Ein Ort, um die Herausforderungen und positiven Aspekte beim Ausstellen in Galerien und lokalen jurierenden Ausstellungen zu diskutieren. Ein Ort zum Teilen von Erfahrungen, Stellen von Fragen und Teilen von Hinweisen und Einblicken, wie man die manchmal verwirrenden Herausforderungen bei persönlichen Kunstausstellungen meistert.
Gerade eine Nachricht erhalten, dass ich es in die Cocoon-Galerie-Ausstellung in Grand Rapids geschafft habe. https://facebook.com/events/s/opening-night-hazy-lazy-summer/1302702215257746/
Erste Ausstellung in Grand Rapids! Zwei Gemälde: „Cliffside“ und „Rocky Shoreline“.
Ich freue mich, meine erste Solo-Ausstellungsrezension von einem Kunstkritiker (Doktor der Künste))).
Das Video ist auf Ukrainisch, und YouTube macht es einfach, englische Untertitel hinzuzufügen, damit es bequem verfolgt werden kann.
Die Gemälde selbst sind im Video möglicherweise nicht sehr gut sichtbar, aber man kann sie in meinem Profil sehen.
Es bedeutet mir viel, die Ausstellung durch eine so nachdenkliche künstlerische Perspektive gespiegelt zu sehen.
Ich bin dankbar für die Zeit, die Aufmerksamkeit und die Sensibilität, die dem Werk entgegengebracht wurden.
Die Alamo Danville Artist Society ermöglicht es Ausstellern, zusätzlich zu den an den Wänden hängenden Werken weitere Arbeiten mitzubringen. Bei meiner ersten Ausstellung in der Blackhawk Gallery Exhibit hatte ich ein paar meiner Bilder direkt außerhalb der Galerie platziert. Während ich hinter dem Schalter arbeitete, blickte ich nach oben und sah jemanden, der draußen eines meiner Bilder fotografierte. Ich konnte nicht mit ihm sprechen, weil er schnell davon ging. Die Galerie hat ein Schild, das darum bittet, ohne die Erlaubnis des Künstlers keine Fotos zu machen. Einige hören zu, andere nicht.
Rückblickend sehe ich darin eine Gelegenheit, mit denjenigen in Kontakt zu treten, die Fotos machen, ohne Erlaubnis zu bitten, statt sie wütend anzugehen. Mich interessiert, wie andere mit dieser Situation umgehen?
In Australien kommt man nicht in eine Galerie, wenn man nicht formell qualifiziert ist. Du kommst nicht auf Kunstmessen, wenn du nicht von einer Galerie vertreten wirst. Du wirst nicht in Magazinen vorgestellt, wenn du nicht in einer Galerie bist und eingeladen wirst... Ich kann nichts zu anderen Ländern sagen.
Ich male seit über 30 Jahren und besitze eigene Galerien, um mich selbst zu vertreten, und habe Gelder für Wohltätigkeitsorganisationen gesammelt, die Künstler wie https://artforrescue.com.au/ zusammenbringen. Die meisten meiner Käufer entdecken Kunst nicht durch das Scrollen auf Instagram.
Sie:
gehen durch Galerien
arbeiten mit Innenarchitekten und Kunstberatern zusammen
wählen Werke im Zusammenhang mit einem Raum aus
Sie wollen das Werk fühlen.
Die Größe sehen.
Verstehen, wie es in einem Raum wirkt.
Und lange Zeit dachte ich, die Antwort wäre:
„Ich brauche Galerienvertretung.“ und musste Ausstellungen machen, um meine Kunst zu verkaufen.
Aber hier ist, was ich erkannt habe – Galerien besitzen die Käufer nicht.
Sie bringen sie einfach zusammen.
Die eigentliche Herausforderung für Künstler ist nicht das Talent. Es ist der Zugang.
Zugang zu den richtigen Räumen
Zugang zu den richtigen Gesprächen
Zugang zu den Umgebungen, in denen Entscheidungen getroffen werden
Denn High-End-Käufer kaufen nicht anders wegen der Kunst…
Sie kaufen anders wegen wie sie es erleben.
