Arte Profético y Creatividad Espiritual

I've been quiet here for the past couple of weeks. Not because I had nothing to say, but because I had too much to say and no idea how to say it well.

On June 18th, Canada's Bill C-9 received Royal Assent. Around the same time, Bill C-22 has been moving through committee — legislation that would compel digital platforms to retain metadata and build in surveillance capability at the request of law enforcement. Different bills, different mechanisms, but the same question underneath both: what happens to expression — religious, artistic, prophetic — when the boundaries of what's "acceptable" to say get redrawn by people who were never going to like what you say in the first place?

Here's what makes this personal for me specifically. Bill C-9 removed something called the "good faith religious expression" defence from Canada's hate speech law — a provision that previously protected people who, in good faith, expressed an opinion on a religious subject or a belief grounded in a religious text. That protection is gone now.

I make prophetic art. That's not a vague spiritual aesthetic — it means the names, the stories, and the meaning behind my paintings come directly out of Scripture. Faith. Rivers of living color, my own riff on John 7:38. These aren't decorative titles. They're sincerely held religious beliefs I'm putting into paint, the same way someone else might put them into a sermon or a written testimony. My process — discovery over illustration, letting the composition lock in real time as I pray and paint — is itself an act of faith, not just a technique.

I'm not a lawyer, and I'm not going to pretend I've read every clause of either bill or that I know exactly how this will be applied. But I know what it means that the specific legal protection for religious expression — the kind of expression my entire body of work is built on — no longer exists the way it did a month ago. That's not a hypothetical. That's the actual change.

Right after I read the news, I watched the movie Leonie. Near the end, there's a quote that undid me:

"Your art will be your weapon. Your art will be your voice. There're no boundaries for an artist, no borders. Through art you can speak all languages and live a magnificent life, anywhere." —Leonie

I sat with that for a long time. Because here's the thing I keep coming back to: fear and faith cannot coexist. Fear is misplaced faith — faith pointed at the wrong outcome. Legislation, whatever its actual reach turns out to be, can become a very effective tool for cultivating fear in artists who would otherwise be brave enough to name the source of what they make.

So this is my decision, stated plainly: I am going to keep painting what Holy Spirit shows me. I am going to keep naming my paintings what they actually are — biblical, prophetic, rooted. I am going to keep being transparent about my process, because transparency is part of my integrity as an artist — even now, maybe especially now. If a painting is going to grow up over years the way mine do, it needs to be born honest.

I don't know yet what either of these bills will mean in practice, for me or for anyone else who creates work that speaks into faith or conscience. What I do know is that I'd rather be vulnerable on a canvas than silent out of fear.

Rivers of living color don't ask permission to flow.

I'd love to hear from you — has anything in the current cultural climate made you hesitate before naming what your work is really about?

I've been doing some admin work on my website lately — going through my art catalog, piece by piece. When I got to EGYPT, I found myself digging into its history, including who had actually bought it through Saatchi Art. What I found gave me a real lift, and underscored just how much this piece mattered.

Let me back up.

In 2017, I painted EGYPT in my studio in Oakville — pyramids under a moonlit sky, acrylic on canvas, 16×20 inches. It came fast. I remember knowing, even as I painted it, that it was special. It sold within a few days of being uploaded to Saatchi.

But the painting had a strange beginning. I had personally always associated dark things with Egypt. And I painted this piece in the week after an overnight stay at a sleep clinic. It wasn't until my consult to review the results that I learned the owner of the clinic was Egyptian — his office was full of Egyptian artifacts. I believe I was affected by the atmosphere of that place. The spirit of Egypt stayed with me, and it came out in the work.

Being spiritually sensitive, this left me with real questions. What spirit had influenced me? I didn't have an answer at the time.

That's part of why this recent discovery meant so much to me. Going back through the catalog, I learned the painting had gone to Delaware, Ohio, into the collection of John A. Kohan — former New York Times foreign correspondent, sacred art collector, and curator of the Sacred Art Pilgrim Collection. John collects sacred and spiritual art from around the world. I could not have asked for a more fitting home for this piece.

