Ein Treffpunkt für Künstler, die an die unersetzliche Kraft der menschlichen Hand, des Geistes und des Geistes im kreativen Prozess glauben. Verifizierung als Mensch-Gemacht erforderlich.
Ich habe versucht, den E-Mail-Schnipsel hinzuzufügen, der das Häkchen in meiner Signatur anzeigen soll, aber (wie erwartet) fügt er in meinem Signaturblock nur den Code selbst ein. Ich benutze Gmail – was ist der Trick? Wie bekomme ich es so hin, dass es in meiner Gmail-Signatur richtig funktioniert? Danke für jegliche Hilfe!
Wie reagierst du auf Kommentare wie „Wie lange hat es gedauert, dieses hier zu machen?“
Im Juli 2023 saß eine Konzeptkünstlerin, die beim Aufbau der visuellen Welten von Doctor Strange, Black Panther, Loki und Star Wars mitgeholfen hat, vor dem Justizausschuss des US-Senats und sagte etwas, das jeder arbeitende Künstler hätte sagen können: \"Ich wurde nie gefragt. Mir wurde nie Anerkennung zuteil. Mir wurde nie ein Cent bezahlt.\" Diese Künstlerin war Karla Ortiz. Und fast drei Jahre später hat sich nichts geändert.
Die Zeugenaussage
Am 12. Juli 2023 trat Karla Ortiz vor den Unterausschuss des Justizausschusses des US-Senats für geistiges Eigentum während einer Anhörung mit dem Titel \"Künstliche Intelligenz und geistiges Eigentum – Teil II: Urheberrecht\" auf. Ihre schriftliche Zeugenaussage ist öffentliches Aktenmaterial. Sie erklärte, wie Generative-KI-Unternehmen ihr Portfolio, zusammen mit Milliarden anderer Bilder, abgegriffen haben, um Systeme zu trainieren, die nun direkt mit den Künstlern konkurrieren, von denen sie genommen wurden. Keine Erlaubnis. Keine Anerkennung. Keine Zahlung.
Was seitdem passiert ist
Im August 2024 hat Richter William Orrick Anträge auf Abweisung zentraler Ansprüche in Andersen v. Stability AI abgelehnt und entschieden, dass sowohl direkte als auch induzierte Urheberrechtsverletzungen plausibel sind. Der Fall kam in die Beweisaufnahme. Der Prozess ist nun für den 8. September 2026 terminiert, nur vier Monate von heute entfernt.
Drei Jahre Verfahrensanträge. Drei Jahre Rechtsstreit. Und dennoch wurde kein einziger Künstler, dessen Arbeit in den LAION-Datensatz mit 5 Milliarden Bildern aufgenommen wurde, gefragt, anerkannt oder bezahlt. Die Unternehmen, die diese Daten verwendet haben, werden mit Milliarden bewertet. Die Künstler, deren Arbeit es möglich machte, warten immer noch auf eine Antwort.
Dies ist die Welt, in der wir leben: Eine Konzeptkünstlerin, deren Pinselstriche einige der bekanntesten Filme des vergangenen Jahrzehnts geprägt haben, musste nach Washington, D.C. fliegen, vor einem Unterausschuss des Senats sitzen und erklären, dass sie nie gefragt wurde. Dass ihre Arbeit genommen wurde. Dass sie noch keinen Cent gesehen hat.
Warum das für dich wichtig ist
Wenn du dies in der Human-Made Art Society liest, weißt du es bereits. Du hast in deiner eigenen Arbeit, deinem eigenen Feed, auf deinem eigenen Markt eine ähnliche Erfahrung gemacht. Die Abwertung. Die Gespräche \"Warum sollte ich einen Künstler bezahlen, wenn ich einfach einen Prompt eingeben kann\". Das beunruhigende Gefühl, dass etwas von uns allen – kollektiv – ohne unsere Zustimmung genommen wurde.
Ortiz' Aussage betraf nicht nur sie. Es ging um das Prinzip. Und der Prozess im September wird nicht nur ihren Fall entscheiden. Er wird die Rechtslandschaft für jeden Künstler formen, dessen Arbeiten online existieren.
Wir haben ArtHelper ins Leben gerufen, um Künstler zu unterstützen, die Dinge mit ihren Händen, ihren Augen und aus ihrer gelebten Erfahrung schaffen. Nicht von ihnen abgeschöpft. Nicht ohne Erlaubnis nachgeahmt. Von ihnen gemacht.
Karla Ortiz hat 2023 die Wahrheit gesagt. Der Prozess kommt endlich. Und die Frage, die jetzt zählt, ist, ob die Antwort sich ändern wird.
Ich möchte von dir hören: Welcher Moment, welches Zitat oder welche Geschichte hat deine eigene Haltung zu KI und deiner Arbeit als Künstler:in geprägt?
Vor vierzehn Jahren, bevor irgendjemand von uns von DALL-E oder Midjourney gehört hatte, traf eine der folgenreichsten Malerinnen unserer Generation eine Vorhersage. Sie hatte Recht. Und was sie sagte, ist heute wichtiger als damals.
Das Zitat, und wo es herkam
Im Juni 2012 führte die Journalist_in Rachel Cooke ein Interview mit Jenny Saville für The Guardian. Saville hatte gerade ihre erste größere Einzelausstellung im Vereinigten Königreich in der Modern Art Oxford eröffnet, und zwei ihrer monumentalen Gemälde waren im Ashmolean im Raum der Italienischen Renaissance neben Bellini und Tizian zu sehen.
Cooke fragte, ob die Malerei in einer Welt überleben könne, die zunehmend von Algorithmen geprägt werde. Saville zögerte nicht:
„Kunst spiegelt das Leben wider, und unser Leben ist voller Algorithmen, also werden viele Menschen Kunst schaffen wollen, die wie ein Algorithmus funktioniert. Aber meine Sprache ist die Malerei, und Malerei ist genau das Gegenteil davon.“
Das vollständige Interview ist noch online bei The Guardian.