Die Frage für mich lautet nicht: „Warum verkauft sich meine Arbeit nicht online?“
Sondern: „Wo kaufen meine Käufer tatsächlich – und wie treffe ich sie dort?“ Meine Kunstwerke verkaufen sich im Preisbereich von 5-24.000 USD. Sie wollen das Gefühl haben, mich zu kennen und möchten online mit meinen Arbeiten auf dem Laufenden bleiben. Vielleicht möchten sie auch einige Haushaltswaren als Geschenk online kaufen und hoffen, dass sie nach oben wechseln.
Ich bin neugierig, wo Ihre Käufer Ihre Werke erstmals erleben: online, in Galerien oder durch jemanden anderen – und wo sie den Kauf tätigen?
I just got a notification that I have been selected by Novum Artis for one of my digital art pieces. They are offering a 2-page spread of me, my art piece, and a write up. In order to be published, however, they are requiring a fee of $100. I am new to all this and have no idea if this is legit or not. Anyone have any idea on this. Any insight would be welcome.
Künstler verwenden diese Begriffe häufig austauschbar, aber sie unterscheiden sich deutlich — mit unterschiedlichen Käufern, verschiedenen Preispunkten und Zielen.
Kunstfestivals sind Gemeinschaftsveranstaltungen. Denken Sie an Straßenfeste, Outdoor-Märkte, lokale Kunstwochenenden. Das Publikum ist breit gefächert und leger. Die Menschen stöbern eher als kaufen. Kleinere Werke und niedrigere Preispunkte verkaufen sich hier gut. Es ist ein großartiger Ort, um lokale Bekanntheit aufzubauen, Drucke zu verkaufen und neue E-Mail-Abonnenten zu gewinnen. Die Stimmung ist zugänglich.
Kunstmessen sind Branchenveranstaltungen. Denken Sie an Frieze, Art Basel, NADA. Diese ziehen ernsthafte Sammler, Galeristen, Kuratoren und Presse an. Werke werden zu höheren Preisen verkauft, und die geknüpften Beziehungen können Karrieren verändern. Der Zutritt ist wettbewerbsfähig — meist über Galerien statt direkt — und die Teilnahme ist kostspielig.
Es gibt auch eine Übergangsform: regionale jurierte Kunstmessen. Diese sind oft Wochenendveranstaltungen in Stadtparks oder Convention Centern, die von einer Jury geprüft werden, mit Sammlern, die wirklich zum Kaufen vor Ort sind. Die Preispunkte liegen zwischen Festivals und großen Messen. Diese sind hervorragend für mittelständische Künstler, um eine Sammlerbasis aufzubauen.
Zu wissen, in welcher Umgebung Sie sich befinden, hilft Ihnen, die richtige Arbeit vorzubereiten, die Preise entsprechend anzupassen und realistische Erwartungen an den Erfolg zu setzen.
In eine Galerie zu kommen, ist kein Glücksspiel — es geht um Recherche, Passung und die richtige Art der Einführung.
Beginne mit der Recherche. Besuche Galerien, die Arbeiten in deinem Genre, Preissegment und Stil zeigen. Du möchtest eine natürliche Passung an der Wand sein — keine Abweichung von dem, was sie normalerweise zeigen. Sieh dir die anderen Künstler an, die sie vertreten. Lies ihre Einreichungsrichtlinien. Folge ihnen auf Social Media, mindestens ein paar Monate vor deiner Kontaktaufnahme.
Wenn du bereit bist, sie anzusprechen:
1. Besuche sie zunächst persönlich. Nicht um zu pitchten — einfach nur, um dich umzusehen. Stelle dich als Künstler vor, sieh dir den Raum an, bekomme ein Gefühl für das Team. Das macht deine Follow-up-E-Mail persönlicher als eine kalte Kontaktaufnahme.
