Le NOUVEAU #SmallWins par Art Storefronts!

J'ai une exposition collective à venir et j'ai besoin de créer des cartels pour chaque œuvre. Je veux inclure un code QR sur chaque cartel afin que les visiteurs puissent voir plus d’œuvres ou obtenir des informations sur les prix sur leur téléphone.

Je n'ai jamais fait cela auparavant. Mes expositions précédentes étaient suffisamment décontractées pour qu'une étiquette écrite à la main fasse l'affaire, mais ce lieu attend quelque chose de plus soigné. Je ne suis pas sûr des outils que les gens utilisent pour concevoir ces étiquettes, de la taille qui convient le mieux sur le mur, ou s'il vaut mieux les imprimer chez soi sur un papier plus épais ou les faire imprimer ailleurs.

Si vous avez créé des cartels avec des codes QR pour une exposition dans une galerie ou une foire d'art, qu'est-ce qui a fonctionné pour vous ? Des recommandations sur la mise en page, le type de papier ou la méthode d'impression ?

Tous les quelques mois, je parcours mon site portfolio et je me demande si j'en montre trop ou pas assez. Je prends mes photos sur pellicule, donc le volume est naturellement plus faible que quelqu'un qui enchaîne les clichés numériques toute la journée, mais je me retrouve quand même avec plus de clichés à garder que ce dont j'ai probablement besoin sur une seule page.

En ce moment, j'ai peut-être 40 images réparties sur quelques galeries. Certaines de ces prises au bord du lac et au crépuscule me semblent redondantes, mais chacune a nécessité une vraie patience, alors les retirer fait mal. J'ai aussi pensé à faire tourner les œuvres selon les saisons, pour que le site reste actuel sans qu'il ne paraisse vide.

Y a-t-il une plage qui fonctionne réellement pour les ventes ou pour attirer l'attention des galeries ? Certains d'entre vous font-ils tourner les images selon un calendrier, ou se contentent-ils d'ajouter et d'épurer au fur et à mesure que le travail évolue ? Je suis curieux de savoir ce qui a bien fonctionné pour les autres.

J'ai enfin commencé à publier de courts Reels montrant mes esquisses de voyage, de petits extraits d'une aquarelle qui prend forme à une table de café ou une rapide prise de vue sur une pièce terminée. J'hésite depuis un moment à l'idée d'ajouter des légendes à chacun d'entre eux.

Une partie de moi pense que le visuel devrait parler de lui-même, mais je sais aussi que beaucoup de gens défilent sans le son. Pour ceux d'entre vous qui ont été constants à ajouter des légendes à vos Reels, avez-vous remarqué une réelle différence en portée ou en engagement par rapport à quand vous les avez omises ? Et les gardez-vous minimalistes, comme une ligne ou deux, ou racontez-vous tout le processus ?

J'essaie encore de voir ce qui fonctionne pour ce type de contenu, donc j'aimerais entendre ce que vous avez observé de votre côté.

Est-ce que vous réalisez des ventes en personne, mais avez du mal à obtenir de l'engagement sur votre site web ? Vous ne savez pas pourquoi les gens regardent mais n'achètent pas ? Vous aimeriez que quelqu'un vous le dise franchement ?

Ce week-end, prenez 15 minutes et découvrez ce cours pratique et sans chichis sur la vente d'art en ligne.

Vous pouvez tout regarder d'un coup ou le découper en morceaux de 5 minutes—selon ce qui convient à votre emploi du temps.

À l'intérieur, nous aborderons :

✅ Comment les artistes se font réellement voir en ligne
✅ Les erreurs courantes qui nuisent aux ventes
✅ Ce que les collectionneurs demandent avant d'être prêts à acheter
✅ Des actions pratiques que vous pouvez entreprendre tout de suite pour améliorer vos résultats

Sans gadgets. Pas de tours magiques. Simple et direct, des conseils clairs.

Si vous vous demandez pourquoi les ventes en ligne ne se produisent pas (ou comment en obtenir davantage) c'est un excellent point de départ.

👉 Découvrez le cours ici : E-Comm 101 pour les artistes

Je viens d'essayer d'utiliser les arthelper sparks et ils ont tous disparu de mon compte. Arty dit qu'il y a une mise à jour en cours. Est-ce vrai ?