And then there's the part I learned even earlier, in 2020. I had the privilege of being part of a prayer team covering an apostolic journey to Israel. During that time, Holy Spirit opened my eyes to Isaiah 19 — Egypt's prophetic destiny.

"In that day there will be an altar to the LORD in the heart of Egypt." Isaiah 19:19

That passage stopped me. Egypt — the historic house of slavery in Israel's memory — is named in Isaiah as part of a future blessing with Israel and Assyria. Not erased. Not discarded. Named.

This isn't only an old passage to me. The "Isaiah 19 Highway" language I encountered in intercessory and prophetic circles points to something many believe is unfolding now — in this generation, not a distant one.

EGYPT: How my biggest sale wasn't just about money

I've been doing some admin work on my website lately — going through my art catalog, piece by piece. When I got to EGYPT, I found myself digging into its history, including who had actually bought it through Saatchi Art. What I found gave me a real lift, and underscored just how much this piece mattered.

Let me back up.

In 2017, I painted EGYPT in my studio in Oakville — pyramids under a moonlit sky, acrylic on canvas, 16×20 inches. It came fast. I remember knowing, even as I painted it, that it was special. It sold within a few days of being uploaded to Saatchi.

But the painting had a strange beginning. I had personally always associated dark things with Egypt. And I painted this piece in the week after an overnight stay at a sleep clinic. It wasn't until my consult to review the results that I learned the owner of the clinic was Egyptian — his office was full of Egyptian artifacts. I believe I was affected by the atmosphere of that place. The spirit of Egypt stayed with me, and it came out in the work.

Being spiritually sensitive, this left me with real questions. What spirit had influenced me? I didn't have an answer at the time.

That's part of why this recent discovery meant so much to me. Going back through the catalog, I learned the painting had gone to Delaware, Ohio, into the collection of John A. Kohan — former New York Times foreign correspondent, sacred art collector, and curator of the Sacred Art Pilgrim Collection. John collects sacred and spiritual art from around the world. I could not have asked for a more fitting home for this piece.

And then there's the part I learned even earlier, in 2020. I had the privilege of being part of a prayer team covering an apostolic journey to Israel. During that time, Holy Spirit opened my eyes to Isaiah 19 — Egypt's prophetic destiny.

"In that day there will be an altar to the LORD in the heart of Egypt." Isaiah 19:19

That passage stopped me. Egypt — the historic house of slavery in Israel's memory — is named in Isaiah as part of a future blessing with Israel and Assyria. Not erased. Not discarded. Named.

This isn't only an old passage to me. The "Isaiah 19 Highway" language I encountered in intercessory and prophetic circles points to something many believe is unfolding now — in this generation, not a distant one.

That passage answered my question about the painting. But it gave me something bigger than that, too. It showed me the heart of God for that nation. His character. His redemptive nature, always. He is so much bigger than my mind can comprehend. His ways are not my ways. He is good and faithful — and I am so limited by my own perspective.

I didn't know any of this when I painted EGYPT. I knew pyramids. I knew a sky that felt like prophecy. I knew the painting was special, and I knew it carried something I couldn't fully name. But God knew what He was saying.

This is what keeps happening to me — I rediscover how prophetic a piece turns out to be, and it makes me take the work more seriously. The painting isn't just illustration or planned symbolism. It can be something the Spirit was brooding over before I understood it myself, sometimes before the world caught up to it too.

EGYPT taught me that.

Have you ever made something, prayed something, or painted something — and only understood what it meant, or watched it come true, years later?

