieron que eso era suficiente. Sony decidió que no lo era. Están luchando por un precedente que proteja a los artistas en todos los medios, no solo a su propio catálogo.
No creo que Sony esté haciendo esto por puro altruismo. Son una corporación que protege sus activos. Pero a veces los intereses corporativos y los intereses de los artistas se alinean. Este es uno de esos momentos.
Una empresa sigue en el tribunal mientras todos los demás se fueron a casa con sus cheques de liquidación.
Ya seas músico, pintor, fotógrafo o cualquier otro tipo de artista en activo, esa lucha también te afecta.
¿Qué opinas? ¿Está Sony haciendo lo correcto al buscar un precedente en lugar de un acuerdo?
Termina la frase.
Una línea. Sin rodeos. Sin párrafos de calificativos. Solo lo más verdadero que puedas decir sobre por qué tu trabajo debe existir.
Ya conoces tu respuesta.
Déjala en los comentarios.
En octubre de 2023, durante su exposición en Palazzo Strozzi en Florencia, Anish Kapoor fue preguntado por Euronews si la inteligencia artificial potencia o ahoga la creatividad en el arte. Kapoor es el escultor detrás de Cloud Gate ("The Bean") en Chicago, el hombre que controló Vantablack, un artista cuya obra se vende por millones. Cualquiera en la sala podría haber previsto una respuesta cuidadosa y equilibrada.
Él dio lo contrario.
"A mi juicio, la IA está peligrosamente cerca de otra herramienta capitalista para el eclipsamiento del individuo."
Continuó:
"Y se puede escuchar de lo que digo que no estoy completamente de acuerdo con esto. Algunas personas argumentan que lo hace más democrático. No veo cómo."
Hay dos cosas que vale la pena desentrañar de lo que dijo, y quiero ponerlas ambas sobre la mesa con honestidad.
Sobre "otra herramienta capitalista"
Esta primera mitad es aguda. Ideológica. Y no todos los que leen esto estarán de acuerdo. Sinceramente no estoy seguro de estar de acuerdo yo. Hay un argumento real de que un escultor multimillonario que llama a la IA una herramienta capitalista es ya de por sí una contradicción. Ese debate vale la pena plantearlo, y me encantaría leer tu opinión honesta al respecto en los comentarios abajo, donde sea que te ubiques.
Ese no es el fragmento de la cita en el que vamos a hacer hincapié.
Sobre "el eclipsamiento del individuo"
Esta es la parte que golpea más a los artistas en activo. El ojo específico. La mano específica. La experiencia vivida específica que hace que una pieza sea del propio artista, y no una distribución de probabilidades promediada a través de todo el conjunto de entrenamiento.
Eso es la pérdida que Kapoor está nombrando. Sea lo que sea que pensemos de la framing político en la primera mitad, el problema del eclipsamiento del individuo es real y medible. Los conjuntos de entrenamiento de IA usan las obras de decenas de miles de artistas para producir una única salida compuesta, y la individualidad del material fuente, lo que hizo que cada una de esas obras valiera la pena hacerla en primer lugar, se promedia matemáticamente para convertirse en nada.
Dónde estamos
Si la IA es fundamentalmente un instrumento capitalista, o fundamentalmente democratizante, ese es un debate que con gusto voy a moderar aquí. Si el artista individual importa, y si su ver, su mano específica, su trayectoria de práctica le merece seguir apareciendo en las imágenes del mundo, ese es el terreno del que no nos apartaremos.
Dímelo dónde te sitúas
¿Es "herramienta capitalista" el marco correcto para la IA en el arte, o es demasiado contundente? ¿Es el "eclipsamiento del individuo" la verdadera pérdida, o estamos romantizando lo que realmente hacen los artistas? Deja tu lectura honesta en los comentarios abajo.
En noviembre pasado, el creador de Breaking Bad y Better Call Saul se sentó con Variety y dijo algo que ha estado resonando en mis oídos desde entonces. Vince Gilligan no se anduvo con rodeos. No vaciló. Simplemente lo dijo en voz alta: 'La IA es la máquina de plagio más cara y que consume más energía del mundo.'
