Publique sua opinião controversa sobre a indústria da arte ou um tópico de debate e vamos discutir como comunidade!
Sobre o assunto do processo, na minha opinião, qualquer que seja a maneira pela qual você leva sua arte para a lona, vale tudo. Tenho uma maneira particular de recriar minha pintura de ação que não envolve pingar tinta, mas revelar o que está por baixo do caos. Tenho relutado em explicar meu processo, pois alguém com talento de verdade faria isso melhor. Mas se alguém estiver interessado, ficarei feliz em explicar meu processo.
Se você estiver recorrendo a um preset antes de sentar com a imagem por alguns minutos, você está decorando a memória de outra pessoa.
Eu filmo em filme, então metade da "graduação" já vem embutida no filme que escolhi naquela manhã. Mas mesmo na digitalização, há um momento em que você decide: deixo este crepúsculo ficar âmbar, ou eu o esfrio porque é assim que a cena realmente parecia ao ficar ali? Por muito tempo duvidei de cada escolha, convencido de que existia uma paleta "correta" escondida em algum lugar. Acontece que a paleta correta é aquela que faz a imagem parecer como o ar parecia.
Presets podem ser úteis como pontos de partida, claro. Mas notei que o trabalho ao qual eu volto, meu ou de qualquer outra pessoa, quase sempre tem escolhas de cor que parecem pessoais e um pouco teimosas. Não é tendência. Não é seguro. Apenas comprometido.
Dito isso, eu conheço muitos fotógrafos que juram por um fluxo de trabalho com presets consistente e cujo portfólio é coeso de maneiras que o meu provavelmente não é. Então talvez eu esteja apenas racionalizando minha própria teimosia. Curioso quem aqui realmente confia no que sente na hora de escolher a cor versus seguir um sistema, e se os resultados valeram a inconsistência.
Os fãs de cerdas naturais juram pela maneira como as cerdas de porco ou de marta seguram a tinta e a liberam — há uma maciez e fluidez que você simplesmente não pode fingir. Mas o campo sintético rebate: o nylon e o poliéster modernos evoluíram tanto, são mais fáceis de limpar, duram para sempre, custam menos, e ninguém precisou ferir um animal. Tenho usado os dois há anos e, sinceramente, vou alternando dependendo do que estou pintando naquele dia.
(As insígnias de comentários mostrarão seu voto… escolha sabiamente 😈)
Paredes de concreto em luz plana. Uma fachada de loja fechada às 14h. A parte de trás de um abrigo de ônibus onde ninguém está esperando.
Eu acho que as fotos que outros fotógrafos passam como "muito entediantes" são exatamente aquelas que se conectam com as pessoas que realmente compram obras. Nem toda imagem precisa de um pôr do sol ou de um momento decisivo com um estranho em pleno movimento. Cenas quietas, vazias e sem destaque fazem algo diferente. Elas permitem que o espectador se projete na imagem. Essa projeção é o que faz com que alguém queira ter a impressão em casa.
Passei tardes inteiras em uma única rua em Adelaide, esperando que nada em particular acontecesse, e aqueles quadros recebem mais retorno do que qualquer coisa que eu tenha fotografado na hora dourada. O mesmo acontece com uma janela chuvosa em Kyoto, onde a rua lá embaixo permanecia completamente imóvel. Sem ação, sem drama, apenas tempo e vidro.
Os fotógrafos adoram dizer uns aos outros que um assunto precisa ser interessante. Eu acho que o oposto é verdadeiro. Quanto menos "interessante" for o assunto, mais difícil fica o trabalho de atmosfera, e a atmosfera é o que as pessoas lembram.
Curioso para saber quem mais encontrou seu melhor trabalho naquilo que todo mundo passou sem notar.
Arte Além das Fronteiras – 25 Metros de Expressão ❤
Meus rolos de arte pintados à mão desdobraram-se dentro da histórica Igreja de St. Nikolai, em Berlin-Spandau, Alemanha.