Was sich geändert hat, seit sie es gesagt hat
Im Jahr 2012 war der Algorithmus, den Saville beschrieben hatte, abstrakt. Es handelte sich um Empfehlungssysteme, Werbetargeting, und soziale Feeds, die auf Engagement optimieren. Die Vorstellung eines Algorithmus, der Gemälde erzeugt, existierte ernsthaft noch nicht.
Das änderte sich. Midjourney startete im Jahr 2022. DALL-E wurde Monate später öffentlich zugänglich. Stable Diffusion überschwemmte das offene Web. Bis 2024 waren Milliarden von KI-generierten Bildern auf sozialen Plattformen hochgeladen worden. Der Algorithmus, den sie vorhergesehen hatte, ist kein abstraktes Konzept mehr. Er ist hier, erzeugt tausend Bilder pro Minute und flutet jeden Feed, durch den du scrollst.
Und doch gilt ihr Satz weiterhin: Malerei ist das Gegenteil davon.
Das Gegenteil hat sich nicht verändert. Was der Algorithmus tut, hat es lediglich klarer gemacht. Die Entscheidungen eines Malers, Fehler, Überarbeitungen und die Stunden gelebter Aufmerksamkeit, die in jeden Strich eingehen, sind genau die Dinge, die der Algorithmus nicht replizieren kann. Er kann das Ergebnis annähern. Den Prozess jedoch kann er nicht replizieren.
Warum das in deinem Feed wichtig ist
Jeder Künstler in dieser Community kennt das Gefühl, KI-generierte Bilder zu scrollen und ein Flackern von etwas zu verspüren. Zweifel. Frustration. Manchmal Wut. Manchmal die leisere Frage: Macht das, was ich mache, noch Sinn, wenn Maschinen in Sekunden etwas erzeugen können, das ähnlich aussieht?
Saville beantwortete diese Frage, bevor die Maschinen ankamen. Malerei, Fotografie, Skulptur, Illustration, egal welches Medium du verwendest, die Arbeit, die du schaffst, trägt deine Aufmerksamkeit, deine Zeit, deine Entscheidungen. Das ist, was „das Gegenstück zu einem Algorithmus“ bedeutet. Nicht ein Stil. Nicht eine Technik. Die Tatsache, dass eine Person erschienen ist und das Werk geschaffen hat.
Die Flut ändert daran nichts. Im Gegenteil, sie beweist es.
Nimm an der Diskussion teil
Welcher Satz eines Malers, Fotografen, Bildhauers oder Filmemachers hat deine eigene Haltung zu KI-generierten Bildern kristallisiert? Mich interessiert, ob es ein Zitat gibt, das dich so begleitet hat, wie Savilles mich begleitet hat.
Spotify hat vor zwei Wochen etwas angekündigt, das kaum Beachtung fand. Ab jetzt können Künstler ein \"Verified by Spotify\"-Abzeichen verdienen, ein grünes Häkchen, das den Hörern signalisiert: Das ist ein echter Mensch, der diese Musik macht. Und hier kommt der wichtigste Teil: KI-generierte Künstler sind ausdrücklich ausgeschlossen. Das Unternehmen sagte es deutlich: Profile, die \"primär KI-generierte oder KI-Persona-Künstler darstellen, sind nicht für die Verifizierung berechtigt.\"
Das ist keine kleine Richtlinienänderung. Das ist eine bedeutsame Plattformwahl.
Die Zahlen sind überwältigend
Lassen Sie uns darüber reden, warum das wichtig ist. Spotify hat im vergangenen Jahr 75 Millionen \"Spam-Tracks\" von der Plattform entfernt. Dreiundsiebzig? Nein — 75 Millionen. Und hier ist die Zahl, die dich nachts wachhalten sollte: Deezer, eine Konkurrenz-Streaming-Plattform, erhält jetzt fast 75.000 vollständig KI-generierte Tracks pro Tag. Das entspricht 44% ihrer täglichen Uploads.
Die Flut ist real. Sie ist nicht theoretisch. Sie kommt nicht in fünf Jahren. Sie ist schon da und überschwemmt menschliche Schöpfer im algorithmischen Lärm. Spotify hat diese Flut gesehen und beschlossen, menschlichen Künstlern eine Möglichkeit zu geben, sich abzuheben.
Warum das jenseits der Musik Bedeutung hat
Der Schritt von Spotify signalisiert etwas Größeres als eine Streaming-Richtlinie. Sie sagen laut und deutlich das, was Sammler, Galerien und Publikum immer intuitiv wussten: Der Mensch hinter dem Werk ist Teil des Werts. Man kann Kunst nicht vom Künstler trennen.
Ihre Verifizierungs-Kriterien erzählen die ganze Geschichte. Um das Abzeichen zu verdienen, braucht man Nachweise realer Aktivitäten. Konzerttermine. Merchandise. Präsenz in den sozialen Medien. Eine langanhaltende Beziehung zu tatsächlichen Fans im Laufe der Zeit. Mit anderen Worten, man muss eine Person mit einem kreativen Leben sein, nicht ein Algorithmus, der Hintergrundgeräusche optimiert.
Das Unternehmen sagte es direkt: \"Im Zeitalter der KI ist es wichtiger denn je, der Authentizität der Musik, die du hörst, vertrauen zu können.\" Das ist eine Plattform mit 600 Millionen Nutzern, die anerkennt, dass Authentizität einen Wert hat. Die menschliche Herkunft bedeutet den Zuhörenden etwas.
Was das für visuelle Künstler bedeutet
Musik ist nur das erste Schlachtfeld. Jede Plattform, die kreative Arbeiten beherbergt, wird schließlich dieselbe Frage stellen: Unterscheiden wir menschliche Schöpfer, oder lassen wir die Flut generierter Inhalte alles in Gleichförmigkeit versinken?
