Das NEUE #SmallWins von Art Storefronts!

Ich habe eine kleine Gruppenausstellung in Kürze und muss Titelkarten für jedes Stück erstellen. Ich möchte auf jeder Karte einen QR-Code integrieren, damit Besucher weitere Arbeiten sehen oder Preisinformationen auf ihrem Smartphone erhalten können.

Ich habe das noch nie gemacht. Meine bisherigen Ausstellungen waren locker genug, dass ein handschriftliches Etikett gut funktioniert hat, aber dieser Veranstaltungsort erwartet etwas professionelleres. Ich bin mir nicht sicher, welche Werkzeuge die Leute verwenden, um solche Karten zu gestalten, welche Größe an der Wand am besten funktioniert, oder ob es besser ist, sie zu Hause auf dickerem Karton auszudrucken oder sie irgendwo drucken zu lassen.

Wenn du Titelkarten mit QR-Codes für eine Galerieausstellung oder eine Kunstmesse gemacht hast, was hat bei dir funktioniert? Hast du Empfehlungen zu Layout, Papier oder Druckmethode?

Alle paar Monate durchsuche ich meine Portfolio-Website und frage mich, ob ich zu viel oder zu wenig zeige. Ich fotografiere mit Film, daher ist die Menge natürlicherweise geringer als bei jemandem, der den ganzen Tag digitale Aufnahmen macht, aber ich lande trotzdem mit mehr guten Aufnahmen, als wahrscheinlich auf einer einzelnen Seite nötig wäre.

Im Moment habe ich vielleicht 40 Bilder über ein paar Galerien verteilt. Einige der Seeufer- und Abenddämmerungsaufnahmen wirken für mich redundant, aber jede hat echte Geduld erfordert, daher schmerzt es, sie zu streichen. Ich habe auch darüber nachgedacht, Arbeiten saisonal zu rotieren, um das Gefühl von Aktualität zu bewahren, ohne dass die Seite leer wirkt.

Gibt es eine Bandbreite, die tatsächlich beim Verkauf funktioniert oder Aufmerksamkeit in Galerien erzielt? Rotiert jemand von euch Bilder nach einem festen Zeitplan, oder fügt ihr einfach hinzu und entfernt sie, während sich die Arbeiten weiterentwickeln? Mich interessiert, was bei anderen gut angekommen ist.

Ich habe endlich damit begonnen, kurze Reels meiner Reise-Skizzen zu posten, kleine Clips davon, wie eine Aquarellzeichnung sich an einem Café-Tisch zusammensetzt, oder eine schnelle Kamerafahrt über ein fertiges Werk. Ich habe hin- und her überlegt, ob ich zu jedem einzelnen einen Untertitel hinzufügen soll.

Ein Teil von mir denkt, das Visuelle sollte für sich sprechen, aber ich weiß auch, dass viele Leute mit ausgeschaltetem Ton scrollen. Für diejenigen von euch, die konsequent Texteinblendungen zu euren Reels hinzufügen, habt ihr einen echten Unterschied bei Reichweite oder Engagement bemerkt im Vergleich dazu, wenn ihr sie weggelassen habt? Und haltet ihr sie eher minimal, wie nur eine Zeile oder zwei, oder erzählt ihr den ganzen Prozess im Voiceover?

Ich finde noch heraus, was für diese Art von Inhalt funktioniert, daher würde mich interessieren, was ihr auf eurer Seite gesehen habt.

Bist du im persönlichen Verkauf erfolgreich, hast aber Schwierigkeiten, auf deiner Website Fuß zu fassen? Nicht sicher, warum Leute schauen, aber nicht kaufen? Willst du, dass dir jemand die Wahrheit direkt sagt?

Dieses Wochenende nimm dir 15 Minuten Zeit und schau dir diesen praktischen, schnickschnackfreien Kurs zum Online-Verkauf deiner Kunst an.

Du kannst ihn alles auf einmal ansehen oder ihn in 5-Minuten-Einheiten durcharbeiten—je nachdem, was in deinen Zeitplan passt.