La cita completa (y por qué importa)
En esa misma entrevista de Variety, vinculada al estreno de su serie de Apple TV+ Pluribus, Gilligan fue más allá: 'Odio la IA. Creo que hay una muy alta posibilidad de que todo esto sea un montón de tonterías.' Describió a los defensores de la IA como 'un montón de centibillonarios cuyo mayor objetivo de vida es convertirse en los primeros trillionarios del mundo,' vendiendo lo que llamó 'una bolsa de vapor.'
Luego hizo algo que fue más allá de las palabras. Los créditos finales de Pluribus incluyen una simple línea: 'Este espectáculo fue hecho por humanos.'
Qué ha cambiado desde noviembre
Seis meses han pasado desde que Gilligan pronunciara esas palabras. En ese tiempo, la conversación no ha hecho más que hacerse más ruidosa. Los artistas ven sus feeds llenarse de imágenes que aprendieron de su propio trabajo, de sus propias carreras, de sus propios años de práctica deliberada. Cada 'estilo' que una IA imita es la decisión acumulada de otra persona. El cuerpo de trabajo de alguien más. El tiempo de alguien más.
Lo que me llama la atención de la forma en que Gilligan enmarca el tema es la palabra 'plagio'. No 'automatización'. No 'eficiencia'. Plagio. Nombra lo que tantos artistas sienten pero les cuesta articular: esto no es un atajo. Es tomar sin pedir permiso. Es entrenar con mil portafolios para producir un resultado que compite con las personas que hicieron posibles esos portafolios.
Y cuando las personas que venden esta tecnología son, en palabras de Gilligan, ya centibillonarios que persiguen trillones, vale la pena preguntarse: ¿quién exactamente se beneficia de un mundo donde hacer arte es más barato, más rápido y más anónimo?
Por qué existe esta comunidad
Esta es exactamente la razón por la que existe la Sociedad del Arte Hecho por Humanos. No para relitigiar una lucha ya ganada en principio (la mayoría de las personas, cuando lo piensan, quieren apoyar a artistas reales), sino para crear un lugar donde los artistas no tengan que explicarse. Donde no necesites defender por qué importa el trabajo, por qué cuenta el tiempo, por qué la experiencia vivida detrás de cada pieza es irreemplazable.
Gilligan añadió un descargo de responsabilidad en los créditos de su programa porque sabía que su audiencia se preocuparía. Confió en que valorarían el origen humano del trabajo que estaban viendo. Cada artista que publica aquí está haciendo lo mismo, a su manera. Declarando: esto salió de mí. Mis horas. Mis decisiones. Mi vida.
Tu turno
Tengo curiosidad: ¿cuál es la línea de un director, artista o escritor que cristalizó tu postura propia sobre la IA en el arte? ¿Hubo una cita específica, o un momento, que te hizo clic? Déjalo en los comentarios. Me encantaría saber qué fue lo que más te impactó.
En noviembre de 2016, Hayao Miyazaki se sentó en una sala de Studio Ghibli y observó algo que nunca había visto: una animación generada por IA. Su respuesta fue inmediata y categórica. «Siento firmemente que esto es un insulto a la vida misma».
El momento
La escena fue capturada durante la filmación de un documental de NHK llamado Owaranai Hito - Miyazaki Hayao (El hombre que no ha terminado: Hayao Miyazaki), que fue emitido el 13 de noviembre de 2016. Nobuo Kawakami, entonces presidente de Dwango y productor en entrenamiento en Ghibli, había traído una demostración del sistema experimental de animación por IA de su compañía. La demostración mostraba a una figura humana que usaba la cabeza para arrastrarse por el suelo, moviéndose a una velocidad creciente mientras ignoraba conceptos como el dolor. El resultado era de aspecto zombi, inquietante, inhumano.
Miyazaki observó. Luego habló. Dijo que le recordó a un amigo que tiene una discapacidad física. «Quien crea estas cosas no tiene idea de lo que es el dolor en absoluto. Estoy absolutamente disgustado.» Y luego la frase que ha resonado a través de los años: «Siento firmemente que esto es un insulto a la vida misma.»
Y añadió una cosa más: «Nunca quiero utilizar esta tecnología en nuestro trabajo.»