Die Antwort zählt für dich. Ob du Originale verkaufst, Drucke lizenziert oder eine Zuhörerschaft für Aufträge aufbaust – deine Menschlichkeit ist dein Wettbewerbsvorteil. Nicht, weil KI deinen Stil nicht imitieren kann, sondern weil Sammler mehr als nur ein Bild kaufen. Sie kaufen eine Geschichte. Eine Beziehung. Ein Stück des tatsächlichen Lebens einer Person.
Spotify hat diese Unterscheidung mit einem grünen Häkchen sichtbar gemacht. Die Frage ist jetzt, ob die Plattformen, die für visuelle Künstler wichtig sind, dasselbe tun werden.
Was denkst du? Sollten Instagram, Etsy oder Online-Galerien ihr eigenes \"human verified\"-Abzeichen erstellen? Würdest du so eines wollen?
Im September 2023 wurde einer der vertrauenswürdigsten lebenden Fotografen mit einer einfachen Frage konfrontiert: Wie beeinflusst KI dich?
Wolfgang Tillmans, der deutsche Fotograf, der 2000 den Turner Prize gewann, dessen Bilder vom normalen Leben seit 35 Jahren unsere Sicht auf die Welt prägen, nahm die Antwort nicht beschönigt. Er nannte es „visuelle Obliteration.“
Das Zitat, vollständig
Das Interview wurde von Dazed Digital am 25. September 2023 veröffentlicht, zur Eröffnung von „Fold Me“, seiner Soloausstellung bei David Zwirner in New York. Der Interviewer frage Tillmans, wie die seismische Verschiebung hin zu KI-generierten Bildern ihn beeinflusst, als kamera-basierter Künstler, der seine Fotografien nie manipuliert, dessen gesamtes Werk auf dem Vertrauen des Publikums beruht.
Seine Antwort: „Es wird Subkulturen und Gegenkulturen geben, die an ihren Sinnen festhalten, aber vielleicht sind die Dinge bereits weit fortgeschritten in einer Abwärtsspirale visueller Obliteration.“
Keine Störung. Keine Evolution. Obliteration. Die Auslöschung der gesehenen Welt, ersetzt durch Bilder, die kein menschliches Auge mehr brauchte, um sie zu erzeugen.
Was hat sich seither verändert
Zwanzig Monate sind vergangen. In dieser Zeit hat sich die Spirale genau so beschleunigt, wie Tillmans es beschrieben hat.
Als er dieses Interview gab, war Midjourney v5 noch neu. DALL-E 3 war noch nicht gestartet. Sora existierte nicht. Die großen Sammelklagen Andersen v. Stability AI, Getty v. Stability, befanden sich noch in frühen Verfahrensstufen. Die meisten Plattformen hatten keine Kennzeichnungsrichtlinie für generierte Bilder. Die meisten Feeds sahen größtenteils real aus.
Und jetzt? Dein Feed ist ein Ratespiel. Plattformen bemühen sich verzweifelt, Kennzeichnungsanforderungen zu schaffen, die von den Nutzern weitgehend ignoriert werden. Die Rechtsstreitigkeiten haben sich vervielfacht und erstrecken sich über Musik, bildende Kunst, Journalismus. Und jede Woche taucht ein weiteres virales Bild auf, das Gespräche zum Stillstand bringt, sich dann als erzeugt herausstellt – eine weitere kleine Erosion des Vertrauens in die visuelle Aufzeichnung.
Tillmans sah es kommen. Er benannte es beim Namen.
Warum das hier wichtig ist
Wenn jemand, der drei Jahrzehnte damit verbracht hat, dem die Welt vertraut, ein Auge zu geben, dir sagt, dass wir in einer Abwärtsspirale sind, ignorierst du das nicht als Nostalgie. Du fragst, was er sieht, was du nicht siehst.
Die von ihm erwähnten Subkulturen und Gegenkulturen, jene, die „an ihren Sinnen festhalten“, sind nicht hypothetisch. Sie sind wir. Du bist du, der dies hier liest, mit eigenen Augen und Händen und Stunden, die du in deine Arbeit investierst. Sie sind jeder Künstler in dieser Community, der entschieden hat, dass Menschsein eine Aussage ist, die es wert ist, gemacht zu werden, nicht nur eine Standardeinstellung.
Tillmans sagte kein Zukunft voraus. Er beschrieb eine Gegenwart, die die meisten Menschen noch nicht benannt hatten. Jetzt kannst du es jeden Tag in deinem eigenen Feed sehen.
Das ist, was diese Community anders macht. Wir tun nicht so, als würde die Spirale nicht stattfinden. Wir entscheiden uns, außerhalb davon zu stehen. Wir sind die Subkultur, von der er glaubte, dass sie festhalten würde.
Eine Frage für den Thread
Tillmans sagte es 2023. Miyazaki nannte KI-Animation „eine Beleidigung des Lebens selbst“ im Jahr 2016. Del Toro sagte „die Seele der Kunst ist menschlich“ im Jahr 2022.
Welche Zeile eines Fotografen, Malers oder Filmemachers hat deine eigene Sicht auf KI in der Kunst kristallisiert? Poste sie in den Kommentaren. Ich möchte eine Bibliothek dieser Stimmen aufbauen.
Letzte Woche reichten fünf große Verlage und der Bestsellerautor Scott Turow eine Klage gegen Meta und Mark Zuckerberg persönlich ein. Die Behauptung? Dass Zuckerberg selbst Meta dazu autorisiert habe, hunderte Millionen piratisierter Bücher zu torrenten, um ihre KI zu trainieren. Wenn du dich jemals gefragt hast, ob Big Tech dein kreatives Werk wirklich respektiert, hier ist die Antwort.
Der Umfang des Diebstahls
Laut der Klage hat Meta über 267 Terabytes piratisierter Materialien von Seiten wie LibGen heruntergeladen. Das ist um ein Vielfaches größer als der gesamte Druckbestand der Library of Congress. Hunderte von Millionen von Büchern, Artikeln und Publikationen, alle von Piraten-Websites heruntergeladen, von denen Meta-eigene Mitarbeitende bestätigten, dass sie illegal waren. Die Kläger nannten dies 'eine der massivsten Verletzungen urheberrechtlich geschützter Materialien in der Geschichte'. Das ist keine Übertreibung. Das ist die Klage.
