Die Gesellschaft für von Menschen Gemachte Kunst

I start with a digital stickers and this is my first artwork ¡Baphi bless you!

Wir haben Elaine diese Woche auf Instagram und Facebook ins Rampenlicht gerückt.

Aus Jávea, Spanien, schafft Elaine lebendige abstrakte Arbeiten in Acryl- und Mischtechnik, die von der mediterranen Landschaft um sie herum inspiriert sind – tiefe Blautöne, feurige Sonnenuntergänge, die Energie von Wasser und Himmel. Ihr Werk 'Celestial Bloom' ist ein perfektes Beispiel für die Spontaneität und die mehrschichtige Tiefe, die sie in jede Leinwand einbringt. Wir sind stolz darauf, Künstlerinnen wie Elaine zu unterstützen, die eine ernsthafte Gesamtheit an Arbeiten aufbauen und uns in Räume der Kontemplation und Emotion einladen.

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Von Menschen gemacht. Wir stellen sie ins Rampenlicht.

— Nick

@Ellie Art Gallery

Einige meiner alten Sachen...

Wir haben diese Woche HazelNut auf Instagram und Facebook vorgestellt.

Mit Sitz in Črnomelj, Slowenien, erstellt HazelNut kühne Schablonenporträts kultureller Ikonen—Nina Simone, Janis Joplin, James Maynard Keenan—die jedes Subjekt bis auf Silhouette und Schatten reduziert. Die Arbeit destilliert Präsenz in essenzielle Formen und schlägt eine Brücke zwischen Pop-Art und Grafikdesign mit einem scharfen, minimalistischen Blick. Dies ist Porträtkunst, die die Ikone ehrt, ohne laut zu schreien.

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Von Menschen gemacht. Wir stellen sie ins Rampenlicht.

— Nick

@HazelNut

Am Samstag hat SZA eine Instagram-Story veröffentlicht, die jeden arbeitenden Künstler aufmerksam machen sollte. Sie suchte ihren Namen in einer KI-Musik-Trainingsdatenbank und stellte fest, dass 238 ihrer Songs dazu verwendet wurden, KI-Modelle zu trainieren. Einige davon, so glaubt sie, waren unveröffentlicht.

Ihre Reaktion war sofort und unverblümt: "Wenn du Musiker bist und diesen degenerierten Scheiß unterstützt? Du bist widerlich und ES GIBT NICHTS, WAS DU JE ZU MIR SAGEN KÖNNTEST, UM DAS IN ORDNUNG ZU BRINGEN."

Die Einwilligungsarchitektur ist bereits gescheitert

Was mich beim Lesen dieses Textes getroffen hat: Wenn eine Künstlerin mit SZAs Ressourcen, ihrem juristischen Team und Verbindungen in der Branche nachträglich herausfinden kann, dass Hunderte ihrer Aufnahmen Trainingsdaten geworden sind, ist das System bereits gescheitert. Die Infrastruktur, die Künstlerrechte schützen sollte, existiert schlichtweg nicht.

Es geht hier nicht um eine einzelne Künstlerin, die einen Song findet. Es geht um 238 Songs, einschließlich unveröffentlichter Materialien, die ohne Genehmigung, ohne Benachrichtigung, ohne Entschädigung in einer Datenbank erscheinen. Dasselbe passiert jeden einzelnen Tag auch bei visuellen Künstlerinnen und Künstlern.

Sie nannte das eigentliche Problem

SZAs beschränkte sich nicht auf die KI-Unternehmen. Sie nannte Diplo ausdrücklich, behauptete, er habe Anteile an Suno (einem der weltweit am häufigsten genutzten KI-Musikgeneratoren) und versuche "aktiv, es auf die besten und klügsten schwarzen Köpfe von Songwriterinnen und Songwritern sowie Produzentinnen und Produzenten zu trainieren".

Dann ließ sie eine Zeile fallen, zu der ich immer wieder zurückkehre: "GIB DEIN VIBRANIUM NICHT HERAB. TRAINIERE KI NICHT MIT DEINER GENIALITÄT."