Um encontro especial entre a arte outsider, a arquitetura, as emoções humanas e as experiências compartilhadas.
A arte nos conecta além das palavras, culturas e fronteiras.
Com amor de Berlim,
Haci Sami Yaman – Artista Outsider
#OutsiderArt #ContemporaryArt #BerlinArt #ArtWithoutBoundaries
Alguns artistas juram que começar em CMYK evita surpresas na impressão — o que você vê é o que você terá. Outros argumentam que o RGB oferece toda a faixa de cores com a qual trabalhar, melhores modos de mesclagem, arquivos menores, e você pode sempre converter e ajustar depois. Já tentei as duas abordagens e, para ser honesto, fico alternando dependendo do projeto.
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Eu giro as obras em uma cafeteria aqui em Seattle, trocando as peças a cada mês ou mais ou menos. Um amigo me disse que eu deveria deixar pontos vermelhos em alguns lugares mesmo depois que as pinturas saíssem, deixar as novas ao lado de evidências de que as coisas vendem. A ideia é que a demanda percebida cria demanda real.
Parte de mim entende isso. Já vi alguém passar por uma parede de pinturas sem nem olhar e, quando vê uma marcada como vendida, parar de repente, ficando repentinamente interessado na peça ao lado. Algo na escassez desencadeia um gatilho.
Mas outra parte de mim, a parte que perdeu um painel pela metade para uma rajada de vento vindo do Puget Sound na semana passada, sente que a obra deveria simplesmente se sustentar por si mesma. Se um céu cinzento cheio de cores escondidas não atrai alguém, uma pequena etiqueta vermelha ao lado não deveria ter que fazer o trabalho.
Continuo indo e voltando nisso. Criar uma sensação de demanda é apenas uma apresentação inteligente, ou cruza para algo desonesto? Estou curioso para saber onde as outras pessoas ficam.
Uma vez trouxe um painel de plein air para uma mostra coletiva direto do cavalete. Bordas brutas, uma mancha de cádmio na lateral, talvez uma impressão digital. Vendi-o antes que a abertura terminasse. O comprador disse que a borda áspera o fazia parecer vivo.
Então tentei novamente em uma galeria de verdade. Público diferente. A pintura ficou lá a noite toda parecendo dever de casa pregado na geladeira. Mesma qualidade de trabalho, mesmo céu cinzento com cinco ou seis cores enterradas nele. Ninguém parou.
Eu acho que a moldura importa mais do que a maioria de nós quer admitir, especialmente para pequenas paisagens alla prima que já lutam pela presença na parede.
Uma moldura diz a alguém que isto está finalizado; isto vale a pena ser visto.
Sem uma, apenas os pintores veem a pintura. Todo o resto vê uma tábua de madeira.
Dito isso, eu mantenho meus painéis de estúdio sem moldura e, honestamente, eles parecem melhores para mim desse jeito. Então talvez não se trate da arte em si, mas de quem está na sala.
Alguém mais percebe uma diferença real em como o trabalho fica, quando emoldurado versus cru? Estou curioso se outros meios ou estilos conseguem fazer isso com mais facilidade do que óleo sobre painel.
LUZ & SOMBRA – CONCURSO DE ARTE DA ARTHELPER
Cognição Orgânica – Luz, Sombra & Percepção
Com este vídeo artístico, estou participando do concurso de arte “Luz e Sombra” da ArtHelper.
Meu trabalho explora a interação da luz, sombra, cor, movimento e as diferentes dimensões da percepção.
A luz revela o que é visível, enquanto a sombra pode enfatizar ou ocultar outras dimensões do que vemos. Juntas, elas criam contrastes, transições, conexões e transformações.
Estou particularmente interessado em como diferentes condições de iluminação transformam a aparência de uma obra de arte e como suas estruturas, formas e cores podem ser percebidas e interpretadas de várias maneiras.