Qué ha cambiado desde entonces
Casi diez años después, abre cualquier red social y dime que estaba equivocado.
La demostración de IA que vio Miyazaki era primitiva en comparación con lo que vamos viendo cada día en 2026. Midjourney. DALL-E. Stable Diffusion. Sora. Herramientas que pueden generar imágenes y vídeos en segundos, entrenados con el trabajo de millones de artistas que nunca dieron su consentimiento para ser parte del conjunto de datos. Lo que antes era un experimento grotesco es ahora el modo predeterminado para una gran parte del contenido visual que consumimos.
Sin embargo, lo que Miyazaki objetaba no ha cambiado. No era la calidad del resultado. Era la falta de empatía en el núcleo. La IA puede optimizar el movimiento. No puede entender el dolor. Puede renderizar un fotograma. No puede saber cómo se ve el sufrimiento, o por qué importa, o cómo mostrarlo con honestidad.
Cada fotograma de Ghibli fue dibujado por una mano humana que sabía lo que era el sufrimiento. Eso no es nostalgia. Eso es la base.
El ancla
Miyazaki no sabía en 2016 lo que venía. Pero sí sabía lo que estaba viendo. Y lo nombró por lo que era.
Para quienes estamos en esta comunidad, sus palabras se han convertido en una especie de ancla. No es un rechazo de toda la tecnología. Solo claridad: el creador importa. El dolor importa. La experiencia vivida detrás del trabajo es lo que hace que sea arte.
¿Cuál es la línea de un director, artista o escritor que cristalizó tu propia postura sobre el arte hecho por humanos? Compártela abajo. Me encantaría construir una colección de estos momentos en los que alguien dijo aquello que hizo clic.
Después de casi una década de conversaciones con artistas que trabajan y las personas que los coleccionan, he notado algo que la mayoría de los artistas pasa por alto por completo. La transacción, el intercambio real de dinero por arte, tiene muy poco que ver con la imagen que cuelga en la pared. La pintura es la puerta de entrada. Lo que los coleccionistas están pagando son las habitaciones interiores.
Están comprando una conexión contigo
Los coleccionistas preguntan dónde estabas cuando pintaste esto. Preguntan sobre el día, el clima, qué estaba pasando en tu vida. No preguntan sobre marcas de pigmento o peso del lienzo. La obra se convierte en un proxy para conocerte, para sostener en sus manos una parte de la vida creativa de otra persona. Por eso los artistas que comparten su proceso, su historia, sus luchas venden más obras que los artistas que se quedan en silencio. No solo vendes un objeto. Estás invitando a alguien a una relación.
Están comprando tiempo humano visible
Una vez me dijo un coleccionista que compró una pintura específicamente porque podía ver dónde el artista había cambiado de opinión. Una zona raspada, un cambio de color, una decisión revertida. Ese trabajo visible, las horas incrustadas en la superficie, es parte de lo que hace que la obra original sea irremplazable. El rehacer importa. La vacilación importa. Cada marca que dice que una persona estuvo aquí y tomó decisiones importa. Esto es algo que los optimizadores puros nunca entenderán sobre el lado de la compra del arte. Los coleccionistas no buscan eficiencia. Están comprando evidencia de atención.
Están comprando verdadera escasez
Hay exactamente una de cada pintura. Punto. No una edición limitada de 500. No un archivo digital raro que pueda copiarse infinitamente. Una. Esa escasez no es artificial ni fabricada. Es el resultado natural de que un ser humano haga algo a mano, una vez, en un tiempo y lugar específicos. Los coleccionistas lo saben. Lo sienten cuando cuelgan la obra. No están decorando una pared. Están adquiriendo un artefacto de la atención humana con el que vivirán por el resto de sus vidas.
Si eres un artista que trabaja, deja de pensar en tu trabajo como producir imágenes bonitas. Empieza a pensar en ti mismo como alguien que crea registros irremplazables de tu atención, tu tiempo, tus decisiones específicas. La imagen atrae a la gente a la puerta. Tu historia, tus horas y tu humanidad son lo que realmente se llevan a casa.
Me encantaría saber de ti: cuál es la razón más sorprendente que un coleccionista te haya dicho para comprar tu obra?