Diese Metapher trifft ins Schwarze, denn sie trifft zu. Deine kreative Stimme, deine jahrelange Übung, deine einzigartige Perspektive auf die Welt — das ist nicht nur Content. Es ist dein Wettbewerbsvorteil. Es ist das, was deine Arbeit dir eigen macht. Und KI-Unternehmen haben sie im großen Stil gestohlen, in der Annahme, dass die meisten Künstler nicht die Plattform haben, die SZA hat, um öffentlich Widerstand zu leisten.

Visuelle Künstler, auch das ist euer Kampf

Die Klage der Musikindustrie gegen Suno und Udio wird derzeit vor Gericht ausgetragen. Der Prozess Andersen gegen Stability AI beginnt im September. Die Rechtsstreitigkeiten finden statt. Aber SZAs Beitrag erinnert uns daran, dass auch der kulturelle Kampf genauso wichtig ist.

Wenn eine Grammy-prämierte Künstlerin mit Millionen von Followern ihrem Publikum sagt, dass die Unterstützung von KI, die auf gestohlem Material trainiert wurde, "eklig" ist, verändert das die Debatte. Es macht es sozial inakzeptabel, Diebstahl einfach zu verharmlosen.

Visuelle Künstler haben die gleiche Chance. Jedes Mal, wenn du deine Arbeit postest und erklärst, sie sei menschlich gemacht, jedes Mal, wenn du KI-Generatoren aufforderst, die auf gescrapten Bildern trainiert wurden, jedes Mal, wenn du dich weigerst, an Systemen teilzunehmen, die darauf abzielen, dich zu ersetzen, tust du dasselbe, was SZA gerade getan hat. Du machst es schwieriger, so zu tun, als ob das in Ordnung wäre.

Deine Arbeit ist kein Trainingsmaterial

SZA hat 27 Millionen Instagram-Follower. Sie kann mit einer einzigen Story mehr Menschen erreichen als die meisten von uns in einem ganzen Leben erreichen würden. Aber sie nutzt diese Plattform, um Künstler mit weitaus weniger Sichtbarkeit zu schützen.

Das ist, wofür Fürsprache aussieht. Nicht die 'unvermeidliche' Erzählung akzeptieren. Nicht mitzugehen, um mitzugehen. Den Diebstahl benennen, die Unternehmen benennen und sich weigern, teilzunehmen.

Wie sähe es aus, wenn jeder arbeitende Künstler dasselbe tun würde?

Wir haben diese Woche Ailene Vrana MacDougall auf Instagram und Facebook vorgestellt.

Aus Innisfil, Kanada, schafft Ailene vielschichtige Mixed-Media-Abstraktionen, die Erinnerung und Ort in lebendige Farbe und Textur übersetzen. Ihre Arbeiten — wie "Polignano a Mare IV" — destillieren die emotionale Resonanz von Städten und Häusern in Kompositionen, die aus Malerei, Collage und intuitivem Markieren bestehen. Sie ist eine autodidaktische Künstlerin mit einer beachtlichen Werkproduktion, und wir sind stolz darauf, sie zu unterstützen.

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Von Menschen gemacht. Wir stellen sie ins Rampenlicht.

— Nick

@Ailene Vrana MacDougall

Drei Worte. Keine Umschweife. Kein firmeneigenes Geschwurbel über „Tools“ und „Demokratisierung.“ Als die Comic-Künstlerin und Illustratorin Jess Harwood sich am 28. Mai dazu entschloss, ihren Beitrag für The Guardian zu schreiben, glättete sie die Kanten nicht. Sie nannte KI-Kunst so, wie sie es sieht: langweilig, Diebstahl, seelenlos. Und gerade jetzt, während Künstlerinnen und Künstler weltweit einer weiteren Welle generierter Müll über ihre Feeds fluten, wirken diese drei Worte drängender denn je.