Essas explorações artísticas são parte do meu longo envolvimento com cognição orgânica, campos de informação, o microcosmo e o macrocosmo, e as relações entre a humanidade, a natureza e a ordem cósmica.
Minhas obras representam reflexões artísticas e filosóficas independentes. Elas não fazem reivindicações médicas, psicológicas ou terapêuticas, nem se apresentam como descobertas científicas universalmente estabelecidas.
Para mim, a arte significa tornar perguntas visíveis, permitindo que diferentes perspectivas coexistam, e abordar o desconhecido com abertura e respeito.
Meu sincero agradecimento à ArtHelper e a todos que acompanham minha jornada artística com interesse, atenção e apreço.
Obra de arte: obras originais criadas por Haci Sami Yaman.
Música: composição original de Haci Sami Yaman, criada em 2000.
Haci Sami Yaman (H.S.Y)
Artista outsider · Berlim, Alemanha
Estúdio Aberto dos Hospitais Alexianer St. Hedwig, Berlim
R.T.A.IN.MANA
Assista ao vídeo público completo no ArtHelper:
https://www.arthelper.com/de/community/general/post/post-20261107-2da79637
Visite minha página pública no Facebook “Haci Sami Yaman – Outsider Art” para mais obras de arte e vídeos:
Alguns de nós atiram sem hesitar — bracketing, rajadas, variações — sabendo que o verdadeiro trabalho acontece na seleção, e preferimos ter opções a perder o disparo. Outros fotografam apenas quando veem o assunto, argumentando que a disciplina de escolher antes do obturador te torna um fotógrafo melhor e economiza horas no Lightroom. Eu mesmo fico oscilando: com a vida selvagem eu tiro em massa e rezo, mas numa manhã cuidadosa de paisagem vou tirar apenas cinco fotos no total. Qual é o seu modo natural?
(As insígnias de comentário irão mostrar seu voto… escolha sabiamente 😈)
A arte pode existir além do que os olhos conseguem ver? Como você experimenta percepção, harmonia e emoção em sua própria prática?
🌌✨ UNIVIP LOG | 360° – A SINFONIA DA PERCEPÇÃO
Caros artistas e mentes criativas,
Com este vídeo, gostaria de convidá-los ao meu mundo de pensamentos e às dimensões sem limites da minha percepção artística.
Para mim, a arte não começa com uma pincelada. Ela emerge de nossos pensamentos, emoções, memórias e experiências. Cores, luz, movimentos e vibrações se unem para criar uma sinfonia pessoal de existência.
Eu penso em 360°. Por que não?
Minha arte é uma jornada em busca de harmonia, da beleza da vida e das conexões invisíveis entre nossos mundos interior e exterior.
Cada artista carrega um universo único dentro de si. Ao compartilharmos nossas diferentes percepções, podem surgir novas conexões e experiências criativas.
❤ Sinta a arte. Experimente a arte. Seja a arte.
Observação: Infelizmente, não me é permitido fazer upload de vídeos com música diretamente para o ArtHelper. Assista ao vídeo completo com música diretamente no Facebook:
https://www.facebook.com/reel/1547051900515033
Com amor, harmonia e calorosas saudações de Berlim.
Haci Sami Yaman
Artista Outsider – Berlim
Artista do Open Atelier do Alexianer Sankt Hedwig Kliniken, Berlim
Eu vendo em várias feiras de artesanato por ano, principalmente minhas peças de esmalte e prata. Na última que participei, o estande à minha frente estava vendendo gravuras em painéis de metal, cores vibrantes, claramente não feitas por ninguém que estivesse atrás daquela mesa. Algumas das imagens pareciam trabalhos que já tinha visto online de artistas que sigo. Outras tinham aquele visual sem atrito, demasiado limpo, que me faz pensar que nenhuma mão humana esteve envolvida de fato.
Não estou aqui para ser a polícia do estande. Mal tenho tempo para evitar que meu próprio forno trinca metade do meu estoque. Mas isso ficou comigo. Passei horas queimando e retrabalhando uma única peça, e alguém aqui por perto está vendendo um produto que levou segundos para ser gerado ou minutos para ser copiado.