2. Sende eine gezielte Anfrage, nicht dein gesamtes Portfolio. Eine kurze, professionelle E-Mail: Wer du bist, ein Link zu deiner Webseite, zwei oder drei Bilder angehängt und ein Satz darüber, warum du denkst, dass deine Arbeit gut zu ihrem Programm passt. Galeriebesitzer sind beschäftigt. Respektiere ihre Zeit.
3. Folge nicht mehr als einmal nach. Wenn du nach 4–6 Wochen keine Rückmeldung bekommst, ist eine kurze Nachfrage angemessen. Mehr ist zu aufdringlich.
4. Akzeptiere Ablehnung als Teil des Prozesses. Jeder aktive Galeriekünstler hat einen Ordner voller Absagen. Die erfolgreichen haben trotzdem weitergemacht.
Mir ist das passiert. Sie wollte es mit 3 anderen Kunstwerken von Künstlern in den gleichen Farben kombinieren.
Sie haben alle zusammen gut ausgesehen. Das gebe ich ihr.
Ich glaube (bin mir aber nicht sicher), dass sie auch die Schutzhülle weggeworfen hat, in der mein Druck war. Das Schlimmste ist, dass der Rahmen nur ein kleines bisschen zu groß für den Passepartout ist, und kaum sichtbare rohe Kanten an beiden Seiten des fertig gerahmten Werks sichtbar sind. Ich habe es zugelassen, bin aber nicht glücklich darüber. Jetzt verlangt sie, dass ich den gerahmten Druck nach Hause nehme, weil er nicht verkauft wurde. Ich habe sie gebeten, ihn aus dem Rahmen zu nehmen, wieder in die Schutzhülle zu legen und zusammen mit meinen anderen Drucken aufzubewahren. Ist das fair, oder sollte ich ihn einfach mitnehmen und anderswo verkaufen?
Wie hätte sie es besser machen sollen? Wie hätte ich es besser machen sollen?
Ich habe diese Gruppe gegründet, weil ich wirklich Schwierigkeiten mit lokalen Ausstellungsmöglichkeiten und Jurysendungen habe. Ich komme aus 50 Jahren in Santa Barbara, wo alle Arten von Kunst geschätzt und gefeiert werden, und lebe jetzt in Utah, das unglaublich konservativ ist, nicht nur politisch, sondern auch in Bezug auf das, was sie für Kunst akzeptieren. Nachdem ich jetzt an mehreren lokalen Ausstellungen teilgenommen habe, die die Inklusivität aller Kunstgenres und -stile proklamieren, außer bei klarer Ablehnung von Nacktheit oder allem, was sie gegen die LDS/Mormon-Kirche auslegen könnten. Das Letztere wird nicht offen gesagt, aber im Wesentlichen ist es das, was viele sagen. Ich habe gegen ihre Religion überhaupt nichts, aber ich habe bemerkt, dass die einzige Kunst, die Anerkennung findet, gelobt, preisgekrönt usw., realistische Kunst ist – Landschaften, Menschen, Tiere und Blumen sowie Kunstwerke, die biblische Geschichten darstellen, im Einklang mit dem missionarischen Schwerpunkt der herrschenden Kultur hier. Tatsächlich wird nichts davon kritisiert; es ist nur eine Feststellung. Es hat eine sehr echte gläserne Zimmerdecke (und Wände) für Künstler mit anderem Hintergrund und künstlerischer Ausrichtung geschaffen. Helle Farben, spirituelle Kunst (ander als biblische), Stile, die vom realistischen Spektrum abweichen, werden offensichtlich ignoriert, und die Auszeichnungen gehen immer an die gleichen Utah-Landschaften und fast viktorianische Porträts. Heute habe ich ein wenig recherchiert, um zu sehen, ob ich nur diese Dynamik bilde, und ich stellte fest, dass ich mich nicht geirrt habe. Artikel: https://artistsofutah.org/15Bytes/towards-a-concept-of-lds-art/ Was sind eure Gedanken dazu und habt ihr Tipps oder Einblicke, wie ich mich in dieser kulturellen Landschaft zurechtfinden kann? Danke!