Die Quelle

Harwoods Beitrag, veröffentlicht in der Meinungssektion von The Guardian, ist es wert, vollständig gelesen zu werden. Sie ist kein Pundit, der am Rand des Geschehens kommentiert. Sie ist eine arbeitende Visual-Künstlerin, die Jahre damit verbracht hat, ihr Handwerk zu entwickeln und eine Karriere Schritt für Schritt aufzubauen. Und sie schrieb das, was viele Künstlerinnen und Künstler instinktiv fühlen, aber öffentlich schwer artikulieren können: Den Anblick zu haben, wie Ihr Lebenswerk von Maschinen abgekratzt, verarbeitet und wieder ausgespuckt wird, ist nicht nur frustrierend. Es macht wütend. Ihr vollständiger Artikel ist auf der Website von The Guardian verfügbar, und ich ermutige jedes Mitglied dieser Community, ihn zu lesen, zu speichern und zu teilen.

Was sich seit Mai geändert hat

Was sich in den Wochen seit dem Erscheinen von Harwoods Beitrag verändert hat: Die PR-Propaganda der Branche ist nur lauter geworden. Wir haben mehr Pressemeldungen gesehen, die KI Künstlerinnen und Künstlern „Ermächtigung“ verleihen. Mehr Plattformen integrieren stillschweigend generative Werkzeuge, während die Offenlegung verschwiegen wird. Weitere Versuche, den Widerstand der Künstlerinnen und Künstler als Ludditen-Panik statt als legitime Beschwerde umzudeuten. Die Narrativ-Maschine arbeitet Überstunden, um dich dazu zu bringen, dich unvernünftig zu fühlen, wenn du Einwände dagegen hast, dass dein Werk ohne Zustimmung, Anerkennung oder Entschädigung gestohlen wird.

Du bist nicht unvernünftig. Du bist aufmerksam.

Die Künstlerinnen und Künstler in dieser Community kennen den Unterschied zwischen einem Werkzeug und einem Ersatz. Ein Pinsel ist ein Werkzeug. Eine Kamera ist ein Werkzeug. Ein System, das auf Millionen urheberrechtlich geschützten Werken ohne Erlaubnis trainiert wurde, das darauf ausgelegt ist, etwas zu erzeugen, das „nahe genug“ dem entspricht, was Menschen schaffen, ist kein Werkzeug. Es ist Extraktion, gekleidet als Innovation.

Warum diese Community existiert

Genau deshalb haben wir die Human-Made Art Society gegründet. Nicht, um in die Leere zu schreien, sondern um einen Ort zu schaffen, an dem arbeitende Künstlerinnen und Künstler ihre Arbeiten teilen, sich gegenseitig unterstützen und an derselben Seite einer bedeutsamen Linie stehen können. Als Harwood schrieb „es ist langweilig, es ist Diebstahl, es ist seelenlos“, gab sie uns eine Sprache. Aber Sprache funktioniert nur, wenn Menschen sie gemeinsam verwenden.

Also hier ist meine Frage an diese Community: Welche Linie, welches Zitat oder welcher Moment hat deine eigene Haltung zu KI und Kunst verfestigt? War es etwas, das du gelesen hast? Etwas, das ein/e Künstler/in gesagt hat? Ein Stück generierter Inhalt, das eine Grenze für dich überschritten hat? Ich möchte es hören. Denn jedes Mal, wenn einer von uns erklärt, warum das wichtig ist, wird das Argument schwerer zu entkräften.

Vor zwei Wochen geschah im Kongress etwas, von dem jeder arbeitende Künstler wissen sollte. Abgeordnete beider Parteien führten das CREATOR Act ein, einen Gesetzentwurf, der es illegal machen würde, KI kommerziell zu verwenden, um deinen visuellen Stil zu imitieren. Das ist ein Satz, auf den wir seit Jahren gewartet haben, ihn zu lesen.