Bueno, esto ha sido uno de esos momentos de asombro para mí... a veces los encuentro cuando solo estoy trasteando por mi estudio... así que con este, solo estaba experimentando con algunas esponjas y tintas acrílicas diluidas... Comencé en un lienzo y descubrí que los colores no absorbían bien... así que pasé a papel... como de costumbre, a menudo tomo fotografías de mi trabajo y me gusta usar un filtro de color invertido en una app que uso... y ahí lo tienes... la última foto es en realidad la original... como ya mencioné, las otras dos tienen colores invertidos... así que en mi mente no me importan mucho los agentes anti-IA aquí... creo que en este caso el trabajo habla por sí mismo... bienvenidos a aquellos que deseen decidir qué vista es mejor, o más pronunciada... para la original, como sugiere el título, simplemente abracé el caos del momento... luego, sorpresa... obtengo este resultado... para mí, creo que esto podría ser un nuevo tipo de estilo para mí y voy a seguir trabajando con ello... Gracias, disfruten.

Para mí, por lo general no empieza con una imagen completamente formada en mi mente. Empiezo con color, movimiento, atmósfera, o una sensación de invitación. Hago marcas. Respondo. Miro. Espero. Sigo preguntando, ¿Qué está llegando a ser esto? ¿Qué me estás mostrando aquí?

A veces llega el significado mientras estoy pintando. A veces llega más tarde. Por lo general estoy orando. En algún momento lo que veo empieza a sugerir de qué trata la obra.

¿Es porque eso es a lo que se supone que debe ser? ¿O es que veo lo que ya está dentro de mí? Creo que es ambas cosas. El Espíritu Santo ilumina lo que Él está diciendo — y puedes recibirlo gracias a tu relación con Él, con la Palabra, y con tu caminar. De lo más profundo de tu ser fluirán ríos de agua viva. Yo diría ríos de color vivo.

Esa es una de las razones por las que amo el arte profético. No siempre es ilustración. A veces es descubrimiento.

Una vez que sé de qué trata la pieza y me he fijado en la composición, el artista que hay en mí realmente disfruta del trabajo técnico — empujando para sacar a relucir el mensaje de maneras cada vez más pictóricas.

Muchas veces vuelvo a pinturas más antiguas y las llevo más lejos. Mi comprensión ha crecido. Mi habilidad ha crecido. ¿Por qué no podría la pintura?

Pienso en mis pinturas como mis hijos. Tomar fotos con el iPhone en cada etapa es un poco como fotografiar a tus hijos creciendo. Ellos deben crecer.

Me encantaría escuchar a otros aquí: ¿Alguna vez vuelven a revisar un trabajo terminado — o una pintura se siente terminada una vez que la dejas?

Tierra del Sol Naciente, 12x12 en acrílico sobre lienzo montado en tablero

Anne Reid me pidió que vuelva a publicar esta historia desde General en esta comunidad, pensando que sería interesante para todos ustedes.

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¿Alguna vez has notado que muchas veces cuando tomas las decisiones correctas y responsables para la cabeza, a menudo vienen a expensas de tu corazón? Incluso si el deseo de tu corazón es todavía una necesidad elemental no expresada, la vida tiene una forma de hacer imposible seguir negando esos anhelos enterrados, y para mí fue el arte.

Así que aparté mi corazón. Completé un año entero en la universidad, tomando decisiones responsables, trabajando duro en mi licenciatura en estudios liberales para estar preparado para entrar a la enseñanza algún día. Francamente, no tenía tiempo para pensarlo, ya que también trabajaba a tiempo completo para poder pagar mis estudios. Demasiada contemplación podría desviarme fácilmente, lo sabía. No permitiría que eso sucediera. Mis metas estaban escritas así como mi cronograma para lograrlas.

Resistí nueve meses. Llegué hasta mi primer verano en la universidad.

Incapaz de soportarlo más, tragé mi miedo y sentimientos de inferioridad cuando se trataba del arte, y me inscribí en una clase de pintura ese primer verano después de mi primer año en la universidad en 1979. El artista docente encendió de nuevo el fuego dentro de mí. Su nombre era André Andreoli, el pintor holandés romántico de paisajes del siglo XIX más famoso del mundo en ese momento, y estaba visitando Santa Barbara ese verano. Nacido en Holanda, pero hijo de un exitoso empresario de Milán, quizá nunca sabría cómo terminó dando una clase en Westmont ese verano, pero ahora lo veo como que Dios me estaba empujando directamente.

