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Sobre el tema del proceso, mi opinión es que cualquier forma en que lleves tu arte a la tela es juego limpio. Tengo una manera particular de recrear mi pintura de acción que no implica goteo de pintura, sino revelar lo que hay debajo del caos. He sido reacio a explicar mi proceso porque alguien con talento real lo haría mejor. Pero si alguien está interesado, estaré feliz de explicar mi proceso.
Si estás buscando un preajuste antes de haber pasado unos minutos con la imagen, estás decorando la memoria de otra persona.
Trabajo con película, así que la mitad de la 'gradación' ya está integrada en el stock que elegí esa mañana. Pero incluso en el escaneo, hay un momento en el que decides: ¿dejo que este crepúsculo permanezca ámbar, o lo enfrío porque así fue como se sintió la escena al estar allí? Durante mucho tiempo cuestioné cada elección, convencido de que había una paleta 'correcta' escondida en algún lugar. Resulta que la paleta correcta es la que hace que la imagen se sienta como lo hizo el aire.
Los presets pueden ser útiles como puntos de partida, claro. Pero he notado que el trabajo al que siempre regreso, el mío o el de cualquiera, casi siempre tiene decisiones de color que se sienten personales y un poco obstinadas. No son de moda. No son seguras. Simplemente comprometidas.
Dicho eso, sé que hay muchos fotógrafos que juran por un flujo de trabajo consistente con preajustes y sus portafolios son cohesivos en maneras en las que el mío probablemente no lo es. Así que tal vez solo esté racionalizando mi propia obstinación. Me pregunto quién de aquí realmente confía en su instinto sobre el color frente a seguir un sistema, y si los resultados han valido la inconsistencia.
Los defensores de las cerdas naturales juran por la forma en que el pelo de cerdo o de marta retiene la pintura y la libera; hay una suavidad y un flujo que simplemente no se pueden imitar. Pero el bando sintético contraataca: el nylon y el poliéster modernos han mejorado tanto que son más fáciles de limpiar, duran para siempre, cuestan menos y nadie tuvo que hacer daño a un animal. He usado ambos durante años y, para ser sincero, voy alternando según lo que esté pintando ese día.
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Paredes de hormigón en una luz plana. Una fachada de tienda cerrada a las 2 de la tarde. La parte trasera de un refugio de autobús en el que nadie está esperando.
Creo que las tomas que otros fotógrafos pasan por alto como "demasiado aburridas" son exactamente las que conectan con personas que realmente compran obras. No todas las imágenes necesitan un atardecer o un momento decisivo con un desconocido en medio de una zancada. Escenas tranquilas, vacías y poco destacadas hacen algo diferente. Permiten que el espectador se proyecte en el encuadre. Esa proyección es lo que hace que alguien quiera quedarse con una impresión.
He pasado tardes enteras en una sola calle de Adelaide esperando que no pase nada en particular, y esas tomas reciben más respuestas que cualquier cosa que haya fotografiado en la hora dorada. Lo mismo con una ventana lluviosa en Kioto, donde la calle de abajo estaba completamente quieta. Sin acción, sin drama, solo tiempo y vidrio.
A los fotógrafos les encanta decirse entre sí que un sujeto debe ser interesante. Creo que lo contrario es cierto. Cuanto menos "interesante" sea el sujeto, más difícil tiene que trabajar la atmósfera, y la atmósfera es lo que la gente recuerda.
Me pregunto quién más ha encontrado su mejor trabajo en aquello que los demás pasaron por alto.
Arte más allá de las fronteras – 25 metros de expresión ❤
Mis rollos de arte pintados a mano se desplegaron dentro de la histórica Iglesia de San Nicolás en Berlín-Spandau, Alemania.
Un encuentro especial entre el arte Outsider, la arquitectura, las emociones humanas y las experiencias compartidas.
El arte nos conecta más allá de las palabras, de las culturas y de las fronteras.
