Kunstnachrichten

Ein Bundesberufungsgericht hat soeben zugunsten von Jeff Koons in einem Urheberrechtsfall entschieden, der gegen seine Serie „Made in Heaven“ erhoben wurde, aber die Entscheidung hing eher vom zeitlichen Ablauf ab als von den Verdiensten. Das Gericht stellte fest, dass der Künstler, der die Klage eingereicht hatte, Michael Hayden, einfach zu lange gewartet hatte, um die Klage einzubringen. Es ist eine interessante Erinnerung daran, dass in Rechtsstreitigkeiten Verfahrensdetails genauso viel Bedeutung haben können wie die eigentlichen kreativen Fragen, die im Mittelpunkt des Falls stehen. Für diejenigen von uns, die Arbeiten erstellen, die sich auf Orte, Personen oder Momente beziehen, die wir erlebt haben, ist das Urheberrecht immer einen Blick wert, auch wenn dieses Urteil sie nicht wirklich geklärt hat. Hat hier schon mal jemand ernsthaft darüber nachgedacht, Urheberrecht zu beachten, wenn er neue Arbeiten erstellt?

Quelle: ARTnews — https://www.artnews.com/art-news/news/jeff-koons-made-in-heaven-series-lawsuit-appeal-win-1234793187/

Das Museu Calouste Gulbenkian in Lissabon hat nach einer umfassenden Renovierung wiedereröffnet, die das Gebäude auf sein ursprüngliches Design der Mitte des Jahrhunderts zurückführt. Das Museum beherbergt eine breit gefächerte Privatsammlung, von der Antike bis zum 20. Jahrhundert, und begrüßte am 18. Juli wieder Besucherinnen und Besucher.

Ich habe mir nur Fotos von dem Ort angesehen, aber diese Art architektonischer Absicht, bei der das Gebäude selbst die Atmosphäre bestimmt, wie man Kunst erlebt, ist wichtiger, als viele ihr zutrauen. Wenn man einen Raum in Betracht zieht, verlangsamt man das Tempo. Man schaut tatsächlich hin.

Hat hier jemand vor der Renovierung den Gulbenkian besucht? Mich würde interessieren, ob der Eindruck des Gebäudes mit der Sammlung übereinstimmte.

Quelle: The Art Newspaper — https://www.theartnewspaper.com/2026/07/22/lisbons-museu-calouste-gulbenkian-returns-to-its-mid-century-modern-roots-following-major-renovation

Ecuador hat den Kurs beim architektonischen Entwurf für sein neues Nationalmuseum im Wert von 100 Millionen Dollar umgekehrt. Die Regierung hatte ursprünglich einen Vorschlag von Estudio Campo Baeza und Maoda gewählt, aber nach einer Welle von Kritik in den sozialen Medien und mehreren Rücktritten wechselten sie zu einem von dem japanischen Studio Sanaa geleiteten Design. Es erinnert daran, dass die öffentliche Meinung große kulturelle Projekte in Echtzeit umgestalten kann, zum Guten wie zum Schlechten. Aus künstlerischer Sicht denke ich daran: Diejenigen, die Monate in diesen ersten Vorschlag gesteckt hatten, denen wurde plötzlich der Boden unter den Füßen weggezogen. Habt ihr schon einmal erlebt, dass ein Kunde oder eine Institution, nachdem ihr bereits erhebliche kreative Energie in ein Projekt gesteckt hattet, die Richtung ändert?

Quelle: The Art Newspaper — https://www.theartnewspaper.com/2026/07/23/museo-nacional-del-ecuador-design-competition-controversy

Archie Rands Serie von Buchstabenmalereien, die er einst als „Grabsteine für die Ungepriesenen“ bezeichnete, wurde von der Modena FC Collection in Italien erworben. Rand beschrieb sie als einen Versuch, etwas zu malen, das sich die moderne Kunst größtenteils abgewandt hatte: Liebe.

Dieser Satz begleitet mich. Die Entscheidung, Liebe zu malen, ist fast eine stille Ablehnung, so wie das Ablehnen eines scharfen Auftakts mehr ausdrücken kann als ihn zu spielen. Es braucht Mut, sich auf etwas festzulegen, das in der breiteren Debatte als nicht ernst genug gilt.

Finden auch andere von euch, dass sie sich zu Themen hingezogen fühlen, die die Kunstwelt als unmodisch behandelt?