Decir que André era excéntrico, enigmático y una fuerza de la naturaleza sería decir poco. Diez personas se habían apuntado a esta clase de verano. En la segunda semana, ocho se retiraron porque él era tan exigente y riguroso, y su personalidad italiana impulsiva era desalentadora para los estudiantes cristianos protegidos de la universidad. Él era un poco aterrador al principio. Esperaba que cancelara la clase con solo dos de nosotros, ya que básicamente trabajaría gratis; yo solo estaba auditando la clase, después de todo. La necesidad de pintar había parecido arañar mi alma, así que el hecho de no obtener el crédito no me importaba. Recuerdo que él estaba de pie ante Cathy y ante mí, un hombre delgado y huesudo, que parecía vibrar con energía, transmitiendo una sensación de fuerza feroz. Su largo cabello negro despeinado cayendo desordenadamente sobre sus hombros, era como alguien que verías en una película con artistas del Renacimiento.

Bueno, ahora me quedo con ustedes dos. Esperábamos, sin estar seguros de qué diría a continuación. ¿Cancelaría la clase? Los únicos dos que quieren estar aquí. Gruñó. Al resto, que se vayan. Extendió el brazo para enfatizar sus palabras. Ahora, podemos empezar a trabajar. Nuestros ojos se agrandaron ante risas contenidas, pero ambos nos vimos asintiendo con entusiasmo, aunque algo nerviosos. Exhalé un suspiro de alivio, lo que le ganó una mirada afilada desde su larga nariz, seguido de un leve arqueo de sus labios, tan cerca de una sonrisa como la que había visto de él hasta ese momento. Oh sí, él era un poco aterrador, pero mi necesidad ardiente de pintar superó con creces mis sentimientos y mi sensibilidad, y, para ser sincera, había esa pasión impulsiva e insaciable por Dios y el arte que parecía consumirlo. Fue totalmente contagiosa.

Cathy y yo nos quedamos durante el verano, la clase se convirtió más en un estudio de mentoría privado para dos jóvenes mujeres apasionadas por el arte. Fue una clase dura, emocionalmente así como en la curva de aprendizaje para mí. Él se despotricaba conmigo, la menos hábil de las dos estudiantes, a menudo arrojando sus manos al aire y su largo cabello negro agitándose alrededor de él en una consternación italiana ruidosa y dramática. A veces arrojaba su pincel al otro lado de la habitación por frustración. Él tomaba mi mano y gritaba, No! No! Así! mientras guiaba la línea y la presión del pincel para ayudarme a sentir la pintura y crear una línea precisa.

Con mucho cuidado, pinté, luego volví a pintar una y otra vez, a menudo trabajando hasta altas horas de la noche después del trabajo, tratando de aplicar lo aprendido al pintar una fachada italiana. Mi resultado fue muy mediocre en su mejor momento, pero lo guardo como recuerdo de André y de las lecciones sobre pintar, el arte, la vida y Dios que aprendí de él ese verano. Ocasionalmente tengo la idea de añadirle, refinarla, terminarla, con las habilidades que cuarenta años después me han enseñado, pero no he querido decepcionarlo después de todo el tiempo y esfuerzo que puso en mí ese verano.

Más tarde, en el curso, le pregunté por qué había decidido enseñar la clase a solo dos personas, y por qué yo solo auditaba la clase a 25 dólares porque no podía pagar el precio de las unidades. Dijo que no le importaba el dinero, pero sí le importaba el fuego. Vi el fuego en tus ojos. Dijo que era todo lo que necesitaba ver en un estudiante…un fuego interior para pintar. Me dijo: No puedo enseñar a un estudiante a tener fuego; lo tiene o no lo tiene. Puedo enseñar la habilidad, pero no el fuego.