Je suis impliqué dans une collaboration amusante sur YouTube avec une merveilleuse pianiste/compositrice néoclassique nommée Julie Chapman. J’ai fait trois vidéos avec elle maintenant — ses compositions associées à mes images. Les deux premiers reels ont atteint 1,3 million chacun. Le tout nouveau vient de sortir et monte régulièrement. J’aimerais savoir si quelqu’un a des idées sur la promotion et le marketing de cette collaboration en dehors de l’univers YouTube.  https://www.youtube.com/watch?v=-K-Mbzptt90

L'un des conseils les plus récurrents que nous donnons lors des Office Hours (si ce n'est le plus) est de vous montrer, vous et votre histoire sur les réseaux sociaux. Enregistrez-vous, téléchargez un selfie, dites à votre audience d'où vous venez, etc., etc., etc...

Mais, comme le dit l'adage, tout n'est pas rose et facile.

La réalité est que se montrer sur les réseaux sociaux est une étape importante. Cela représente le moment où votre page cesse d'être générique et commence à nouer des relations; c'est le moment où vous vous tenez responsable d'être le propriétaire d'une entreprise artistique que vous êtes, donc, à mon avis honnête et sans sucre ajouté, cela compte la façon dont vous le présentez.

Si vous pensez qu'il est temps d'insuffler une intention derrière ces publications, jetez un œil à cet exemple de la Summer School de l'année dernière

Oh, et au fait, la Summer Bootcamp 2026 commence mardi prochain, pendant la session Office Hours, à midi. Soyez là si vous voulez réaliser le type de contenu montré dans le lien ci-dessus.

Suivez notre tutoriel ici : https://vault.artstorefronts.com/hc/en-us/articles/22902406374547-How-to-Create-a-Sequence-With-One-of-Your-Older-Reels

Voici le premier petit pas sur le chemin de la collaboration avec une association qui réalise un travail vraiment excellent.

J'espère pouvoir vous apporter encore quelques petits succès...

Chers artistes,

ASF et ArtHelper nous indiquent comment créer Audician pour nos œuvres d'art...

J'aimerais partager quelques réflexions sur cette démarche, en pensant "hors des sentiers battus".

Si l'on suit la méthode de recherche de groupes sur FB, le système vous orientera vers différents groupes dans lesquels il faut rechercher des groupes comptant au moins 1 000 membres...

Le système sélectionne les types de groupes sur la base de critères généraux que vous saisissez afin d'obtenir la couverture la plus large possible. Voici quelques exemples de groupes sélectionnés par mon système pour l'une de mes peintures : Home Decor Ideas 358 K, Home Decoration 286 K, The Beautiful Nature 43 K... Comme on peut le voir, ce sont de très grands groupes comptant des milliers de membres. Une publication destinée à toucher un auditoire potentiel se perd parmi des milliers d'autres publications ou actualités et est donc rarement remarquée ou vue comme une simple publicité.

Voilà pourquoi je pense que nous devrions essayer "penser en dehors des sentiers battus"...

J'explique par un autre exemple. Si vous avez une pièce d'art représentant un beau bâtiment, il serait plus intéressant de ne pas la publier dans un groupe général comme « Home Decor », mais plutôt dans des groupes tels que « Architects », « Construction Companies » et « Engineering Firms ». Une œuvre d'art attirera plus d'attention dans un tel groupe, parmi tous les autres posts plus techniques, si cela est dû uniquement à son design et son contenu... Un architecte, par exemple, pourrait regarder l'œuvre, l'apprécier et, peut-être, penser qu'elle pourrait décorer son bureau en référence à sa profession et finalement l'acheter.

Pour moi, c'est une autre façon d'attirer le marché.

Qu'en pensez-vous ? Certains artistes affiliés ont-ils de l'expérience avec cela ? Ou peut-on partager une autre manière d'obtenir une audience plus large ? Il serait intéressant de partager des expériences sur ce sujet. Bonne journée!

Peintures de l'artiste vedette par André Pace... catalogue d'invitation 2026

https://www.ebth.com/items/14519148-andre-pace-abstract-acrylic-painting-2025

EXCELLENTES NOUVELLES !!!!

JE SUIS À LA QUATRIÈME PLACE DANS LE CONCOURS NATIONAL DE LA

CONCOURS D'ART SPONSORISÉ PAR JOHNNY DEPP

L'ARTISTE DU PEUPLE

C'EST RÉCOMPENSANT D'ÊTRE AUSSI HAUT DANS LES VOTES

MALHEUREUSEMENT, POUR AVANCER, JE DOIS TERMINER EN PREMIER DANS CE GROUPE D'ICI 19H00 HEURE DU PACIFIQUE / 22H00 HEURE DE L'EST !