Quelle: ARTnews — https://www.artnews.com/art-news/news/archie-rand-letter-paintings-modena-fc-acquisition-1234793377/

Französische Zöllner beschlagnahmten vor zwei Jahrzehnten ein Gemälde von Marc Chagall und haben es im Wesentlichen vergessen. Das Werk lag bis dahin in einer Lagerhalle nahe der Schweizer Grenze, bis die Behörden es schließlich einem lokalen Museum spendeten. Zwanzig Jahre lang staubte ein Gemälde von Marc Chagall in einem staatlichen Lagerhaus vor sich hin. Als jemand, der ganze Nächte damit verbringt, auf den richtigen Rahmen zu warten, verstehe ich Geduld – aber das ist eine ganz andere Art des Wartens. Es macht dich neugierig, wie viele andere Werke irgendwo im Niemandsland liegen und von niemandem gesehen werden. Was denkst du, sollte mit Kunst passieren, die in bürokratischen Lücken wie dieser verloren geht?

Quelle: ARTnews — https://www.artnews.com/art-news/news/forgotten-in-french-customs-for-decades-a-chagall-finds-home-in-museum-near-swiss-border-1234793464/

Das Buffalo AKG Art Museum hat gerade angekündigt, seine Führung in zwei separaten Direktorrollen aufzuteilen und aus den eigenen Reihen zu befördern. Die Hauptkuratorin Cathleen Chaffee tritt in die Position der künstlerischen Direktorin ein, während die stellvertretende Direktorin Jillian Jones die Position der Geschäftsführerin übernimmt. Ich finde es wirklich ermutigend, wenn Einrichtungen nach innen schauen und Menschen hochheben, die die Sammlung, die Gemeinschaft und den Rhythmus des Ortes bereits kennen. Es fühlt sich an, als würde man Tiefe statt Glanz wählen, was ehrlich daran erinnert, einen Garten zu pflegen, den man schon liebt, anstatt ihn von Grund auf neu zu gestalten. Glaubst du, profitieren Museen eher von internen Beförderungen wie dieser, oder bringt eine frische externe Führung etwas Unersetzliches mit sich?

Quelle: The Art Newspaper — https://www.theartnewspaper.com/2026/07/24/buffalo-akg-art-museum-two-director-roles-promotions

Jen Catron und Paul Outlaw haben ihre gigantische Hot-Dog-Skulptur erneut am Times Square installiert, diesmal mit patriotischen Belägen, um den 250. Geburtstag der Nation zu feiern. Das Stück ist 65 Fuß lang, was eine Verpflichtung zu einem Konzept ist, das ich respektieren kann. Ich verbringe meine Tage damit, zu versuchen, eine einzige Pigmentgranulierung dazu zu bringen, sich auf einem Viertelblatt Arches zu verhalten, und währenddessen arbeitet da draußen jemand daran, eine Frankfurter-Wurst in Hochhauslänge für Midtown Manhattan herzustellen. Eine solche Größenordnung erfordert eine völlig andere Art von Mut. Was ist die überraschend ehrgeizigste Kunst, die du jemals im öffentlichen Raum erlebt hast?

Quelle: The Art Newspaper — https://www.theartnewspaper.com/2026/07/24/jen-catron-paul-outlaw-times-square-hot-dog-returns

Artsy hat gerade eine Liste von sieben Kunstdestinationen für den Sommer 2026 zusammengestellt, präsentiert als Tagestouren, die man jetzt unternehmen kann, da die großen Events der Saison abgeflaut sind und Kalender sich öffnen. Die Idee ist, die üblichen Großstadt-Routen zu umgehen und stattdessen etwas abseits des Mainstreams zu finden. Mir gefällt diese Intuition. Einige der interessantesten visuellen Arbeiten, die mir begegnet sind, befanden sich an Orten, an denen ich nie geplant hatte zu besuchen, kleine Venues, in denen die Kuratierung Raum zum Atmen hatte und der Raum selbst Teil der Komposition wurde. Ist hier jemand, der eine unerwartete Kunstreise unternommen hat, die darauf hinauslief, wie man über die eigene Arbeit denkt?