Was dieses Gesetz tatsächlich bewirkt

Der Name verrät die Ambition: Creative Rights Ensuring Artists' Technique and Originality Are Reserved. Abgeordnete Van Duyne, Clarke und Foushee haben dieses Vorhaben so gestaltet, dass es eng gefasst und spezifisch ist. Es richtet sich gegen Übeltäter, die wissentlich KI verwenden, um deine künstlerische Identität für kommerziellen Gewinn zu fälschen. Wenn jemand einen Generator anweist, etwas "im Stil von [dein Name]" zu erzeugen und das Ergebnis verkauft, kannst du ihn verklagen. Du kannst verlangen, dass er damit aufhört. Du kannst Schadensersatz fordern.

Dabei geht es nicht darum, Parodien, Fanarbeiten oder breite KI-Forschung einzuschränken. Es geht um die konkrete Form des kommerziellen Identitätsdiebstahls, der durch generative KI ermöglicht wird. Das Gesetz erkennt, was wir alle gesehen haben: Jeder kann nun den Markt mit Imitationen deines markanten Stils überschwemmen – kostenlos, in Sekunden, ohne deine Zustimmung oder eine einzige Vergütung.

Das Loch in der Mitte

Hier ist, was das CREATOR Act nicht tut: Es verhindert nicht, dass KI-Firmen überhaupt auf deine Arbeiten trainieren. Das ist der Elefant im Raum. Eine Plattform kann weiterhin dein gesamtes Portfolio abrufen, es in ein Modell einspeisen und das Werkzeug bauen, das den Stil-Diebstahl ermöglicht, auf den dieses Gesetz abzielt. Das Training selbst bleibt unbehandelt.

Was das bedeutet. Das Verbrechen, das das Gesetz benennt — kommerzielle Stil-Imitation — liegt nach dem Training. Die Modelle, die deine Arbeit fälschen können, existieren bereits, weil sie deine Arbeiten aufgenommen haben, ohne zu fragen. Diese Gesetzgebung zieht eine Grenze am Verkaufsort, nicht am Ort des Diebstahls.

Warum das immer noch wichtig ist

Ich bin nicht hier, um ein Gesetz zu kritisieren, das jahrelang gebraucht hat, um eingeführt zu werden. Parteiübergreifende Gesetzgebung, die Künstler vor der Ausbeutung durch KI schützt, ist wirklich neu. Vor einem Jahr konnten die meisten Gesetzgeber das Problem nicht definieren. Jetzt erarbeiten sie Gesetze, die deine kreative Identität als etwas ansehen, das es verdient, vor Gericht verteidigt zu werden.

Die kreative Wirtschaft trägt jährlich 1,2 Billionen US-Dollar zum BIP der USA bei. Das entspricht 4,2 %. Jeder Künstler, der das Gefühl hatte, dass seine Arbeit in einer rechtlichen Grauzone existiert, sollte sich Notizen machen: Der Kongress erkennt endlich an, dass dein Stil, dein visueller Fingerabdruck, wirtschaftlichen Wert hat, der bundesstaatlichen Schutz verdient.

Ist das genug? Nein. Sollten Künstler eine Zustimmung zum Training verlangen? Absolut. Aber dies ist die erste bundesweite Gesetzgebung, die in klarer Sprache sagt, dass das Imitieren eines Kunstwerks mit KI zu kommerziellem Gewinn rechtlich angreifbar ist. Das ist eine Grundlage.

Was denkst du? Ist dieses Gesetz ein bedeutsamer Schritt nach vorn, oder ist die Trainingsschlupflöcher zu groß, um ignoriert zu werden?

Ich arbeite bei Art Shopfronts, das in Amerika ansässig ist, und sie verwenden amerikanische Druckdienstleistungen für Drucke und Merchandise. Die Versandkosten und die Wartezeit, bis Drucke/Merchandise ankommen, sind prohibitiv hoch. Gibt es eine funktionsfähige, kostengünstige Druckdienstleistung als Alternative, die einfach einzurichten ist?