Con amor desde Berlín,
Haci Sami Yaman – Artista Outsider
#OutsiderArt #ContemporaryArt #BerlinArt #ArtWithoutBoundaries
Algunos artistas juran empezar en CMYK para que no haya sorpresas en la impresora—lo que ves es lo que obtendrás. Otros argumentan que RGB te da toda la gama de colores con la que trabajar, mejores modos de fusión, archivos más pequeños, y siempre puedes convertir y ajustar después. He probado ambos enfoques y, para ser sincero, voy y vengo según el proyecto.
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Alterno obras en una cafetería aquí en Seattle, cambiando las piezas cada mes, más o menos. Un amigo me dijo que debería dejar puntos rojos en algunos lugares incluso después de que esas pinturas bajen, dejar que las nuevas se queden junto a la evidencia de que se venden. La idea es que la demanda percibida genera demanda real.
Una parte de mí lo entiende. He visto a alguien pasar frente a una pared de pinturas sin mirar, luego detenerse en seco al ver una etiquetada como vendida, de pronto interesado en la pieza junto a ella. Algo en la escasez activa un interruptor.
Pero otra parte de mí, la parte que perdió un panel a medio terminar por una ráfaga desde Puget Sound la semana pasada, siente que la obra debería simplemente sostenerse por sí misma. Si un cielo gris lleno de color oculto no atrae a alguien, una pequeña pegatina roja junto a ella no debería tener que hacer el trabajo.
Vuelvo y me debato con esto. ¿Crear una sensación de demanda es solo una presentación inteligente, o cruza la línea hacia algo deshonesto? Tengo curiosidad por saber en qué se posicionan otras personas.
Una vez traje un panel en plein air a una exposición grupal, directo del caballete. Bordes crudos, una mancha de cadmio en el borde, tal vez una huella. Lo vendí antes de que terminara la inauguración. El comprador dijo que el borde áspero lo hacía sentir vivo.
Así que lo intenté de nuevo en una galería decente. Multitud distinta. La pintura se quedó allí toda la noche pareciendo tarea pegada a un refrigerador. La misma calidad de obra, el mismo cielo gris con cinco o seis colores enterrados en él. Nadie se detuvo.
Creo que el enmarcado importa más de lo que la mayoría quiere admitir, especialmente para paisajes pequeños en alla prima que ya luchan por su presencia en una pared. Un marco le dice a alguien que esto está terminado, que vale la pena mirarlo. Sin uno, solo los pintores ven la pintura. Todos los demás ven una tabla de madera.
Dicho eso, mantengo mis paneles de estudio sin enmarcar y, para ser honesto, me parecen mejores así. Así que tal vez no se trate del arte en absoluto, sino de quién está en la sala.
¿Alguien más nota una diferencia real en cómo llega el trabajo cuando está enmarcado frente al crudo? Me da curiosidad saber si otros medios o estilos se salen con la suya con más facilidad que el óleo sobre panel.
LUZ Y SOMBRA – CONCURSO DE ARTE ARTHELPER
COGNICIÓN ORGÁNICA – Luz, Sombra y Percepción
Con este video artístico, estoy participando en el concurso de arte “Luz y Sombra” de ArtHelper.
Mi trabajo explora la interacción de la luz, la sombra, el color, el movimiento y las diferentes dimensiones de la percepción.
La luz revela lo que es visible, mientras que la sombra puede enfatizar o ocultar otras dimensiones de lo que vemos. Juntas, crean contrastes, transiciones, conexiones y transformaciones.
Me interesa particularmente cómo distintas condiciones de iluminación transforman la apariencia de una obra de arte y cómo sus estructuras, formas y colores pueden ser percibidos e interpretados de diversas maneras.
Estas exploraciones artísticas son parte de mi compromiso de larga data con la cognición orgánica, campos de información, el microcosmos y el macrocosmos, y las relaciones entre la humanidad, la naturaleza y el orden cósmico.