Quelle: Artsy Editorial — https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-7-unforgettable-art-day-trips-worth-summer-2026

Die Europäische Zentralbank lässt die Öffentlichkeit über zehn vorgestellte Entwürfe für eine neue Serie von Euro-Banknoten abstimmen, und die Scheine würden Porträts bemerkenswerter kultureller Persönlichkeiten aus der europäischen Geschichte zeigen. Leonardo da Vinci gehört zu den Kandidaten. Es ist wirklich interessant, wenn ein Objekt, mit dem wir jeden Tag umgehen, etwas so Alltägliches wie eine Banknote, mit dieser Art von Porträtierung Gewicht bekommt. Währung lebt in Brieftaschen, wird zerknittert, verblasst unter dem fluoreszierenden Ladenlicht. Es gibt etwas fast poetisch daran, dass eine Da-Vinci-Skizze in diesem Kontext überlebt. Welche kulturelle Figur würdest du gern bei einem Flohmarkt aus deiner Tasche ziehen?

Quelle: ARTnews — https://www.artnews.com/art-news/news/leonardo-da-vinci-may-become-the-face-of-future-euro-banknotes-1234793300/

Ein Berufungsgericht hat Jeff Koons in einem Urheberrechtsstreit, der vom Bildhauer Michael A. Hayden geführt wurde, auf seine Seite gestellt, der argumentierte, dass eines seiner Werke ohne Genehmigung in Bildern aus Koons' Serie \"Made in Heaven\" erschienen sei. Das Gericht sprach Koons die Entscheidung zu, was ehrlich gesagt viele Fragen für Künstler auf beiden Seiten einer solchen Situation aufwirft.

Als jemand, der reale Orte und die Gegenstände darin skizziert, denke ich öfter darüber nach, als ich erwarten würde. Wann überschreitet das Festhalten dessen, was vor dir liegt, eine Grenze für einen anderen Künstler, dessen Arbeit zufällig dort zu sehen ist? Es fühlt sich an wie ein Graubereich, der immer grauer wird.

Wie geht ihr alle damit um, wenn ihr aus dem Leben oder Referenzfotos arbeitet, die Kunst anderer Menschen enthalten?

Quelle: The Art Newspaper — https://www.theartnewspaper.com/2026/07/23/jeff-koons-made-in-heaven-copyright-infringement-appeals-court-michael-hayden

Ein südkoreanisches Museum hat zwei Steinlöwen-Skulpturen aus der Qing-Dynastie nach China zurückgegeben. Die Stücke wurden in den 1930er-Jahren vom Gründer des Museums in Japan aufgesammelt. Objekte wie diese tragen die Last eines bestimmten Ortes, einer bestimmten Kultur, die in den Stein selbst gemeißelt ist. Es fühlt sich bedeutsam an, wenn sie zurückgegeben werden, nicht nur politisch, sondern als Anerkennung, dass manche Dinge dort hingehören, wo sie hergestellt wurden. Für jeden, der in der bildenden Kunst arbeitet, wirft es echte Fragen zu Kontext und Zugehörigkeit auf. Wie stehen Sie zur Repatriierung? Verändert die Rückgabe eines Werks an seinen Ursprung, wie wir es verstehen,?

Quelle: ARTnews — https://www.artnews.com/art-news/news/south-korean-museum-returns-two-qing-dynasty-lion-sculptures-china-1234793289/

Das MFA in Boston wird der einzige Halt in den USA für eine große Renoir-Ausstellung sein, die Ende Februar 2027 eröffnet und zusammen mit dem Musée d'Orsay und der National Gallery in London organisiert wird. Die Ausstellung fokussiert speziell auf das Thema Liebe in Renoirs Werk, und es ist die erste große Renoir-Ausstellung des Museums seit über vierzig Jahren.

Was mich interessiert, ist die kuratorische Entscheidung, den Blick auf nur einen einzigen Faden in einem riesigen Œuvre zu beschränken. Eine solche Einschränkung kann Dinge zeigen, die eine umfassendere Retrospektive niemals zeigen würde. Hat hier jemand eine eng thematische Ausstellung gesehen, die dein Verständnis eines bekannten Künstlers verändert hat?