Sie wussten genau, was sie taten
Das war kein Zufall oder Versehen. Im Dezember 2023 kursierte unter Meta-Mitarbeitern ein internes Memo, in dem LibGen als 'ein Datensatz, von dem wir wissen, dass er piratisiert ist' bezeichnet wurde. Das Memo vermerkte außerdem, dass sie die Nutzung dieser Datensätze nicht offenlegen würden. Als die Frage aufkam, Inhalte ordnungsgemäß zu lizenzieren, wurde die Entscheidung bis zu Zuckerberg selbst eskaliert. Nach diesem Treffen hörten die Lizensierungsbemühungen auf. Die Piraterie ging weiter.
Schnell handeln und Dinge kaputtmachen
Die Klage verweist auf Metas berühmtes Motto, und es ist schwer, sich eine passendere Anwendung vorzustellen. Dies ist, wie 'move fast and break things' aussieht, wenn es auf die kreative Arbeit von Millionen von Autoren und Verlegern angewendet wird. Es bedeutet, dein Urheberrecht als Unannehmlichkeit zu behandeln, die im 'KI-Wettrüsten' umgangen werden soll.
Dasselbe Unternehmen betreibt Instagram, die Plattform, auf der täglich Millionen visueller Künstler ihre Werke teilen. Dasselbe Unternehmen baut KI-Bildergeneratoren. Dasselbe Unternehmen, das dich glauben machen will, es sei ein Partner der Kreativen.
Warum das für visuelle Künstler wichtig ist
Die Klage fokussiert sich auf Bücher und Publikationen, aber das Prinzip gilt für jeden Schöpfer. Wenn Meta bereit ist, Hunderte Millionen urheberrechtlich geschützter Bücher von Piratenseiten zu torrenten, während intern anerkannt wird, dass dies illegal ist, was lässt dich glauben, dass deine Gemälde, Fotografien oder Illustrationen anders behandelt würden?
Scott Turow und fünf große Verlage verfügen über die Ressourcen, diesen Rechtsstreit vor Gericht zu bringen. Die meisten arbeitenden Künstlerinnen und Künstler haben diese Mittel nicht. Aber diese Klage ist für uns alle wichtig, weil sie dazu beitragen wird, festzustellen, ob Unternehmen wie Meta sich einfach nehmen können, was sie wollen, oder ob Kreatoren Rechte haben, die tatsächlich etwas bedeuten.
Ich werde diesen Fall genau beobachten. Du solltest es auch tun.
Was ist deine Reaktion? Verändert dies deine Sicht darauf, wie du deine Arbeiten auf Metas Plattformen teilst?
Im Mai 2023 setzte sich Sting mit der BBC zusammen, bevor er als Fellow der Ivors Academy aufgenommen wurde. Man fragte ihn nach KI-generierter Musik. Seine Antwort war nicht diplomatisch: „Die Bausteine der Musik gehören uns, den Menschen. Das wird in den nächsten Jahren zu einem Kampf, den wir alle führen müssen: Unser menschliches Kapital gegen KI zu verteidigen.“ Drei Jahre später ist dieser Kampf nicht theoretisch. Er ist in deinem Feed.
Die Provenienz
Sting äußerte diese Bemerkung am 17. Mai 2023, in derselben Woche, in der er der 23. Fellow in der 79-jährigen Geschichte der Ivors Academy wurde, neben Paul McCartney, Kate Bush und Peter Gabriel. Das Interview wurde in BBC News ausgestrahlt, und das Zitat verbreitete sich schnell. Er verglich seine Reaktion auf KI-Musik damit, wie er CGI in Filmen empfindet: „Mir wird sofort langweilig, wenn ich ein computer-generiertes Bild sehe. Ich stelle mir vor, dass ich beim Erzeugen von Musik durch KI dasselbe empfinden werde.“
Was auffällt, ist der Ausdruck, zu dem er griff. Nicht Tantiemen. Nicht Verlagsrechte. Human Capital. Das, was man besitzt, bevor irgendein Vertrag unterschrieben wird. Die Jahrzehnte der Übung, die 3-Uhr-Morgens-Überarbeitungen, das Muskelgedächtnis und das emotionale Gedächtnis, das in jede von dir gespielte Akkordfolge eingebacken ist. KI hat davon nichts verdient. Sie hat es lediglich abgeschöpft.
Was sich seit 2023 verändert hat
Als Sting das sagte, dachten die meisten Menschen an KI-Musik noch als Kuriosität. Seltsame Cover-Versionen. Drake-Deepfakes. Eine Neugier, keine Bedrohung.
Jetzt? Spotify ist überschwemmt von KI-generierten Ambient- und Lo-Fi-Tracks, von jedem Bruchteile eines Cents, die früher lebenden Musikern zugutekamen. Plattenlabels reichen Klagen gegen Suno und Udio ein, weil sie auf urheberrechtlich geschützten Katalogen trainieren. Das Urheberrechtsamt nimmt Stellungnahmen dazu entgegen, ob KI-Ausgaben überhaupt Schutz verdienen. Und jede Woche aktualisiert eine weitere Plattform stillschweigend ihre Nutzungsbedingungen, um Trainingsrechte an allem, was du hochlädst, geltend zu machen.
Der von Sting warnende Kampf kommt nicht mehr – er ist da. Und die Einsätze sind für bildende Künstler identisch. Die gleiche Scraping-Infrastruktur. Die gleichen Plattformen monetarisieren Ausgaben, während sie die Menschen entwerten, deren Arbeit sie erst möglich gemacht hat. Die gleiche Frage: Wer besitzt die Jahrzehnte, die du mit dem Erlernen deines Handwerks verbracht hast?
Human Capital ist der Maßstab, der zählt
Die meisten Debatten über KI und Kunst bleiben in der Frage der Legalität stecken. Was verletzt Rechte? Was ist transformativ? Was ist faire Nutzung? Diese Fragen sind wichtig, aber sie übersehen den tieferen Punkt, den Sting thematisiert hat.