Mis obras representan reflexiones artísticas y filosóficas independientes. No hacen afirmaciones médicas, psicológicas o terapéuticas, ni se presentan como hallazgos científicos universalmente establecidos.
Para mí, el arte significa hacer visibles las preguntas, permitir que coexistan diferentes perspectivas y acercarse a lo desconocido con apertura y respeto.
Mi más sincero agradecimiento a ArtHelper y a todas las personas que acompañan mi viaje artístico con interés, atención y aprecio.
Obra de arte: Obras originales creadas por Haci Sami Yaman.
Música: Composición original de Haci Sami Yaman, creada en 2000.
Haci Sami Yaman (H.S.Y)
Artista Outsider · Berlín, Alemania
Estudio abierto de los hospitales Alexianer St. Hedwig, Berlín
R.T.A.IN.MANA
Ve el video público completo en ArtHelper:
https://www.arthelper.com/de/community/general/post/post-20261107-2da79637
Visita mi página pública de Facebook “Haci Sami Yaman – Outsider Art” para más obras de arte y videos:
Algunos de nosotros disparan sin dudar — bracketing, ráfagas, variaciones — sabiendo que el verdadero trabajo ocurre al depurar, y preferimos tener opciones antes de perder la toma. Otros disparan solo cuando la ven, argumentando que la disciplina de elegir antes que el obturador te convierte en un mejor fotógrafo y ahorra horas en Lightroom. Yo mismo voy y vengo: con la vida silvestre soy de disparar y rezar, pero en una mañana de paisaje cuidadosamente planificada tomaré un total de cinco tomas. ¿Cuál es tu modo natural?
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¿Puede el arte existir más allá de lo que los ojos pueden ver? ¿Cómo experimentas la percepción, la armonía y la emoción en tu propia práctica?
🌌✨ UNIVIP LOG | 360° – LA SINFONÍA DE LA PERCEPCIÓN
Estimados artistas y mentes creativas,
Con este video, me gustaría invitarte a mi mundo de pensamientos y a las dimensiones infinitas de mi percepción artística.
Para mí, el arte no empieza con una pincelada. Nace de nuestros pensamientos, emociones, recuerdos y experiencias. Los colores, la luz, los movimientos y las vibraciones se unen para crear una sinfonía personal de la existencia.
Pienso en 360°. ¿Por qué no?
Mi arte es un viaje en busca de la armonía, la belleza de la vida y las conexiones invisibles entre nuestros mundos interiores y exteriores.
Cada artista lleva un universo único dentro. Al compartir nuestras distintas percepciones, pueden emerger nuevas conexiones y experiencias creativas.
❤ Siente el arte. Experimenta el arte. Sé arte.
Una pequeña nota: Desafortunadamente, no se me permite subir videos con música directamente a ArtHelper. Mira el video completo con música directamente en Facebook:
https://www.facebook.com/reel/1547051900515033
Con amor, armonía y cálidos saludos desde Berlín.
Haci Sami Yaman
Artista Outsider – Berlín
Artista del Open Atelier de los Alexianer Sankt Hedwig Kliniken, Berlín
Vendo en un puñado de ferias artesanales pequeñas al año, principalmente mis piezas de esmalte y plata. La última feria en la que participé, el puesto frente a mí vendía impresiones en paneles de metal, colores brillantes, claramente no hechas por nadie que estuviera detrás de esa mesa. Algunas de las imágenes se parecían a trabajos que había visto en línea de artistas a los que sigo. Otros tenían ese aspecto impoluto, demasiado limpio, que me hace pensar que no intervino ninguna mano humana.
No estoy aquí para hacer de policía del puesto. Apenas tengo tiempo para evitar que mi propio horno se agriete la mitad de mi inventario. Pero me dejó pensando. Puse horas en hornear y volver a hornear una sola pieza, y alguien cercano está moviendo productos que tardaron segundos en generarse o minutos en copiar.