Im Inneren werden wir Folgendes behandeln:

✅ Wie Künstler online tatsächlich gesehen werden
✅ Häufige Fehler, die Verkäufe beeinträchtigen
✅ Was Sammler benötigen, bevor sie bereit sind zu kaufen
✅ Praktische Maßnahmen, die du sofort ergreifen kannst, um deine Ergebnisse zu verbessern

Keine Spielchen. Keine Zaubertricks. Nur klare, direkte Ratschläge.

Wenn du dich fragst, warum Online-Verkäufe nicht stattfinden (oder wie du mehr davon bekommst), ist dies ein guter Ausgangspunkt.

👉 Schau dir den Kurs hier an: E-Commerce 101 für Künstler

Ich habe gerade versucht, arthelper Sparks zu verwenden, und sie sind alle aus meinem Konto verschwunden. Arty sagt, dass ein Upgrade läuft. Stimmt das?

Ich befinde mich mitten in einer unterhaltsamen Kollaboration auf YouTube mit einer wunderbaren neoklassischen Pianistin/Komponistin namens Julie Chapman. Ich habe jetzt drei Videos mit ihr gemacht – ihre Kompositionen, verbunden mit meinen Bildern. Die ersten beiden Reels haben jeweils 1,3 Millionen Aufrufe erzielt. Der brandneue Clip ist gerade veröffentlicht worden und steigt stetig an. Ich würde mich freuen, wenn jemand Ideen hat, wie man diese Zusammenarbeit über das YouTube-Universum hinaus bewerben und vermarkten kann.  https://www.youtube.com/watch?v=-K-Mbzptt90

Eines der am häufigsten gegebenen Ratschläge in den Office Hours (wenn nicht gar der häufigste) ist, sich selbst und deine Geschichte in den sozialen Medien zu zeigen. Nimm dich selbst auf, lade ein Selfie hoch, sag deinem Publikum, woher du kommst, usw., usw., usw...

Aber, wie das Sprichwort sagt, ist nicht alles Spaß und Sonnenschein.

Tatsache ist, dass es ein wichtiger Meilenstein ist, sich in den sozialen Medien zu zeigen. Es repräsentiert den Moment, in dem deine Seite aufhört, generisch auszusehen, und damit beginnt, Beziehungen aufzubauen; es ist der Moment, in dem du dich dafür verantwortlich erklärst, der Art-Geschäftsinhaber zu sein, der du bist, also, in meiner ehrlichen und nicht ganz zuckersüßen Meinung, kommt es darauf an, wie du es rüberbringst.

Wenn du denkst, es ist an der Zeit, diesen Posts mehr Absicht zu geben, sieh dir dieses Beispiel aus der Summer School des letzten Jahres an

Oh, und btw, Der Summer Bootcamp 2026 beginnt nächsten Dienstag während der Office Hours-Sitzung um 12:00 Uhr. Sei dabei, wenn du die Art von Inhalten erreichen möchtest, die im obigen Link gezeigt werden.

Folge hier unserem Tutorial: https://vault.artstorefronts.com/hc/en-us/articles/22902406374547-How-to-Create-a-Sequence-With-One-of-Your-Older-Reels

Dies ist der erste kleine Erfolg auf dem Weg zur Zusammenarbeit mit einer Organisation, die wirklich hervorragende Arbeit leistet.

Ich hoffe, euch noch weitere kleine Erfolge bringen zu können...

Liebe Künstlerinnen und Künstler,

ASF und ArtHelper zeigen uns, wie man Audician für unsere Kunstwerke erstellt...

Ich möchte gerne ein paar Gedanken dazu teilen, wie man das macht, und dabei aus dem Rahmen denken.

Wenn man dem Weg folgt, Gruppen auf Facebook zu suchen, führt das System dich zu verschiedenen Gruppen, in denen du nach Gruppen mit mindestens 1.000 Mitgliedern suchen musst...

Das System wählt die Arten von Gruppen basierend auf allgemeinen Kriterien aus, die du eingibst, um eine möglichst breite Reichweite zu erzielen. Hier sind einige Beispiele von Gruppen, die von meinem System für eines meiner Kunstwerke ausgewählt wurden: Home Decor Ideas 358 K, Home Decoration 286 K, The Beautiful Nature 43 K...