Human Capital ist das, was du hast, bevor irgendein Gesetz dich schützt. Es ist der Grund, warum deine Arbeit auf eine Weise anschluss findet, die der statistische Durchschnitt aller Kunst niemals erreichen wird. Es geht nicht nur darum, ob KI deine Pinselstriche legal verwenden kann. Es geht darum, ob die Systeme, die wir aufbauen, die Menschen hinter der Arbeit wertschätzen oder sie leise ersetzen, während sie es als „Effizienz“ bezeichnen.
Das ist der Kampf. Und es lohnt sich, ihn zu führen.
Dein Zug
Stings Formulierung „Human Capital“ hat vielen Musikerinnen und Musikern Klarheit gegeben. Welche Zeile eines Künstlers, Schriftstellers oder Filmemachers hat deine eigene Haltung zu KI und Kreativität klargestellt? Poste sie unten. Ich möchte die Zitate lesen, die deine Gedanken dazu verändert haben.
Hallo. Zuerst male ich Musik von Hand, mache meine eigenen Fotos und finde mich von der Kraft digitaler Überarbeitungen usw. etwas herausgefordert... Ich schreibe auch Gedichte, die ich überarbeite, damit sie zu singbaren Liedern meiner Antworten auf die Psalmen werden, aber von den Texten zur eigentlichen Musik überzugehen – da hakt es bei mir. KI macht es so einfach und lässt es so gut klingen... Und ich beginne, sie als Werkzeug zu verwenden, um einen Klang basierend auf meinen Eingaben zu entwickeln – ihn dann rückwärts zu arbeiten, sodass ich und Freunde tatsächlich die Musik spielen/singen, die wir nach Belieben angepasst sehen... Ich weiß nicht, wie ich mich dazu fühle, da ich scheinbar alles tun kann außer die Musik und Instrumente zu den Texten zu bringen... KI ist in diesem Licht so hilfreich und sie ist schnell... Aber mein Herz ist irgendwie anti-KI, also gibt es den Weg, jemanden zu finden, der es für mich macht, was auch bedeutet, dass ich es nicht tue, langsam und wahrscheinlich teuer... Außerdem – wenn ich jetzt einen neueren Song im Radio höre, muss ich mich fragen, wie viel davon zu 100% menschlich geschrieben wurde bzw. wie viel durch KI oder Musikproduktions-Plattformen unterstützt wurde... Wer würde das wissen? Musikalische Künstler greifen schon mal Melodien großer Komponisten etc. in ihrer neuen Musik auf. Das ist komplex in meinem Kopf und definitiv interessant, was in der Zukunft passieren wird. Gedanken?
UPDATE: Ich habe eine Nachricht an den technischen Support bei ASF geschickt (es war Wochenende), und sie waren so freundlich, nicht nur zu antworten, sondern auch dafür zu sorgen, den Code ordnungsgemäß hinzuzufügen. Jetzt funktioniert alles. Danke an ASF und danke an euch alle für eure Vorschläge.
OK – Als ASF die Eck-Sticker erstmals veröffentlicht hat, habe ich sie mir geschnappt und auf meine Seite gestellt. Sie sind seit dem Tag dort, an dem sie verfügbar gemacht wurden.
Jetzt gibt es "neue" Sticker und Auswahlmöglichkeiten (danke). Aber was mache ich mit dem alten Code? Wo fängt er an und wo hört er auf? Wie ersetze ich ihn durch den neuen Code, der deutlich kürzer ist – ein deutlich kürzeres HTML-Snippet. Der ursprüngliche Snippet, den ich hochgeladen habe, beginnt bei Zeile 4 und endet bei Zeile 111 !!!!
Ich möchte keine anderen Skripte dort beschädigen oder stören.
Gibt es hierfür technischen Support? Kann mir jemand helfen?
Kunst, von Menschen gemacht, gewinnt!!!!
Diesen September habe ich einen Tag für Künstler organisiert, an dem sie unsere kleine Innenstadt "übernehmen" und sich zu einer urbanen Pleinair-Veranstaltung treffen konnten, um die Innenstadtlandschaft zu skizzieren bzw. zu malen.
Ich suchte mir einen örtlichen Floristen aus und fertigte diese Illustration an. Der lokale Geschäftsinhaber machte ein Foto von mir, während ich an der Skizze arbeitete. Ich hatte keine Ahnung, dass daraus eine wunderbare Buchumschlags-Gelegenheit werden würde. Eine lokale Autorin begann nach einem tatsächlich lebenden Künstler zu suchen, nachdem sie zweimal betrogen worden war und Anzahlungen für Arbeiten geleistet hatte, deren Endprodukt AI-generierte Werke waren, nachdem die ursprüngliche Skizze vorlag. Sie fand die Facebook-Beiträge, die mich als echten, lebenden Künstler bestätigten. Ich habe nie darüber nachgedacht, wie schwer es für jemanden sein könnte, der Kunst in Auftrag geben möchte, gegen die Betrüger vorzugehen, die KI verwenden, um Kunst zu erzeugen.
Mir ist gerade aufgefallen, dass eines meiner Bilder auf meiner ArtHelper-Website als möglicherweise KI-generiert gekennzeichnet wurde. Das verstehe ich, weil die Textur, die ich dafür verwendet habe, ziemlich dramatisch ist. Allerdings wurden die beiden sehr ähnlichen Bilder, die ebenfalls auf der Seite zu finden sind, nicht als KI-generiert gekennzeichnet. Gibt es eine Möglichkeit, den verwendeten Prozess zu erklären, und klarzustellen, dass keine KI-Generierung beteiligt ist (außer vielleicht in der Bildbeschreibung, in der ich vermutlich Artys Vorschläge verwendet habe)?