Wir haben diese Woche Dawn Boyer Fine Art auf Instagram und Facebook vorgestellt.

Sie arbeitet in Dover mit Acrylfarben, Ölen und Kaltwachs und schafft vielschichtige Gemälde, die sich an der natürlichen Welt – Land, Himmel, Garten – sowohl als Motiv als auch als Metapher für unser Innenleben orientieren. Ihr Werk "Cherry Blossom Reverie" ist ein schönes Beispiel dafür, was sie tut: Sie schafft ruhige, nachdenkliche Räume, in denen Betrachter innehalten und mit ihren eigenen Gedanken und Gefühlen in Verbindung treten können. Dies ist eine Künstlerin, die fest an die Kraft der Stille glaubt, und ihre Arbeit vermittelt genau das.

Dawns ArtHelper-Profil ist die Heimat des restlichen Werks von ihnen – schau es dir an:

👉 arthelper.com/dawnboyer

Von Menschen gemacht. Wir stellen sie ins Rampenlicht.

— Nick

@Dawn Boyer Fine Art

Wir haben in dieser Woche Richard Windeyer (JustRicho) auf Instagram und Facebook ins Rampenlicht gestellt.

Mit Sitz in Sydney ist Richard Fotograf, der mit traditionellem Film und analogen Prozessen arbeitet und alles festhält – vom Opernhaus der Stadt bis zu Australiens abgelegenen alpinen Tälern und Küstenlandschaften.

Sein Werk \"Twelve Apostles Coastline\" demonstriert, wie er architektonische Geometrie mit natürlicher Form ausbalanciert — verwurzelt in der Disziplin der Druckvorstufen-Handwerkskunst und einem Respekt vor der langsamen, bedächtigen Arbeit, die Film verlangt. Es ist eine Werkreihe, die auf Detailgenauigkeit, Geduld und dem Bekenntnis zum Medium selbst basiert.

Richards ArtHelper-Profil ist die Heimat seines restlichen Werks — schau es dir an:

👉 arthelper.com/richo

Von Menschen gemacht. Wir stellen sie ins Rampenlicht.

— Nick

@JustRicho

Es gab kürzlich einen Beitrag in meinem LinkedIn-Feed, der sich auf den Markt für von Menschen gemachte Kunst konzentrierte und dessen Wert steigt. Die Autorin Aishwarya ch beschrieb in ihrem Beitrag, dass sich der Kunstmarkt rasch echten Künstlerinnen und Künstlern zuwendet, und ich reagierte mit einer Erwähnung von Arthelper und der Human Made-Zertifizierung. Es erhielt von der Autorin ein Like, und hoffentlich setzt sich dies mit der Gültigkeit dieses Abzeichens fort. Wenig mag es sein, aber jeder Beitrag zählt zum erweiterten Wissen über diese neue Mission.

Wir haben Yvonne Agee diese Woche auf Instagram und Facebook vorgestellt.

Aus Louisa kommend malt Yvonne Stillleben und Landschaften in Öl, Acryl, Kohle und Pastellkreiden mit einer Palette, die sie als \"aufgedreht und laut\" beschreibt. Ihr Werk \"Ein Fisch namens Matisse\" fängt die Energie ein, die sie jeder Komposition verleiht—Farbe und Kontrast leisten echte Arbeit. Sie ist eine Künstlerin, die Magie im Akt des Schaffens findet, und dieser Glaube zeigt sich auf der Leinwand.

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👉 arthelper.com/yvonneagee

Von Menschen gemacht. Sie ins Rampenlicht stellen.