Wie man sehen kann, sind das sehr große Gruppen mit Tausenden von Mitgliedern. Eine Veröffentlichung, die darauf abzielt, eine potenzielle Zielgruppe zu erreichen, geht in Tausenden von anderen Beiträgen oder News-Items unter und wird daher selten bemerkt oder einfach als weitere Werbung wahrgenommen.

Deshalb denke ich, sollten wir versuchen, aus dem Rahmen zu denken.

Ich erläutere es anhand eines weiteren Beispiels. Wenn Sie ein Kunstwerk haben, das ein schönes Gebäude zeigt, wäre es interessanter, es nicht in eine allgemeine Gruppe wie „Home Decor“ zu posten, sondern in Gruppen wie „Architekten“, „Bauunternehmen“ und „Ingenieurfirmen“. Ein Kunstwerk wird in einer solchen Gruppe mehr Aufmerksamkeit auf sich ziehen, unter all den anderen technischeren Beiträgen, allein wegen seines Designs und Inhalts...

Ein Architekt z. B. könnte sich das Kunstwerk ansehen, es schätzen und vielleicht denken, dass es sein Büro als Referenz zu seinem Beruf schmücken und es schließlich kaufen könnte...

Für mich ist es eine andere Art, den Markt anzusprechen.

Was meint ihr dazu? Haben einige der angeschlossenen Künstler Erfahrungen damit? Oder kann jemand eine weitere Methode teilen, um eine größere Reichweite zu erzielen? Es wäre interessant, Erfahrungen zu diesem Thema auszutauschen. Schönen Tag noch!

Ausgewählte Künstler Gemälde von André pace... Einladungskatalog 2026

https://www.ebth.com/items/14519148-andre-pace-abstract-acrylic-painting-2025

Großartige Neuigkeiten !!!!

ICH BIN VIERTER PLATZ IM NATIONALEN WETTBEWERB DES VOM JOHNNY DEPP GESponserten KUNSTWETTBEWERBS.

DER VOLKSKÜNSTLER

ES IST BEFRIEDIGEND, IN DER ABSTIMMUNG SO HOCH ZU STEHEN.

LEIDER MUSS ICH IN DIESER GRUPPE DEN ERSTEN PLATZ BELEGEN, UM WEITERZUKOMMEN – BIS 19:00 UHR PACIFIC ZEIT / 22:00 UHR OSTZEIT!

DER ERSTE PLATZ GEWINNT $25,000 & ICH WERDE IM ART FORUM MAGAZINE VORGESTELLT WERDEN!

BITTE NEHMEN SIE SICH EINEN MOMENT ZEIT UND KLICKEN SIE DEN OBENEN LINK, UM FÜR MICH ABZUSTIMMEN!

ALS MITKÜNSTLER WÜRDEN WIR DAS FÜR ALLE TUN,

AUF RICHTIGEM DANKE ICH IHNEN!

. NIKOS

Ich baue endlich eine ordentliche Online-Galerie für meine Originalabzüge und Einzelstücke auf, und ich schwanke ständig bei einer Entscheidung.

Zeigst du den Preis direkt auf der Seite mit einem Kauf-Button, oder lässt du ihn weg und bittest die Leute, sich zu melden? Ich verstehe das Argument beider Seiten. Eine sichtbare Preisgestaltung wirkt ehrlich und unkompliziert; niemand muss eine peinliche E-Mail senden, nur um herauszufinden, ob etwas in ihr Budget passt. Aber das Verstecken des Preises eröffnet eine Unterhaltung, und besonders bei Originalwerken könnte dieser persönliche Austausch der ausschlaggebende Faktor sein, der jemanden zum Kauf bewegt. Ich verkaufe warme, stimmungsvolle Fotodrucke von Vintage-Objekten, daher richtet sich das Publikum eher an Menschen, die eine Verbindung zum Werk spüren möchten. Ich bin mir nicht sicher, ob das die Waage in eine Richtung kippt.

Für alle von euch, die Originale oder limitierte Auflagen über eure eigene Seite verkaufen, welcher Ansatz funktioniert für euch tatsächlich besser? Ich würde gerne hören, was ihr ausprobiert habt und was hängen geblieben ist.