Letzte Woche gestand Udio in Gerichtsunterlagen, dass sie Audio von YouTube mit einem Tool namens YT-DLP abgescrapt haben, um ihren KI-Musikgenerator zu trainieren. Sie haben es einfach gesagt. Laut. In einem Rechtsdokument. Und hier ist der Teil, der jeden arbeitenden Künstler beunruhigen sollte: Nur eines der großen Labels kämpft noch gegen sie.
Was Udio tatsächlich zugegeben hat
In ihrem Schreiben vom 29. April an das US-Bezirksgericht des Southern District of New York gaben Udio ausdrücklich zu, Audiodaten von YouTube als Trainingsdaten beschafft zu haben. Dies ist keine Spekulation oder Anschuldigung. Es ist ihre eigene, offizielle Eingeständnis, die im Protokoll festgehalten ist. Sie haben die Arbeiten von Musikern ohne Erlaubnis, ohne Entschädigung und ohne überhaupt zu fragen abgescrapt. Die Reaktion von Sony Music war eindeutig: Das ist vorsätzliche Urheberrechtsverletzung, und die Behauptung von Fair Use ändert daran nichts.
Das Problem der Vergleiche
So ist es passiert: Universal Music Group hat sich im vergangenen Oktober mit Udio geeinigt. Warner Music Group hat im November eine Einigung mit Suno geschlossen und soll Berichten zufolge auch eine mit Udio getroffen haben. Beide erhielten Entschädigungszahlungen und Lizenzpartnerschaften. Beide konnten glänzende neue KI-Musikplattformen starten. Und beide haben aufgehört, für einen Rechtspräzedenzfall zu kämpfen, der jeden arbeitenden Musiker schützen würde. Sony Music lehnte diese Vergleiche ab. Sie wollen eine Entscheidung zum Fair Use, nicht eine Zahlung. Diese Unterscheidung ist von enormer Bedeutung.
Warum visuelle Künstler aufmerksam sein sollten
Ich weiß, dies ist ein Fall aus der Musikbranche. Aber die rechtliche Logik ist identisch mit dem, was in der visuellen Kunst passiert. Stability AI steht im September 2026 vor Gericht zur Klärung derselben Grundfrage: Kann man Millionen urheberrechtlich geschützter Werke scrapen, ein KI-Modell darauf trainieren und das Ergebnis als transformativ genug bezeichnen, um unter Fair Use zu fallen? Wenn Sony verliert, hilft der Präzedenzfall jedem KI-Unternehmen, das darauf trainieren möchte, deine Gemälde, deine Fotografien und deine Illustrationen zu nutzen. Wenn Sony gewinnt, hilft es festzustellen, dass Schöpfer vor der Nutzung ihrer Werke als Trainingsdaten Einwilligung und Entschädigung verdienen. Die Entscheidung im Sommer 2026 könnte alles verändern.
Die unbequeme Realität
Der Großteil der Musikindustrie hat das Geld genommen. Sie bekamen ihre Lizenzverträge, ihre Plattformpartnerschaften und ihre Entschädigungszahlungen. Sie entschieden, das sei genug. Sony entschied, dass es nicht genug war. Sie kämpfen für einen Präzedenzfall, der Künstlerinnen und Künstler in allen Medien schützen würde, nicht nur ihren eigenen Katalog.
Ich glaube nicht, dass Sony das aus reinem Altruismus tut. Sie sind ein Unternehmen, das seine Vermögenswerte schützt. Aber manchmal stimmen Unternehmensinteressen und Künstlerinteressen überein. Dies ist einer dieser Zeiten.
Eine Firma steht noch im Gerichtssaal, während alle anderen mit ihren Vergleichszahlungen nach Hause gegangen sind. Ob du Musiker, Maler, Fotograf oder eine andere Art von arbeitendem Künstler bist, dieser Kampf betrifft dich ebenfalls.
Was denkst du? Macht Sony das Richtige, indem es einen Präzedenzfall über eine Einigung verfolgt?
Vervollständige den Satz.
Eine Zeile. Kein Zögern. Keine Umschweife. Nur das Wahrste, was du darüber sagen kannst, warum deine Arbeit existieren muss.
Du kennst deine Antwort schon.
Schreib sie in die Kommentare.
Im Oktober 2023, während seiner Palazzo Strozzi-Ausstellung in Florenz, wurde Anish Kapoor von Euronews gefragt, ob künstliche Intelligenz Kreativität in der Kunst fördert oder einschränkt. Kapoor ist der Bildhauer hinter Cloud Gate („The Bean“) in Chicago, der Mann, der Vantablack unter seine Kontrolle gebracht hat, ein Künstler, dessen Werke Millionen verkaufen. Jeder im Raum hätte eine vorsichtige, ausgewogene Antwort voraussagen können.
Er gab das Gegenteil.
«KI, so scheint es mir, kommt gefährlich nahe an ein weiteres kapitalistisches Werkzeug zur Auslöschung des Individuums.»
Er fuhr fort:
«Und man hört aus dem, was ich sage, dass ich nicht ganz damit einverstanden bin. Einige behaupten, dass es demokratischer mache. Ich sehe nicht, wie.»
Es gibt zwei Dinge, die man aus dem, was er gesagt hat, herausheben sollte, und ich möchte beide ehrlich auf den Tisch legen.
Zu „einem weiteren kapitalistischen Werkzeug“
Dieses erste Halb ist scharf. Ideologisch. Und nicht jeder, der dies liest, wird damit einverstanden sein. Ehrlich gesagt bin ich mir auch nicht sicher, ob ich zustimme. Es gibt ein echtes Argument, dass ein Bildhauer auf Milliardärsstufe, der KI ein kapitalistisches Werkzeug nennt, eine eigene Art von Widerspruch ist. Diese Debatte lohnt sich, und ich würde gerne deine ehrliche Sicht dazu in den Kommentaren unten lesen, egal wo du sitzt.
Das ist nicht der Teil des Zitats, auf den wir unsere Aufmerksamkeit richten.