— Nick

@Yvonne Agee

Robert Longo hat vierzig Jahre damit verbracht, etwas zu tun, das KI-Bildgeneratoren behaupten, sie könnten es jetzt in Sekunden tun: Menschen darstellen. Aber Longo zeichnet sie Stück für Stück mit einem Kohlestrich, über Monate hinweg, in einem Maßstab, der Sie mit dem Gewicht und der Präsenz einer tatsächlichen Person konfrontiert. Letzten Oktober, in einem Interview mit The Guardian, betrachtete Longo den aktuellen Stand der KI-Bilderzeugung und sagte: »Ich glaube, KI ist absolut furchterregend. Es ist der Tod des Individuums.«

Warum „Der Tod des Individuums“ ausgerechnet von ihm anders wirkt

Dies ist kein zufälliger Beobachter, der heiße Thesen über Technologie äußert. Robert Longos gesamtes Oeuvre ist ein Plädoyer für die unverrückbare Bedeutung des einzelnen Menschen. Seine ikonische Serie „Men in the Cities“ aus den frühen 1980er Jahren fängt spezifische Menschen in konkreten Momenten körperlichen Ausdrucks ein. Seine massiven Kohlezeichnungen von Gesichtern, Wellen und Protesten teilen alle dieselbe Verpflichtung: der mühsame Akt, das tatsächlich Vorhandene abzubilden, nicht das, was statistisch ähneln könnte.

Wenn Longo KI „den Tod des Individuums“ nennt, beschreibt er genau das, was er in seinem eigenen Bereich beobachtet hat. KI-Bildgeneratoren erzeugen keine Individuen. Sie erzeugen Zusammensetzungen, Annäherungen, statistische Durchschnittswerte davon, wie Menschen insgesamt aussahen, als die Trainingsdaten gesammelt wurden. Es gibt keinen Körper hinter dem Bild. Keine Stunden. Niemand, der dabei war.

Was sich seit Oktober 2024 verändert hat

In den zwanzig Monaten seit diesem Interview hat sich die Lage nur weiter verschärft. KI-Bildgeneratoren sind schneller, zugänglicher und in ihren Marketingbehauptungen aggressiver geworden. Adobe, Getty und ein Dutzend Start-ups bieten jetzt Werkzeuge an, die versprechen, die Arbeit der Bilderschaffung vollständig zu ersetzen. Das Wort „Creator“ wurde so erweitert, dass darunter jeder fällt, der eine Eingabe (Prompt) tippt.

Und dennoch hat auch der Gegenwind zugenommen. Künstler haben geklagt. Sammler beginnen, Fragen zu stellen. Galerien haben begonnen, „human made“ als Verkaufsargument zu verwenden. Der Markt erwacht langsam zu dem Unterschied zwischen einem Bild und einem Werk, zwischen Output und Absicht.

Die Linie, die zählt

Longos Phrase bleibt hängen, weil sie etwas benennt, das wir fühlen, aber nicht ausdrücken können. Der Wert menschlich geschaffener Kunst besteht nicht darin, dass sie anders aussieht als KI-generierte Bilder. Manchmal ja, manchmal nicht. Der Wert ist, dass sie von einer konkreten Person stammt, die Entscheidungen traf, Zeit nahm und im Werk Belege ihrer Präsenz hinterließ. Das ist gemeint mit „das Individuum“ in Longos Formulierung. Nicht ein Stil. Nicht eine Fähigkeit. Eine Person.

KI kann nicht töten, was sie nicht replizieren kann. Und sie kann das Individuum nicht replizieren.

Und du

Welches Zitat eines Künstlers, Filmemachers oder Schriftstellers hat deine eigene Position zu KI in der Kunst verdichtet? Nicht eine allgemeine Meinung, sondern eine konkrete Zeile, die dir die Bedeutung klar vor Augen geführt hat. Poste es in den Kommentaren.

Im Dezember 2022 luden Millionen von Menschen Selfies in die Lensa AI-App hoch. Der Aquarellkünstler Mateusz Urbanowicz, dessen Läden in Tokio halfen, die visuelle Sprache von Studio-Ghibli-Filmen wie Your Name zu definieren, sah zu, wie Fans ihm KI-Bilder schickten, die beunruhigend wie seine Arbeiten aussahen. NBC News bat ihn darum. Seine Antwort ist im Laufe der Zeit nur schärfer geworden.