Los lugares que nos alquilan espacio no parecen revisar, y, para ser honesto, no sé a qué podría parecer esa verificación. ¿Es responsabilidad de los organizadores verificar el inventario? ¿A los compradores les importa? ¿Es responsabilidad de los artistas reportarlo y arriesgarse a ser el vendedor difícil?
Realmente no estoy seguro de dónde recae la responsabilidad. Si has lidiado con esto en mercados o ferias, ¿cómo lo ves? ¿Dónde está la línea real?
Rae Klein no tenía los signos típicos del mundo de las galerías: nunca fue a la escuela de posgrado, ni se mudó a Nueva York (o a cualquier otra gran ciudad, para el caso). Sin embargo tenía una cosa que el mundo del arte codicia hoy en día: más de 99,000 seguidores en Instagram.
Un día Klein estaba pintando en Holland, Michigan, cuando un amigo etiquetó a la aclamada galerista Jessica Silverman en una publicación sobre una de las exposiciones de Klein. Silverman revisó el Instagram y el sitio web de Klein, luego le envió un DM. Esa conexión eventualmente llevó a una exposición individual en San Francisco. Hoy, Klein está representada por la galería líder Nicodim en Los Ángeles.
¿Alguien inesperado te encontró a través de tu Instagram? Si es así, ¿quién fue? ¿Un coleccionista, un galerista, un colaborador, u otra persona…
Pintando en un estado transaccional – Un viaje a través de campos de información
Cuando pinto, entro en un estado transaccional en el que viajo a través de campos de información.
Exploro conexiones, percepciones y diferentes capas de información sin seguir un plan predeterminado.
Lo que encuentro durante estos viajes internos fluye hacia mis pinturas y dibujos.
Mi arte se convierte en la expresión visible de estas experiencias.
Haci Sami Yaman – artista marginal, Berlín
Mira el video aquí:
https://www.arthelper.com/de/community/general/post/post-20261102-ff7bc187
DREAM TRAUMA DELUXE – Haci Sami Yaman
Estimados amigos del arte y artistas colegas,
Les invito cordialmente a descubrir mi libro de arte, “DREAM TRAUMA DELUXE.”
En este libro reúno mis obras originales y reflexiones personales sobre trauma, memoria, percepción y las complejas relaciones entre experiencias internas y campos de información.
Mis pinturas emergen a través de un proceso creativo intensivo y de múltiples capas. Expresan mi percepción personal y muchos años de exploración artística.
El libro contiene 39 obras y te invita a mirar el arte desde diferentes perspectivas, a desarrollar tus propias ideas y a entablar una conversación.
Agradezco su interés, sus ideas y un intercambio artístico abierto.
Puedes ver mi libro de forma gratuita aquí:
https://artbooks.arthelper.com/b/xN59sTym3B3f2iAvQpRhP
Un cálido saludo desde Berlín,
Haci Sami Yaman
Elegir hardware porque se ve bien en la pantalla en lugar de porque te ayuda a pintar mejor es una trampa. He trabajado en una laptop que apenas podía mantener abierto un lienzo sin que el ventilador gritara, y el arte todavía tenía que sostenerse por sí mismo. Nadie que mire una hoja de personaje terminada se preocupa de si la tableta en el timelapse tenía biseles limpios.
Entiendo el argumento de que la presentación importa si estás construyendo una audiencia alrededor de videos de proceso. Pero creo que en el momento en que tus elecciones de herramientas empiezan a inclinarse hacia lo que luce bien en una película, te has movido silenciosamente de "artista que comparte su trabajo" a "creador de contenido que también dibuja." Esos no son lo mismo, y uno de ellos terminará comprometiendo tus silhuetas.
Quizá me equivoque. Tal vez invertir en equipo que funcione ante la cámara valga la pena de alguna forma y se traduzca en un arte mejor. Simplemente no lo he visto aún en mi propio rincón de las cosas.