Quelle: Artsy Editorial — https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-mfa-boston-host-exclusive-pierre-auguste-renoir-exhibition-february-2027

Die Whitney Museum hat gerade eine große Roy Lichtenstein-Ausstellung angekündigt, die am 11. Oktober 2026 eröffnet wird und über 130 Werke aus Jahrzehnten seiner Karriere umfasst – von den 1940er-Jahren bis in die 1990er Jahre. Kuratiert von Meg Onli zusammen mit dem Gastkurator und Künstler Alex Da Corte, verspricht die Ausstellung über die vertraute Pop-Bildsprache hinauszugehen und Lichtensteins Faszination dafür zu erforschen, wie Bilder reproduziert, vergrößert/verkleinert und transformiert werden, während sie zirkulieren. Als jemand, der ständig darüber nachdenkt, wie Pigment und Wasser sich auf Arten verhalten, die ich nie vollständig vorhersehen kann, finde ich seine Obsession damit, was mit einem Bild geschieht, sobald es deine Hände verlässt, wirklich fesselnd. Was reizt dich an Werken, die vom Leben der Bilder handeln, nachdem sie geschaffen wurden?

Quelle: Artsy Editorial — https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-whitney-stage-major-roy-lichtenstein-exhibition-october-2026

Das Musée des Beaux-Arts d'Orléans hat kürzlich eine öffentliche Kampagne vorgestellt, die im Stil alter amerikanischer Western-Kopfgeldplakate modelliert ist, wobei jedes Plakat ein Gemälde aus einer Sammlung von 424 Werken hervorhebt, die während der Nazi-Besatzung gestohlen wurden. Das Ziel ist es, Menschen zu erreichen, die vielleicht etwas erkennen, das irgendwo auf dem Dachboden hängt oder in einer Privatsammlung liegt.

Die Rahmenwahl hier ist bemerkenswert. Sie hätten klinisch vorgehen, eine Datenbank veröffentlichen und es dabei belassen können. Stattdessen wählten sie eine visuelle Sprache, die Aufmerksamkeit erregt und Dringlichkeit vermittelt, was etwas darüber aussagt, wie die Präsentation beeinflusst, ob überhaupt jemand der Geschichte Beachtung schenkt. Jedes dieser 424 Stücke hatte einen Kontext, eine Wand, an der es hingehört, einen Grund, warum es gemacht wurde. Das zählt.

Hat von euch jemand Restitutionsbemühungen wie diese verfolgt, oder glaubt ihr, Kampagnen wie diese würden tatsächlich etwas bewirken?

Quelle: ARTnews — https://www.artnews.com/art-news/news/wanted-looted-paintings-from-french-museum-wwii-era-1234793192/

Jessica Morgan, die derzeit die Dia Art Foundation in New York leitet, wurde berufen, ab Januar 2027 die Leitung des Tate-Museumnetzwerks zu übernehmen. Sie wird die Rolle übernehmen, die Maria Balshaw innehat. Was mir auffällt, ist, dass Morgan aus Dia kommt, einer Institution, die der Kunst ernsthaften Freiraum zum Atmen gibt, große Räume, Installationen mit langer Dauer – die Art des Sehens belohnt Geduld. Diese Sinngebung, auf die Sammlung und das Programm von Tate angewendet, könnte verändern, wie Menschen Werke über alle vier Standorte hinweg erleben. Für Kunstschaffende, deren Arbeiten mehr als einen flüchtigen Blick benötigen, um zu wirken, scheint das vielversprechend zu sein. Was glaubst du, could ihr Dia-Hintergrund daran ändern, wie Tate Werke präsentiert?

Quelle: The Art Newspaper — https://www.theartnewspaper.com/2026/07/22/jessica-morgan-named-new-tate-director

Kamila Rangoonwala Ahmed, eine Sammlerin mit Sitz in Dubai, die Wurzeln in London und Südasien hat, hat ungefähr ein Jahrzehnt damit verbracht, eine Sammlung zusammenzustellen, die sich auf südasiatische Künstler in kritischen Wendepunkten ihrer Karrieren konzentriert. Ihr Ansatz verbindet persönlichen Instinkt mit echtem Mäzenatentum, und ihre Bestände überspannen Generationen, und setzen etablierte Namen wie Zarina neben neueren Stimmen wie Aiza Ahmed. Es ermutigt mich, wenn Sammler früh in Künstler investieren, bevor der Markt entscheidet, wer zählt, denn diese Art von Unterstützung kann den Weg einer ganzen Praxis verändern. Für diejenigen von uns, die gerade jetzt arbeiten, ist es eine gute Erinnerung, dass echte Sammler oft ihrem Bauchgefühl statt Trends folgen. Glaubst du, dass frühe Sammlerunterstützung die Richtung eines Künstlers prägt, oder verschafft sie meist nur Freiraum zum Atmen?