Os locais que nos alugam espaço parecem não verificar, e, honestamente, não sei nem como seria essa verificação. É responsabilidade dos organizadores verificar o inventário? Dos compradores se importarem? Dos artistas denunciarem isso e correrem o risco de serem vistos como fornecedores difíceis?
Estou realmente incerta sobre onde fica a responsabilidade. Se você já lidou com isso em mercados ou feiras, como você encara isso? Onde fica a linha real?
Rae Klein não tinha os sinais característicos do mundo das galerias: ela nunca frequentou a escola de pós-graduação, nem se mudou para Nova York (ou para qualquer outra grande cidade, aliás). Ela tinha uma coisa que o mundo da arte procura hoje em dia: mais de 99 mil seguidores no Instagram.
Um dia, Klein estava pintando em Holland, Michigan, quando um amigo marcou a galerista aclamada Jessica Silverman em uma postagem sobre uma das exposições de Klein. Silverman olhou o Instagram e o site de Klein, então lhe enviou uma DM. Essa conexão acabou levando a uma exposição individual em San Francisco. Hoje, Klein é representada pela galeria líder Nicodim, em Los Angeles.
Alguém inesperado te encontrou através do seu Instagram? Se sim, quem foi? Um colecionador, galerista, colaborador, ou alguém mais…
Pintando em um estado transativo – Uma jornada através de campos de informação
Quando pinto, entro em um estado transativo no qual percorro campos de informação.
Exploro conexões, percepções e diferentes camadas de informação sem seguir um plano predeterminado.
O que encontro durante essas jornadas interiores flui para as minhas pinturas e desenhos.
Minha arte torna-se a expressão visível dessas experiências.
Haci Sami Yaman – Artista Marginal, Berlim
Assista ao vídeo aqui:
https://www.arthelper.com/de/community/general/post/post-20261102-ff7bc187
DREAM TRAUMA DELUXE – Haci Sami Yaman
Caros amigos da arte e colegas artistas,
Convido você calorosamente a descobrir o meu livro de arte, “DREAM TRAUMA DELUXE.”
Neste livro, reuni minhas obras originais e reflexões pessoais sobre trauma, memória, percepção e as relações complexas entre experiências internas e campos de informação.
Minhas pinturas emergem através de um processo criativo intensivo e em várias camadas. Elas expressam minha percepção pessoal e muitos anos de exploração artística.
O livro contém 39 obras e convida você a olhar a arte a partir de diferentes perspectivas, desenvolver seus próprios pensamentos e engajar-se em conversa.
Agradeço seu interesse, pensamentos e uma troca artística aberta.
Você pode ver meu livro gratuitamente aqui:
https://artbooks.arthelper.com/b/xN59sTym3B3f2iAvQpRhP
Cordiais saudações de Berlim,
Haci Sami Yaman
Escolher hardware porque parece bom na tela em vez de porque ajuda você a pintar melhor é uma armadilha. Eu já trabalhei em um laptop que mal conseguia manter um canvas aberto sem o ventilador berrando, e a arte ainda precisava se sustentar por si mesma. Ninguém que olha para uma ficha de personagem finalizada se importa se o tablet no timelapse tinha bordas limpas.
Eu entendo o argumento de que a apresentação importa se você está construindo uma audiência em torno de vídeos de processo. Mas eu acho que, no momento em que as escolhas de ferramentas começam a pender para o que fica bem em câmera, você silenciosamente saiu de "artista compartilhando o trabalho" para "criador de conteúdo que também desenha." Essas não são as mesmas coisas, e uma delas acabará comprometendo suas silhuetas.
Talvez eu esteja errado. Talvez investir em equipamentos que ficam bons na câmera valha a pena de maneiras que retornem a uma arte melhor. Eu ainda não vi isso na minha própria área.