Zu „der Auslöschung des Individuums“
Dies ist der Teil, der bei arbeitenden Künstlerinnen und Künstlern stärker ins Gewicht fällt. Das spezifische Sehen. Die spezifische Hand. Die spezifische gelebte Erfahrung, die ein Werk dieses Künstlers zu genau diesem Kunstwerk macht und nicht eine Wahrscheinlichkeitsverteilung, die über den gesamten Trainingssatz gemittelt wird.
Das ist der Verlust, den Kapoor benennt. Was immer du von der politischen Einordnung im ersten Teil hältst, das Problem der Auslöschung des Individuums ist real und messbar. KI-Trainingssets verschlingen zehntausende Arbeiten von Künstlern, um eine einzige Gesamt-Ausgabe zu erzeugen, und die Individualität des ursprünglichen Materials, das Ding, das jedes dieser Werke erst wertvoll gemacht hat, wird mathematisch zu nichts gemittelt.
Wo wir stehen
Ob KI grundsätzlich ein kapitalistisches Instrument ist oder grundsätzlich demokratisierend, das ist eine Debatte, die ich hier gern führen möchte. Ob der einzelne Künstler zählt, und ob sein spezifisches Sehen, seine spezifische Hand, seine lebenslange Praxis weiterhin in den Bildern der Welt erscheinen soll – darauf möchten wir nicht verzichten.
Sag mir, wo du landest
Ist „kapitalistisches Werkzeug“ der richtige Rahmen für KI in der Kunst, oder ist es zu scharf? Ist „Auslöschung des Individuums“ der wahre Verlust, oder romantisieren wir, was Künstler tatsächlich tun? Hinterlasse deine ehrliche Einschätzung in den Kommentaren unten.
Im November letzten Jahres traf der Schöpfer von Breaking Bad und Better Call Saul mit Variety zusammen und sagte etwas, das mir seitdem im Kopf bleibt. Vince Gilligan zögerte nicht. Er gab keine schwammigen Aussagen von sich. Er sagte es einfach laut: 'KI ist die weltweit teuerste und energieintensivste Plagiatsmaschine.'
Das vollständige Zitat (und warum es wichtig ist)
In jenem Variety-Interview, das mit der Premiere seiner Apple TV+ Serie Pluribus verbunden war, ging Gilligan noch einen Schritt weiter: 'Ich hasse KI. Ich glaube, es besteht eine sehr hohe Wahrscheinlichkeit, dass das alles nur eine Menge Unsinn ist.' Er beschrieb KI-Befürworter als 'eine Menge Centibillionäre, deren größtes Lebensziel es ist, der weltweit erste Billionär zu werden', die das verkaufen, was er als 'eine Tüte Dampf' bezeichnete.
Dann tat er etwas, das über Worte hinausging. Die Endcredits von Pluribus enthalten eine einfache Zeile: 'Diese Show wurde von Menschen gemacht.'
Was sich seit November verändert hat
Seit Gilligan diese Worte gesagt hat, sind sechs Monate vergangen. In dieser Zeit ist die Debatte nur lauter geworden. Künstler beobachten, wie ihre Feeds sich mit Bildern füllen, die aus ihrer eigenen Arbeit, ihrer eigenen Karriere, ihren Jahren gezielter Praxis gelernt haben. Jedes 'Stil', den eine KI imitiert, entspricht den kumulierten Entscheidungen einer anderen Person. Das Werk einer anderen Person. Die Zeit einer anderen Person.
Und wenn die Menschen, die diese Technologie verkaufen, laut Gilligan bereits Centibillionäre sind, die Trillionen jagen, lohnt es sich zu fragen: Wer genau profitiert in einer Welt, in der Kunstherstellung billiger, schneller und anonymer wird?
Warum diese Community existiert
Genau aus diesem Grund existiert die Human-Made Art Society. Nicht, um einen Streit neu aufzurollen, der prinzipiell bereits gewonnen wurde (die meisten Menschen wollen echte Künstler unterstützen), sondern um einen Ort zu schaffen, an dem Künstler sich nicht erklären müssen. Wo man nicht verteidigen muss, warum die Arbeit zählt, warum die Zeit zählt, warum die gelebte Erfahrung hinter jedem Werk unersetzlich ist.
Gilligan setzte in die Credits seiner Show einen Disclaimer, weil er wusste, dass sein Publikum darauf Wert legt. Er vertraute darauf, dass es den menschlichen Ursprung der Arbeit, die sie gerade sehen, schätzen würde. Jeden Künstler, der hier etwas postet, tut dies auf seine eigene Weise. Deklariert: Das stammt von mir. Meine Stunden. Meine Entscheidungen. Mein Leben.
Jetzt bist du dran
Mich interessiert: Welche Zeile von einem Regisseur, Künstler oder Schriftsteller hat deine eigene Haltung zu KI in der Kunst kristallisiert? Gab es ein bestimmtes Zitat oder einen Moment, der es für dich klarmachte? Schreib es in die Kommentare. Ich würde gerne hören, was bei dir angekommen ist.
Im November 2016 saß Hayao Miyazaki in einem Raum bei Studio Ghibli und sah etwas, das er noch nie zuvor gesehen hatte: eine KI-generierte Animation. Seine Reaktion war sofort und eindeutig. „Ich bin fest davon überzeugt, dass dies eine Beleidigung des Lebens selbst ist.“
Der Moment
Die Szene wurde während der Dreharbeiten zu einer NHK-Dokumentation namens Owaranai Hito - Miyazaki Hayao (Der Mann, der nie fertig ist: Hayao Miyazaki) aufgenommen, die am 13. November 2016 ausgestrahlt wurde. Nobuo Kawakami, damals Präsident von Dwango und Produzent in Ausbildung bei Ghibli, hatte eine Demonstration des experimentellen KI-Animationssystems seines Unternehmens mitgebracht. Die Demo zeigte eine menschliche Figur, die ihren Kopf benutzte, um über den Boden zu kriechen, sich mit beschleunigtem Tempo bewegend und Konzepte wie Schmerz ignorierend. Das Ergebnis war zombieartig, beunruhigend, unheimlich.