LA 1ÈRE PLACE REMPORTE 25 000 $ ET JE SERAI PRÉSENTÉ DANS LE MAGAZINE ART FORUM !

S'IL VOUS PLAÎT, PRENEZ UN MOMENT ET APPUYEZ SUR LE LIEN CI-DESSUS POUR VOTER POUR MOI !

COMME DES ARTISTES, NOUS FERAIONS LA MÊME CHOSE POUR NOUS TOUS !

SINCÈREMENT, JE VOUS REMERCIE !

. NIKOS

Je mets enfin sur pied une véritable galerie en ligne pour mes tirages originaux et mes pièces uniques, et je n'arrête pas de tergiverser sur une décision.

Affichez le prix directement sur la page avec un bouton d'achat, ou le laissez hors et invitez les gens à vous contacter ? Je vois les deux arguments. Les prix visibles paraissent honnêtes et sans friction, personne n'a besoin d'envoyer un e-mail maladroit juste pour savoir si quelque chose est dans leur budget. Mais masquer le prix ouvre une conversation, et pour les œuvres originales surtout, cet échange personnel pourrait être ce qui pousse quelqu'un à s'engager. Je vends des tirages photographiques chauds et sombres d'objets vintage, donc le public se tourne vers des personnes qui veulent ressentir une connexion avec l'œuvre. Je ne suis pas sûr que cela fasse pencher la balance d'un côté ou de l'autre.

Pour ceux d'entre vous qui vendez des originaux ou des éditions limitées via votre propre site, quelle approche convertit le mieux pour vous ? J'aimerais entendre ce que vous avez essayé et ce qui a fonctionné.

Je parcourais les archives vidéo et j'ai trouvé ce cours perdu que j'ai enregistré il y a quelques années !

Regarder la leçon »

Cela s'adresse aux artistes qui cherchent encore à obtenir leurs premières ventes en ligne.

Je décompose les fondamentaux à mettre en place pour vous assurer de ne pas créer d'obstacles inutiles à votre réussite.

Problèmes abordés :

• Petite taille d'audience

• Mauvaise orientation de la niche

• Pas de stratégie de vente

• Faible fréquence de marketing

• Tarification inaccessible

• Manque de diversité des produits

Profitez-en !!

J'ai une petite exposition de groupe qui approche et la galerie m'a demandé si je souscris une assurance pour les œuvres exposées. Honnêtement, je n'y avais jamais pensé auparavant. La plupart de mes pièces sont des tirages photographiques encadrés, pas de grandes toiles, mais le coût de remplacement de l'impression, du mattage et de l'encadrement s'accumule plus vite que ce à quoi je m'attendais une fois que je me suis mis à tout récapituler.

Je travaille avec un budget modeste, donc une police d'assurance qui coûte autant que le travail lui-même n'est pas réaliste. Je ne suis même pas sûr du type de couverture qui s'applique ici, que ce soit une assurance 'inland marine', un avenant à une police d'assurance habitation, ou quelque chose de spécifique aux expositions d'art.

Quelqu'un a-t-il trouvé un assureur qui couvre les expositions en galerie sans une prime élevée ? J'aimerais savoir ce qui a fonctionné pour vous, surtout si vous êtes aussi photographe ou artiste en petites éditions cherchant à limiter les coûts.

La semaine dernière, j'ai rencontré un problème de calibration d'impression et j'avais besoin de montrer exactement à mon labo ce qui se passait sur mon écran. Je n'ai jamais vraiment fait d'enregistrement d'écran auparavant. J'ai passé vingt minutes à essayer de comprendre les outils intégrés de mon ordinateur et le résultat avait l'air d'avoir été filmé à travers une nappe de brouillard, ce qui passe dans un paysage mais pas dans une vidéo de dépannage.

Pour ceux d'entre vous qui ont dû enregistrer leur écran pour documenter un problème technique, peut-être un décalage de profil de couleur ou un bug logiciel, qu'utilisez-vous réellement ? Des outils gratuits, des outils payants, peu importe. J'ai juste besoin de quelque chose qui capture suffisamment clairement pour que la personne à l'autre bout puisse voir ce qui ne va pas sans que je fasse une narration façon détective.

Toute recommandation est la bienvenue.