Mirando hacia atrás ahora sobre mi propia carrera como profesora de arte, puedo entender y resonar por completo con esos sentimientos. Aún puedo nombrar a esos estudiantes que he tenido en 38 años que tenían ese fuego interior para pintar... Carlie, Anna, Liam, Alexis, Eliana, Kayvon, Jordan, Harry y Olivia.

Tener la oportunidad de trabajar con André Andreoli, un pintor de renombre mundial, es un regalo muy apreciado que nunca tomé a la ligera.

Cuarenta y cinco años después, tras esa larga carrera de enseñanza que realicé, he vuelto a mi primer amor: la pintura, y estoy pintando con ese fuego y esa pasión que tanto amé en André. Aunque mi estilo es diferente, la influencia romántica de mis primeras lecciones con él se evidencian en mi arte, me doy cuenta ahora... y así también pinto con la esperanza de glorificar a Dios y compartir el amor y la belleza que nos dio el Creador supremo. Gracias, André Andreoli.

Iryna Belova-Smorzh es una artista aquí en Arthelper. Su trabajo es exquisito...el tema de esta publicación encaja con este grupo, así que quería compartirlo. Esto es lo mejor que puedo hacer. Tienes que hacer clic en el enlace para verlo.

https://www.arthelper.com/community/portraitart/post/the-pain-of-disappointment

Las manos en esta pintura son mis manos.

Esta pintura se llama Community. Pinté la original como acuarela en 2007 en la Casa Nacional de Oración en Ottawa, después de haberle dado la única comida que llevaba conmigo a una mujer en la acera que la necesitaba más que yo.

Años más tarde, la vida imitó al arte.

En 2022, Community se convirtió en una impresión que se utilizó como regalo de agradecimiento para los grandes donantes de Kids Against Hunger Canada. Una pintura que comenzó con un pequeño acto de dar se convirtió en parte de una historia mucho más amplia de dar.

Esa es una de las cosas que amo del arte profético. Las pinturas tienen una vida propia y la historia se desarrolla con el tiempo.

Para mí, Community está arraigada en Isaías 58: — el ayuno verdadero expresado a través de la misericordia, el compartir y el cuidado por la persona que está frente a nosotros.

Por cierto... la impresora lo enmarcó al revés, lo descubrí cuando miré la publicación de Facebook. Tuve que volver a hacerlo.

He seguido a Matt Tommey durante años e incluso he tenido la oportunidad de entrevistarlo en Facebook Live. Él está a la vanguardia de la Comunidad de Artes Cristianas a nivel global. Con éxito artístico en el mundo real, dentro y fuera de las cuatro paredes de la Iglesia, toma muy en serio su mandato de levantar un ejército de Artistas Cristianos. Demuestra que la idea del artista hambriento es falsa y te muestra cómo conectarte con Dios y con su plan para tu camino artístico. Su tradición de fe es cristiano carismático evangélico.

https://thrive.matttommeymentoring.com/yourartmatterstogod

El propósito de esta pieza era conectar directamente con el subconsciente para transmitir la sensación de que esto es algo que algunos ya han visto antes..

El comienzo de esta historia no es lo que podrías esperar.

Antes de que pintara en serio, alguien habló algo sobre mí — lo que aquellos en mi tradición de fe llamarían una palabra profética: una impresión guiada por el Espíritu, pronunciada en voz alta, como un aliento para el camino por delante. Me dijo que cuando la gente viera mi arte, la sanación sería liberada. Que vendría un nuevo flujo de creatividad — y para mí, eso significaba algo significativo. Mi principal expresión creativa durante décadas había sido la danza. Esta palabra señalaba algo completamente nuevo. Que encontraría colores que solo había visto en el cielo, y que la unción del Señor estaría sobre ello.

No me había ganado esa palabra. Todavía no había probado nada. Fue dada antes de que existiera la obra.