¿Alguien por aquí ha cambiado realmente su configuración para cómo se ve en la cámara? ¿Ayudó o te distrajo?
Opinión impopular: trabajar con menos lápices de colores te hace mejorar el color más rápido que tener todas las tonalidades disponibles.
Comencé con un set de doce. ¡Doce! Y realmente creo que esos meses de superponer solo tres o cuatro lápices para obtener el color que quería me enseñaron más sobre cómo interactúan los tonos que cualquier tutorial. Cuando solo tienes un amarillo cálido, un rojo frío y un azul que tiende al verde, tienes que mirar realmente lo que tienes delante y descubrir cómo construirlo. Observas la temperatura. Observas cómo el orden de superposición cambia todo.
Ahora tengo un set más grande y, para ser honesto, suelo recurrir a ese mismo pequeño puñado la mayor parte del tiempo. Los demás están allí luciendo bonitos en la lata. Más opciones solo significan más dudas, al menos para mí.
Sé que a algunas personas les parece que una paleta limitada se siente como una jaula. Pero creo que la restricción es donde vive el aprendizaje. Cambia mi opinión, especialmente si trabajas en un medio donde mezclar es más indulgente que la superposición de lápices de colores.
Estimados artistas y amantes del arte,
Me complace compartir mi nuevo libro de arte digital, AR EX – The Codex of Existence.
El proyecto se gestó a partir de aproximadamente tres años de exploración artística. Durante los últimos dos años, también he utilizado inteligencia artificial para transformar mis propios dibujos, pensamientos y sistemas Codex en mundos visuales.
A lo largo de 95 páginas y 40 imágenes, el microcosmos y el macrocosmos se encuentran con el tiempo, números, frecuencias, campos de información y mi percepción personal. Un tema importante es una energía protectora que lo abarca todo: influencias positivas y negativas, la búsqueda de equilibrio y un campo protector en constante transformación. Mi Codex es un lenguaje artístico personal que conecta la experiencia vivida, la geometría y el pensamiento de 360°.
Viviendo con una discapacidad visual severa, busco hacer visibles y accesibles a otros mis percepciones internas complejas.
Les invito cordialmente a explorar las imágenes y compartir sus pensamientos.
Lean el libro completo: https://artbooks.arthelper.com/b/D1OlehDB9n3Iq3tvmdYFe
Un cordial saludo,
Haci Sami Yaman (H.S.Y.)
Artista Outsider | Open Studio, Alexianer St. Hedwig Clinics, Berlín
Algunos artistas juran que nunca debes bajar los precios — traiciona a tus compradores tempranos, mina tu credibilidad, y una vez que bajas, nunca puedes volver a subir. Otros dicen que esa es la ortodoxia de la galería, y si mantenerte firme significa cero ventas durante meses, un recorte de precio estratégico (o una obra más pequeña a nuevos puntos de precio) es solo un negocio inteligente. Yo voy y vengo con esto mismo, porque ambos bandos tienen cicatrices de batalla para demostrar su punto.
(Las insignias de los comentarios mostrarán tu voto… elige sabiamente 😈)
¿Puede el arte profundamente personal hablar a personas que nunca han vivido la experiencia del artista?
Soy Haci Sami Yaman, un artista outsider en Berlín. Creo pinturas, dibujos y rollos de papel monumentales como una forma de explorar la memoria, el trauma, la belleza y la dignidad humana.
Mientras trabajo en mi próximo libro de arte, DREAM TRAUMA DELUXE, una pregunta continúa apareciendo: ¿Necesita el espectador conocer la historia personal del artista para conectarse con la obra? ¿O pueden el color, la forma y los símbolos comunicar algo significativo por sí solos?
Mi propia sensación es que la obra de arte debe dejar espacio para la imaginación del espectador, incluso cuando proviene de un lugar intensamente personal.
¿Qué piensas? ¿Explicar la historia profundiza una obra de arte — o a veces le quita su misterio?
Haci Sami Yaman