Miyazaki sah zu. Dann sprach er. Er sagte, es erinnere ihn an einen Freund, der körperlich behindert ist. „Wer auch immer dieses Zeug erschafft, hat keinerlei Ahnung davon, was Schmerz überhaupt ist. Ich bin zutiefst angewidert.“ Und dann die Zeile, die seither durch die Jahre hindurch widerhallt: „Ich bin fest davon überzeugt, dass dies eine Beleidigung des Lebens selbst ist.“
Hinzu kam noch Folgendes: „Ich möchte diese Technologie niemals in unserer Arbeit verwenden.“
Was hat sich seitdem geändert
Fast zehn Jahre später: Öffne jeden Social-Media-Feed und sag mir, dass er Unrecht hatte.
Die KI-Demo, die Miyazaki sah, war primitiver im Vergleich zu dem, was wir heute Tag für Tag im Jahr 2026 überfliegen. Midjourney. DALL-E. Stable Diffusion. Sora. Werkzeuge, die Bilder und Videos in Sekunden erzeugen können, trainiert auf der Arbeit von Millionen Künstlern, die niemals zugestimmt haben, Teil des Datensatzes zu sein. Was einst ein groteskes Experiment war, ist jetzt der Standardmodus für einen großen Teil des visuellen Inhalts, den wir konsumieren.
Und doch hat sich das, wozu Miyazaki Einwand erhob, nicht geändert. Es war nicht die Qualität der Ergebnisse. Es war der Mangel an Empathie im Kern. KI kann sich auf Bewegung optimieren. Sie kann Schmerz nicht verstehen. Sie kann einen Rahmen rendern. Sie kann nicht wissen, wie Leid aussieht, oder warum es wichtig ist, oder wie man es ehrlich zeigt.
Jeder Ghibli-Frame wurde von einer menschlichen Hand gezeichnet, die wusste, wie Leid aussieht. Das ist keine Nostalgie. Das ist der Maßstab.
Der Anker
Miyazaki wusste 2016 nicht, was kommen würde. Aber er wusste, was er sah. Und er benannte es so, wie es war.
Für diejenigen von uns in dieser Community sind seine Worte zu einer Art Anker geworden. Nicht eine Ablehnung aller Technologie. Nur Klarheit: Der Schöpfer zählt. Der Schmerz zählt. Die gelebte Erfahrung hinter dem Werk ist das, was es zur Kunst macht.
Welches Zitat eines Regisseurs, Künstlers oder Schriftstellers hat deine eigene Haltung zu von Menschen gemachter Kunst kristallisiert? Teile es unten mit. Ich würde gern eine Sammlung dieser Momente aufbauen, in denen jemand das gesagt hat, was den Moment zum Klicken brachte.
Nach fast einem Jahrzehnt Gespräche mit arbeitenden Künstlern und den Menschen, die sie sammeln, habe ich etwas bemerkt, das die meisten Künstler völlig übersehen. Die Transaktion, der tatsächliche Geldtausch für Kunst, hat nur sehr wenig mit dem Bild an der Wand zu tun. Das Gemälde ist die Tür. Wofür Sammler bezahlen, sind die Räume darin.
Sie kaufen eine Verbindung zu dir
Sammler fragen: „Wo warst du, als du das hier gemalt hast?“ Sie fragen nach dem Tag, dem Wetter, was in deinem Leben passierte. Sie fragen nicht nach Pigmentmarken oder dem Gewicht der Leinwand. Das Werk wird zu einem Stellvertreter dafür, dich kennenzulernen, einen Teil des kreativen Lebens einer anderen Person in ihren Händen zu halten. Deshalb verkaufen Künstler, die ihren Prozess, ihre Geschichte, ihre Kämpfe teilen, mehr Werke als Künstler, die schweigen. Du verkaufst nicht nur ein Objekt. Du lädst jemanden in eine Beziehung ein.
Sie kaufen sichtbare menschliche Arbeitszeit
Ein Sammler hat mir einmal erzählt, er habe das Gemälde genau deshalb gekauft, weil er sehen konnte, wo der Künstler seine Meinung geändert hatte. Eine abgekratzte Stelle, eine Farbverschiebung, eine Entscheidung rückgängig gemacht. Diese sichtbare Arbeit, die Stunden, die in die Oberfläche eingehen, gehört dazu, warum Originalwerke unersetzlich sind. Die Überarbeitung zählt. Das Zögern zählt. Jede Markierung, die zeigt, dass „eine Person stand hier und traf Entscheidungen“, zählt. Das ist etwas, das rein auf Effizienz getrimmte Optimierer niemals verstehen werden, wenn es um die Käuferseite der Kunst geht. Sammler kaufen nicht Effizienz. Sie kaufen Belege für Aufmerksamkeit.
Sie kaufen wahre Knappheit
Es gibt genau eines von jedem einzelnen Gemälde. Punkt. Keine limitierte Auflage von 500. Keine 'seltene' digitale Datei, die unendlich kopiert werden kann. Eins. Diese Knappheit ist weder künstlich noch hergestellt. Sie ist das natürliche Ergebnis eines Menschen, der etwas von Hand schafft – einmal, zu einer bestimmten Zeit und an einem bestimmten Ort. Sammler kennen das. Sie spüren es, wenn sie das Werk aufhängen. Sie dekorieren keine Wand. Sie erwerben ein Artefakt menschlicher Aufmerksamkeit, mit dem sie ihr Leben lang leben werden.
Wenn du ein arbeitender Künstler bist, hör auf, deine Arbeit als Produktion hübscher Bilder zu sehen. Beginne zu denken, dass du unveränderliche Aufzeichnungen deiner Aufmerksamkeit, deiner Zeit, deiner konkreten Entscheidungen erschaffst. Das Bild öffnet die Tür. Deine Geschichte, deine Stunden und deine Menschlichkeit sind das, was sie tatsächlich mitnehmen.
Ich würde gerne von dir hören: Was war der überraschendste Grund, den dir ein Sammler je gesagt hat, warum er dein Werk gekauft hat?