Ich war gerade durch das Videoarchiv und habe diesen verlorenen Kurs gefunden, den ich vor einigen Jahren aufgenommen habe!

Lektion ansehen »

Es richtet sich an Künstler, die noch ihre ersten Online-Verkäufe erzielen möchten.

Ich erläutere die Grundlagen, die vorhanden sein müssen, damit du dir keine unnötigen Hürden auf dem Weg zum Erfolg aufbaust.

Behandelte Probleme:

• Geringe Reichweite des Publikums

• Schlechter Nischenfokus

• Keine Verkaufsstrategie

• Niedrige Marketingfrequenz

• Unzugängliche Preisgestaltung

• Mangel an Produktvielfalt

Viel Spaß!!

Ich habe eine kleine Gruppenausstellung, die bald ansteht, und die Galerie fragte, ob ich eine eigene Versicherung für die ausgestellten Werke habe. Ehrlich gesagt hatte ich darüber noch nie nachgedacht. Die meisten meiner Arbeiten sind gerahmte Fotodrucke, keine großen Leinwände, aber die Kosten für Druck, Passepartout und Rahmung summieren sich schneller, als ich erwartet hatte, als ich mich hingesetzt und alles aufgelistet habe.

Ich arbeite mit einem bescheidenen Budget, daher ist eine Police, die so viel kostet wie die Werke selbst, unrealistisch. Ich bin mir nicht einmal sicher, welche Art von Deckung hier gilt, ob es sich um Inland-Marine-Versicherung, einen Zusatz zu einer Hausratversicherung oder um etwas Spezifisches für Kunstausstellungen handelt.

Hat jemand einen Versicherer gefunden, der Galerienausstellungen ohne eine hohe Prämie abdeckt? Ich würde gerne hören, was für dich funktioniert hat, insbesondere wenn du ebenfalls Fotograf/in oder Künstler/in mit kleiner Auflage bist und die Kosten niedrig hältst.

Letzte Woche stieß ich auf ein Kalibrierungsproblem beim Drucken und musste meinem Labor genau zeigen, was auf meinem Bildschirm passiert. Ich habe noch nie wirklich eine Bildschirmaufnahme gemacht. Ich habe zwanzig Minuten damit verbracht, die integrierten Werkzeuge meines Computers herauszufinden, und das Ergebnis sah aus, als wäre es durch eine Nebelbank aufgenommen worden, was ich im Querformat schätze, aber nicht in einem Troubleshooting-Video.

Für diejenigen unter euch, die euren Bildschirm aufnehmen mussten, um ein technisches Problem zu dokumentieren, vielleicht eine Farbdiskrepanz im Farbprofil oder einen Softwarefehler, was verwendet ihr tatsächlich? Kostenlose Tools, kostenpflichtige Tools – egal. Ich brauche einfach etwas, das klar genug aufzeichnet, damit die Person am anderen Ende sehen kann, was schief läuft, ohne dass ich wie ein Detektiv kommentieren muss.

Alle Empfehlungen sind willkommen.

Ich weiß noch nicht, ob das ein Erfolg wird, aber ich habe Spaß daran, mit Textur zu experimentieren. Ich stelle meine eigene Texturpaste aus Gips, Elmer's weißem Schulkleber und Acrylfarbe her. Ich füge auch Harzfarbstoffe zu einigen der Gemälde hinzu. Und ich besprühe das fertige Stück normalerweise mit Polyurethan-Spray, um die Farben zu fixieren.

Teil meiner Arbeit besteht darin, Künstlerwebsites auf Galerienstandard zu bewerten, und eine gute Über-mich-Seite zu schreiben ist oft eine Herausforderung für Künstler. So viele Künstler schreiben über ihr Leben, ohne es mit ihrer Praxis zu verknüpfen, oder sie überspringen die Über-mich-Seite ganz.

Galleristen und ernsthafte Sammler lesen wöchentlich Dutzende Künstleraussagen und Biografien, daher muss der Text punktgenau sein.

Die stärksten Über-mich-Seiten erklären typischerweise zuerst die Arbeit und den Künstler danach.