Y entonces, en el año siguiente, pasé por una de las temporadas más difíciles de mi vida. Una traición significativa. Un golpe devastador. Sucedió en un contexto en el que me había entregado por completo, lo que hizo que doliera más.

El arte siempre había sido parte de mi vida. Pero sin ese golpe devastador, creo que me habría quedado donde era cómodo y familiar — en la danza, en lo que ya sabía. El golpe devastador no solo me hería. Me movía. Abrió terreno nuevo, un nuevo territorio en el que nunca habría entrado de otra manera. Crear se convirtió en parte de cómo me sané. Pero también se convirtió en algo que nunca habría encontrado si todo hubiera permanecido intacto.

Así que cuando comencé a compartir mi trabajo, no estaba publicando desde la fortaleza. Estaba publicando desde un lugar mucho más tierno que ese. Cada pintura terminada subía. De manera constante. Durante diez años.

Al principio, todos los miedos estaban allí. ¿Qué dirán las personas? ¿Y si nadie responde? ¿Y si piensan: quién se cree que es?

Ya sabía lo que se siente el rechazo. Eso no facilitó arriesgarse de nuevo. En cierto modo, lo hizo más difícil.

Pero publiqué de todos modos.

Esto es lo que diez años de hacer eso me enseñaron.

El miedo es una fe mal dirigida. Es fe de que algo malo va a ocurrir — y cuanto más lo crees, más poder le das. No puedes vivir en miedo y en fe al mismo tiempo. No pueden ocupar el mismo espacio.

No puedes esperar hasta ser perfecto antes de empezar. Y no puedes dejar que lo que otros piensan te detenga, porque la verdad es que, la mayoría de las personas no están pensando en ti de todos modos. Cualquiera que sea la respuesta que tengan a tu trabajo, o que no tengan, dice mucho más sobre dónde están que sobre dónde estás.

Ese darse cuenta fue liberador para mí. El silencio tras una publicación, seguir desplazándose, la ausencia de respuesta — ninguno de ello era un veredicto. Simplemente, son personas viviendo sus vidas.

En la tradición de la que vengo, la profecía funciona de la misma manera. Te arriesgas a decir en voz alta una impresión quieta y pequeña. Podrías estar equivocado. Podrías ser ignorado. Pero aprendes a separar tu valor de la respuesta. Todo el proceso creativo es muy similar: te arriesgas a poner algo en el lienzo que proviene de algún lugar profundo dentro de ti, y luego lo publicas para que el mundo lo vea.

Esta pintura se llama Fe.

Ella no está de pie en la seguridad. Ella está en medio del fuego — con los brazos abiertos, inclinándose hacia la luz. Ahora entiendo esa postura de una manera que no podría haber entendido antes del golpe. La fe que nunca ha sido probada no se parece a esto. Esta es la fe que sabe lo que se siente el fuego y se abre de todos modos.

Una nota sobre esta imagen, porque la transparencia me importa a mí y a esta comunidad.

La impresión que ves aquí no fue generada por IA. Comenzó como una pintura acrílica original en papel — puedes ver la original arriba — a la que luego monté en un tablero. Para la versión impresa, utilicé una herramienta de edición de fotos para hacer ajustes, siendo el más significativo la adición de un foco de luz. Este fue uno de mis primeros experimentos al tomar trabajo original hecho a mano y desarrollarlo para impresiones.

Documenté este proceso por completo en las notas de integridad en mi sitio web para cualquier obra en la que la impresión difiera significativamente de la original. Creo que los artistas que navegan por este espacio — donde las herramientas digitales se encuentran con el trabajo original — deben a sus coleccionistas y a su comunidad esa honestidad. Estoy comprometido con ello.

Después de una década compartiendo mi trabajo de forma constante, puedo decir con sinceridad que ya no tengo miedo de publicar. No porque el miedo haya dejado de aparecer, sino porque la repetición cambió mi relación con ello. Dejé de permitir que decidiera por mí.