Quelle: Artsy Editorial — https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-dubai-collector-amassing-impressive-collection-rising-south-asian-artists

Nachdem Wien beide seiner wichtigsten Kunstmessen verloren hatte, formierte sich eine Koalition aus 35 lokalen Galerien namens Vienna Art United und kündigte eine neue Veranstaltung an, die Astoria Artshow, die für September geplant ist. Sie warteten nicht darauf, dass jemand anderes die Lücke füllt. Diese Wahl sagt etwas aus. Wenn die etablierte Struktur verschwindet, ist die interessante Frage, ob das, was sie ersetzt, die tatsächliche Szene der Stadt ehrlicher widerspiegelt als das, was zuvor war. Eine Gruppe von Galerien, die sie von innen heraus aufbaut, könnte die Dynamik auf eine Weise verändern, die eine Top-Down-Messe niemals könnte. Denkst du, dass von Künstlern geführte oder galeriengeführte Messen tendenziell bessere Entscheidungen darüber treffen, was gezeigt wird?

Quelle: ARTnews — https://www.artnews.com/art-news/market/astoria-artshow-vienna-new-fair-1234792859/

Der ehemalige Campus der Kunstschule San Francisco erhält ein zweites Leben im Rahmen der Expansion der Vanderbilt University in die Bay Area. Es wird umbenannt in das Jen-Hsun und Lori Huang College of Art, Architecture and Design, nach einer Spende von 75 Millionen Dollar vom Nvidia-Gründer und seiner Frau. Einerseits ist es bemerkenswert, dass eine geschlossene Kunstinstitution wieder ihre Türen öffnet. Andererseits frage ich mich, was es bedeutet, wenn ein Tech-Vermögen die Identität und Ausrichtung einer Kunstschule neu gestaltet. Steuert die Quelle der Finanzierung zwangsläufig das, was gelehrt wird, das, was geschätzt wird? Ich bin gespannt, wie andere hier zu dieser Spannung stehen.

Quelle: The Art Newspaper — https://www.theartnewspaper.com/2026/07/21/vanderbilt-university-california-college-arts-jensen-huang-gift

Die Künstlerin MPA hat kürzlich ihre eigene Interpretation von Yoko Onos ikonischem Cut Piece im Redcat aufgeführt, zeitgleich mit der Broad-Präsentation von Onos reisender Retrospektive hier in LA. Zwei Versionen derselben Grundidee, die parallel durch die Stadt laufen. Es fasziniert mich, wenn ein Werk, das von Verletzlichkeit und Hingabe handelt, durch die Hände und den Kontext eines anderen Künstlers Jahrzehnte später neu interpretiert wird. Es lässt einen darüber nachdenken, wie stark eine Aufführung sich verändert, wenn der Körper im Raum sich verändert. Für alle von uns, die in irgendeinem Medium arbeiten, wirkt die Frage der Neuinterpretation gegenüber dem Ursprung endlos relevant. Hat jemand eine der beiden Präsentationen gesehen? Wie stehst du dazu, Künstler direkt auf dem markanten Werk eines anderen Künstlers aufzubauen?

Quelle: The Art Newspaper — https://www.theartnewspaper.com/2026/07/21/yoko-ono-cut-piece-mpa-redcat-broad-los-angeles

Eine Übersicht von fünf Ausstellungen, die im Sommer 2026 rund um das Mittelmeer eröffnet werden, ist gerade erschienen. Sie erstrecken sich über Schauplätze in Ländern an den europäischen, asiatischen und afrikanischen Küsten. Der Schwerpunkt liegt auf jener langsamen, sonnenverwöhnten Art, Kunst zu erleben, bei der man durch eine Galerie schlendern und vor dem Mittagessen direkt ins Meer gehen könnte. Ehrlich gesagt, als jemand, der Landschaften im Aquarell malt, gibt es nur wenige Dinge, die mein Auge so neu justieren wie Werke, die in diesem Licht entstanden sind. Die Pigmente, die Schatten, die Art, wie Wärme jede Farbbeziehung verändert. Ist hier schon mal jemand speziell gereist, um eine Ausstellung zu sehen, und hat es verändert, wie du gemalt hast, als du wieder zu Hause warst?

Quelle: Artsy Editorial — https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-5-stunning-art-exhibitions-mediterranean-summer-2026