Die Linie, die er zog

„Wenn jemand Kunst basierend auf meinem Stil macht und ein neues Werk schafft, ist es ihr Werk“, sagte Urbanowicz NBC News am 7. Dezember 2022. „Es ist etwas, das sie gemacht haben. Sie haben von mir gelernt, so wie ich von anderen Künstlern gelernt habe.“

Dann nannte er genau, was passiert, wenn man den Namen eines Künstlers in einen Generator eingibt.

„Wenn man meinen Namen [in einer Eingabe] eingibt, um ein neues Kunstwerk zu schaffen, zwingt das die KI dazu, Kunst zu erzeugen, die ich nicht machen möchte.“

Zwingen. Dieses einzelne Wort leistet die Arbeit, zu der tausend Meinungsstücke nicht in der Lage waren. Künstlerinnen und Künstler, die von Ihnen lernen, nehmen an der Kette des Einflusses teil, die jede Kunstbewegung der Geschichte geprägt hat. KI-Eingaben, die Ihren Namen vereinnahmen, sind etwas völlig anderes. Sie vereinnahmen Ihre Identität, um Werke zu produzieren, die Sie nie gewählt, nie genehmigt und nie autorisiert haben.

Was sich seit 2022 verändert hat

Als Urbanowicz dieses Interview gab, war Stable Diffusion vier Monate alt. ChatGPT war noch nicht gestartet. Die juristischen Fragen waren theoretisch. Jetzt sind sie es nicht mehr. Wir haben miterlebt, wie die Klage Andersen v. Stability AI Abweisungsanträge überstanden hat. Wir haben gesehen, wie die Musikindustrie Suno und Udio verklagt hat. Die New York Times hat OpenAI vor ein Bundesgericht gezogen. Die Frage, die Urbanowicz in einem Satz beantwortet hat, ist nun Gegenstand milliardenschwerer Rechtsstreitigkeiten.

Und in Ihren Feeds sehen Sie gerade jetzt die Folgen davon. Plattformen, die mit generierten Inhalten überflutet sind. Sammler fragen, ob ein Werk "real" ist. Künstlerinnen und Künstler werden mit Fragen konfrontiert, ob sie KI verwendet haben, um ihre eigenen Arbeiten herzustellen. Die Unterscheidung, die Urbanowicz gezogen hat, zwischen Lernen und Erzwingen, ist die Unterscheidung, die die gesamte kreative Wirtschaft nun treffen muss.

Warum das immer noch wichtig ist

Urbanowicz war kein Jurist oder Politikexperte. Er war ein Künstler, der betrachtete, was mit seinem Namen und seiner Arbeit geschah, und er fand das richtige Wort dafür. Das ist es, was Künstler tun. Sie sehen deutlich, bevor der Rest von Ihnen nachholt.

Das Human Made Art-Abzeichen existiert wegen Momenten wie diesem. Denn wenn ein Künstler seinem Werk seinen Namen gibt, sollte dieser Name bedeuten, dass er jede Markierung darauf gewählt hat. Nicht, dass eine Maschine gezwungen wurde, seine Identität auf Befehl zu annähern.

Was ist die Zeile, das Zitat oder der Moment, der Ihre eigene Haltung zu KI und Kunst kristallisiert hat? Ich würde gerne hören, was bei Ihnen den Aha-Moment ausgelöst hat.

Ein Gemälde, das ich im Geiste der längst vergangenen Rosen-Ernte-Saison auf dem Grünen Berg geschaffen habe; mit Fortschrittsaufnahmen zur Begleitung, da ich verstanden habe, dass meine Arbeit Ihre KI-Erkennung ausgelöst hat, und ich stehe nicht hinter dieser Verleumdung – Fertigstellung in 50 Stunden, Leinwand 95 × 69 cm, in Acryl- und Textilfarben gemalt. Der Grund, so glaube ich, ist die Nutzung von KI-Funktionen, um die Beleuchtung meines Bildes zu optimieren.