Alguém aqui já mudou a configuração para como fica na câmera? Isso ajudou ou distraiu você?
Opinião polêmica: trabalhar com menos lápis de cor faz você ficar melhor em cores mais rápido do que ter todas as tonalidades disponíveis.
Comecei com um conjunto de doze. Doze! E eu realmente acho que aqueles meses de sobreposição usando apenas três ou quatro lápis para obter a cor que eu queria me ensinaram mais sobre como as tonalidades interagem do que qualquer tutorial. Quando você tem apenas um amarelo quente, um vermelho frio e um azul que tende ao verde, você tem que realmente olhar para o que está à sua frente e descobrir como construí-lo. Você percebe a temperatura. Você percebe como a ordem de camadas muda tudo.
Agora eu tenho um conjunto maior e, honestamente, eu recorro ao mesmo pequeno punhado na maior parte do tempo. O restante fica ali parecendo bonito na lata. Mais escolha só significa mais hesitação, pelo menos para mim.
Eu sei que algumas pessoas acham que uma paleta limitada parece uma gaiola. Mas eu acho que a limitação é onde o aprendizado acontece. Mude minha opinião, especialmente se você trabalha em um meio onde misturar é mais tolerante do que as camadas de lápis de cor.
Caros artistas e amantes da arte,
Tenho o prazer de apresentar meu novo livro de arte digital, AR EX – O Códice da Existência.
O projeto cresceu a partir de aproximadamente três anos de exploração artística. Nos dois últimos anos, também utilizei inteligência artificial para transformar meus próprios desenhos, pensamentos e sistemas do Codex em mundos visuais.
Ao longo de 95 páginas e 40 imagens, o microcosmo e o macrocosmo se encontram com o tempo, números, frequências, campos de informação e minha percepção pessoal. Um tema importante é uma energia protetora que tudo envolve: influências positivas e negativas, a busca pelo equilíbrio e um campo protetor em constante transformação. Meu Codex é uma linguagem artística pessoal que conecta experiência vivida, geometria e pensamento em 360°.
Vivendo com deficiência visual severa, busco tornar percepções internas complexas visíveis e acessíveis a outras pessoas. Convido calorosamente você a explorar as imagens e compartilhar suas ideias.
Leia o livro completo: https://artbooks.arthelper.com/b/D1OlehDB9n3Iq3tvmdYFe
Atenciosamente,
Haci Sami Yaman (H.S.Y.)
Artista Marginal | Open Studio, Clínicas Alexianer St. Hedwig, Berlim
Alguns artistas juram que você nunca deve baixar os preços — isso trai seus compradores iniciais, arruína sua credibilidade, e, uma vez que você caia, nunca conseguirá subir novamente. Outros dizem que isso é ortodoxia da galeria, e se manter firme significa zero vendas por meses, um recuo estratégico de preço (ou uma obra menor em novos patamares de preço) é apenas um bom negócio. Eu fico indeciso sobre isso, porque ambos os lados têm cicatrizes de batalha para provar seus argumentos.
(As badges de comentário mostrarão seu voto… escolha sabiamente 😈)
A arte profundamente pessoal pode falar às pessoas que nunca viveram a experiência do artista?
Sou Haci Sami Yaman, um artista outsider em Berlim. Crio pinturas, desenhos e rolos de papel monumentais como uma forma de explorar memória, trauma, beleza e dignidade humana.
Enquanto trabalho no meu próximo livro de arte, DREAM TRAUMA DELUXE, uma pergunta volta sempre: o espectador precisa conhecer a história pessoal do artista para se conectar com a obra? Ou as cores, formas e símbolos podem comunicar algo significativo por si próprios?
A minha convicção é de que a obra de arte deve deixar espaço para a imaginação do espectador, mesmo quando vem de um lugar intensamente pessoal.
O que você acha? Explicar a história aprofunda uma obra de arte — ou às vezes tira seu mistério?
Haci Sami Yaman