Volví a experimentar lo mismo recientemente cuando comencé el grupo de Arte Profético aquí en ArtHelper. La misma vacilación. ¿La gente entenderá esto? ¿Es demasiado específico? ¿Soy la única persona aquí que piensa así?

Lo inicié de todos modos. Ahora hay alrededor de 100 miembros.

Lo que estoy aprendiendo —aún aprendiendo— es cómo hablar de lo que llevo dentro de una manera que abra puertas en lugar de cerrarlas. Eso no pasa en privado.

Si estás guardando algo — una pintura, una dirección creativa, algo que intuyes pero aún no has mostrado — quiero decir esto claramente:

La libertad no llega antes del riesgo. Llega porque continuaste presentándote mientras aún tenías miedo.

Y a veces lo más poderoso que puedes ofrecer a otros es la obra que hiciste mientras aún sanabas.

Publícalo. Alguien puede necesitar exactamente lo que hiciste.

¿Qué pieza has estado dudando en compartir? Déjala abajo — realmente me encantaría verla.👇

Hay momentos en la vida de un artista en los que algo sucede en silencio, casi de manera fluida, y sin embargo sabes que es fruto de años.

Recientemente, se vendieron dos impresiones de arte a través de mi sitio web Art Storefronts. Ambas se basaron en pinturas que creé hace años — obras que me parecieron profundamente significativas desde el principio, aunque aún no habían encontrado a sus primeros coleccionistas de impresión.

Una fue Pentecost. La otra fue The Apple.

Ambas pinturas llevaban un significado profético para mí cuando se crearon por primera vez. No eran obras casuales. No eran simplemente imágenes decorativas. Nacieron de la oración, la convicción, el color, el simbolismo y una sensación de que la imagen llevaba algo más allá de sí misma.

Y luego, durante mucho tiempo, no pasó nada.

Una de las extrañas disciplinas de ser artista. Puedes saber, muy profundamente, que una obra importa — y aun así tener que esperar a la persona adecuada, al momento adecuado, al instante oportuno de reconocimiento.

Estas ventas recientes me recordaron que la visión a menudo tiene un arco largo.

Un comprador fue un cliente que ya había comprado antes. Otro era alguien que había estado siguiendo mi trabajo durante años y de repente decidió comprar. En ambos casos, la belleza del momento no fue solo que se vendiera una impresión. Fue que el mensaje profético de la obra resonó en la persona que la recibió.

Eso me importa.

Claro, me alegra el aspecto comercial de ello. Me alegra que el sitio web funcionara, que el proceso de pedido fuera fluido, y que un sistema que imaginé hace años comience a hacer lo que fue diseñado para hacer: permitir que las personas descubran y recolecten obras significativas incluso cuando yo no esté personalmente frente a ellos explicándolas.

Pero la alegría más profunda es esta: las pinturas encontraron personas que entendían por qué existían.

Esa es la parte que más me conmueve.

Los artistas a menudo tienen que construir con fe. Creamos la obra antes de saber hacia dónde irá. Creamos el sitio web antes de que lleguen todos los compradores. Escribimos las declaraciones, fotografiamos las pinturas, subimos los productos, organizamos el archivo y seguimos apareciendo mucho antes de que exista un impulso visible.

A veces puede parecer tonto.

Pero luego, de repente, alguien que ha estado observando durante años toma acción. Un coleccionista habitual regresa. Una pintura creada hace años habla de nuevo en tiempo presente.

Entonces es cuando la visión da frutos.

No porque todo se vuelva fácil.

Pero porque el trabajo largo y no visto empieza a dar frutos.

Siempre he creído que el arte profético puede encontrarse con las personas a nivel de significado. No solo color, no solo composición, no solo belleza — sino reconocimiento. Una sensación de que algo en la obra está hablando a algo en ellos.

Así que cuando alguien escribe con alegría sobre, por fin, pedir una pieza, o me dice que esperan con ilusión otra, no lo tomo a la ligera.

Me dice que la obra todavía está viva.

Me dice que el mensaje todavía viaja.