Hier ist eine einfache Art, darüber nachzudenken. Ihre Über-mich-Seite hat zwei Aufgaben.

Aufgabe eins ist die Künstleraussage. Diese befindet sich oben und ist kurz, idealerweise zwei Absätze oder weniger. Sie beantwortet die Fragen, die ein Sammler bereits stellt, wenn er auf Ihre Seite landet: Was macht dieser Künstler (Medium und Motiv/Thema), wie macht er es (Prozess und Technik), und worum geht es (Themen und Bedeutung)? Sagen Sie diese drei Dinge klar, und Sie haben den schweren Teil bereits geschafft.

Aufgabe zwei ist der längere Bio-Text. Das ist deine vollständige Geschichte: Wo du trainiert hast, wo du ausgestellt hast und was dich als Künstler geprägt hat. Er befindet sich unter der Aussage auf derselben Seite. Er richtet sich an den Sammler, der noch mehr über dich erfahren möchte.

Die Aussage belohnt das Lesen. Die Biografie verdient das Vertrauen.

Fühlt sich Ihre Über-mich-Seite gerade so an, als würde sie beide Aufgaben erfüllen?

'Human - Made'. Bezahlung, um als 'Mensch' zertifiziert zu werden. Als Spirit Bear und manchmal Kodiak-Grizzly-Bär... denke ich nach:

Es ist ein zweischneidiges Schwert -- erstaunlich, und ich liebe es, die Entwicklung der KI zu beobachten; und ich kann auch voraussehen, wie dies unsere Welt verändern wird. Ich habe das alte Zeitalter der Schreibmaschinen miterlebt, von der Selectric, und Stenografie, bis zu den 'Karten' der ersten großen Rahmengrößencomputer, zu den ersten 504 Macs, und weiter zu Computer-Tastaturen, die jetzt sprachgesteuertes Schreiben ermöglichen, und weiter. Ich ging von der Filmpfotografie dazu über, Produzent für die frühe Bildungssoftware zu werden, auf die du wahrscheinlich aufgewachsen bist: Oregon Trail, Mavis Beacon, Mario, Arthur, Where in the World is Carmen Sandiego, und mehr... usw. Welch eine Reise als Kodak-Filmfotograf bei National Geographic und Expeditionen in die Arktis, die Hebriden, Patagonien, Himalaya, Australian Outback - Uluru, usw. [Technik für Geld und Film für meine kreativen Bestrebungen]. Immer ein Fuß in der Technik und einer in der visuellen Kunst -- Ich legte die Kamera nieder, als die ersten Digitals so schlecht waren, dass ich die Ergebnisse nicht ansehen konnte -- \"nicht gut genug für mein Auge\". Auf einem Filmfestival traf ich den Besitzer von Broderbund Software im Publikum -- und trat in die Tech-Ökonomie ein... als 'Producer'. -- komisch, wie das Leben uns in neue Richtungen führt, manchmal mit Zögern und Schreien, nur um eine weitere \"Schleier in der Wildnis\" zu entdecken.

Jetzt – ich male... Meine Bilder stammen aus den Erinnerungen meines Geistes, mit etwas Hilfe von alten Diapositiven, die ich auf meinen Abenteuern aufgenommen habe, aber hauptsächlich ist es mein Auge für Farbe, meine Pinselstäbe, und mein geübtes Wissen aus dem Herzen für Gleichgewicht und Proportion und so vieles mehr. ....

Oh, der \"Win\". Derzeit arbeite ich an Veils of Wilderness, Edges of Belong -- einem Panoramaprojekt aus 12 Fuß mal 3 Fuß Gemälden -- für mein örtliches Sierra Valley Preserve und Nature Center.... Ich habe das Gefühl, meine Kunst hat mich wieder in einen Kreis geführt... Also denke ich, dass ich eine/n zertifizierte/n \"menschengemacht\' Künstler/in werden kann.

Bleibt dran für das Panorama aus vier Gemälden .... Ich poste es, wenn es fertig ist. Freude an der \"menschengemachten\" Kunst...mit Liebe, Sarah. [InnerLightFineArt.gallery auf ASF]

• Peoplesartist.org/nicholas-vouvounas