Me dice que las pinturas hechas hace años aún pueden llegar a tiempo.

¡Qué alegría!

Buenos días comunidad - este es un saludo para mi amiga Ruth Fazel.

«Estoy tan feliz de poder anunciar por fin el estreno de CREATION - La Película.»

Creo que esta película es algo muy único, y mucho más allá de lo que podría haber imaginado cuando escribí la música por primera vez.

Después de terminar la música, supe que debía presentarse en un formato visual, así que me acerqué a un amigo artista de larga data, Kevin Moffatt, para crear una serie de pinturas abstractas sobre el tema de la Creación. Esta película une la música y el arte, y mientras miras, verás que las pinturas cobran vida literalmente.

Haz clic en la imagen de abajo para ver el tráiler y luego asegúrate de reenviar este correo a tus amigos. Realmente espero escuchar tu respuesta después de haber visto la película. Estoy buscando tu ayuda para difundirlo por todas partes...

¡Disfruta!

Con las mayores bendiciones, Ruth Ruth Fazal

Una fusión impresionante de música y arte visual que lleva la historia de Génesis al presente. A través de tecnología avanzada, las obras se mueven, crecen y se transforman, invitándote a una creación viviente que despierta la imaginación y el alma.

MÚSICA Ruth Fazal

ARTE Kevin Moffatt

TEXTO Génesis 1-2:3

«En el principio Dios creó los cielos

y la tierra...»

Para más información visite

https://www.ruthfazal.com/ creación

https://www.mannaart.com

Ver menos

Al principio, a primera vista, es un poco extraño y de otro mundo, de una manera extraña, pero una montaña en llamas, ardiendo con una voz atronadora y temblorosa, no era exactamente un paisaje bonito para la gente que salió de Egipto ni para Moisés, que literalmente dijo que temblaba al verlo.

No creo que esto cause mucho temblor, pero hay una fuerza sobrenatural y movimiento en los ritmos de las líneas y en los movimientos de los árboles (¡Gracias a Dios Van Gogh se adelantó a la idea antes que yo!).

Hay una sensación de agua que corre y de vida que surge, aunque el árbol está literalmente muerto, irradia una fuerza y energía. El fondo, con cañones y arbustos y los rojos ardientes, evocaba una vida sobrenatural, seres angélicos que lo rodean. El fuego y el agua, separados pero entrelazándose entre sí. El fuego y el agua eran a menudo símbolos del espíritu y de la presencia de Dios en la Biblia, así que cuando vi este árbol muerto y el fondo de una fotografía, pensé en unirlos.

A veces ponemos las cosas espirituales como bonitas y flotantes, sin embargo, cada vez que alguien veía a un ángel, quedaba aterrorizado y el ángel tenía que decirle que no temiera. Da lugar a preguntarse cómo se veían físicamente para provocar tal conmoción. No creo que fueran hermosos; más bien un poco aterradores, para hacer que Daniel cayera de rodillas.

Encargo para Saugeen Springs RV Park que representa el sueño de la dueña para su Negocio del Reino :)

Una de las razones por las que la abstracción importa en el arte espiritual es que no obliga al espectador a llegar a una conclusión literal demasiado rápido.

Una imagen literal puede decirte qué estás mirando.

Pero la abstracción puede crear espacio para el encuentro.

Puede transmitir movimiento, peso, atmósfera, fuego, descanso, tensión, misericordia, luz o presencia de una manera que se siente antes de ser explicada.

Para mí, esa es a menudo la base del arte profético — no en decoración, y no en la vaguedad, sino en tratar de ser fiel a algo percibido en la oración que es más profundo que solo la ilustración.

Estoy curioso de cómo otros aquí experimentan esto:

¿Encuentras que la abstracción a veces puede decir cosas espirituales más honestamente que una imagen más literal?

¿O sientes que estás más conectado con el trabajo cuando la imaginería está más claramente definida?

Mostrado aquí: Adviento 7

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