Je ne sais pas encore si c'est une réussite, mais je m'amuse à jouer avec la texture. Je fabrique ma propre pâte texturante à partir de plâtre de Paris, de colle blanche Elmer's et de peinture acrylique. J'ajoute aussi des colorants pour résine à certaines des peintures. Et j'applique généralement un spray polyuréthane sur l'œuvre finie pour fixer les couleurs.

Une partie de mon travail consiste à évaluer les sites d'artistes selon les normes de la galerie, et rédiger une bonne page À propos est souvent un défi pour les artistes. Tant d'artistes parlent de leur vie sans la relier à leur pratique ou omettent complètement la page À propos.

Les galeristes et les collectionneurs sérieux lisent des dizaines de déclarations et de bios d'artistes chaque semaine, donc l'écriture doit être irréprochable.

Les pages À propos les plus solides expliquent généralement l'œuvre en premier et l'artiste en second.

Voici une façon simple d'y penser. Votre page À propos a deux missions.

Le premier travail est la déclaration d'artiste. Elle se trouve en haut et est courte, idéalement deux paragraphes ou moins. Elle répond aux questions qu'un collectionneur se pose déjà lorsqu'il arrive sur votre page: que produit cet artiste (médium et sujet), comment le produit-il (processus et technique), et de quoi s'agit-il (thèmes et sens) ? Dites clairement ces trois éléments et vous aurez déjà fait le plus difficile.

Le deuxième travail est la biographie plus longue. C'est votre histoire complète: où vous vous êtes formé, où vous avez exposé, et ce qui vous a façonné en tant qu'artiste. Elle se trouve en dessous de la déclaration, sur la même page. Elle s'adresse au collectionneur qui veut en savoir encore plus sur vous.

La déclaration incite à lire. La biographie inspire la confiance.

Votre page À propos a-t-elle l'impression de remplir les deux missions en ce moment ?

'Humain - Fait'. Payer pour être certifié comme un 'humain'. Étant un Spirit Bear et parfois un grizzly Kodiak.... je réfléchis :

Ça peut être à double tranchant — incroyable et j'adore voir l'IA se développer; et je peux aussi anticiper comment cela va changer notre monde. J'ai connu l'ancien machine à écrire, puis la Selectric, et la sténographie, jusqu'aux 'cartes' des premiers gros ordinateurs à cadre, jusqu'aux premiers Macs 504, puis vers les claviers d'ordinateurs, qui écrivent maintenant par reconnaissance vocale, et ainsi de suite. Je suis passé de photographe de film à producteur pour les premiers logiciels éducatifs sur lesquels vous avez probablement grandi : Oregon Trail, Mavis Beacon, Mario, Arthur, Where in the World is Carmen Sandiego, et bien d'autres... etc. Quel parcours en tant que photographe utilisant le film 'Kodak' pour National Geographic et j'ai fait des expéditions vers l'Arctique, les Hébrides, la Patagonie, l'Himalaya, l'Outback australien - Uluru, etc. [Tech pour l'argent et film pour mes démarches créatives]. Toujours un pied dans la tech et un pied dans les arts visuels -- j'ai posé l'appareil photo lorsque les premiers numériques étaient si mauvais que je ne pouvais pas regarder les résultats -- "pas assez bons à mes yeux". À un festival de film, j'ai rencontré le propriétaire de Broderbund Software, dans le public -- et j'ai 'rejoint' l'économie technologique... comme 'producteur'. -- drôle comme la vie nous pousse dans de nouvelles directions, parfois en criant et en criant, jusqu'à découvrir un autre « voile dans la wilderness ».

Maintenant -- je peins... mes images viennent des souvenirs de mon esprit, avec un peu d'aide des vieilles diapositives que j'ai prises lors de mes aventures, mais surtout c'est mon œil pour la couleur, mes pinceaux, et ma connaissance acquise par le cœur pour l'équilibre et la proportion et bien plus encore. ....

Oh, quelle 'réussite'. Actuellement, je travaille sur Veils of Wilderness, Edges of Belong -- une série panoramique de 12 pieds sur 3 pieds -- pour ma réserve Sierra Valley et le Centre de la Nature local... J'ai l'impression que mon art m'a ramené à un cercle complet... Alors je suppose que je peux devenir un artiste certifié 'humain-fabriqué'.

Restez à l'écoute pour le panorama en 4 peintures .... je le publierai quand il sera terminé. Joie dans l'art 'humain-fabriqué'... avec amour, Sarah. [InnerLightFineArt.gallery sur ASF]

• Peoplesartist.org/nicholas-vouvounas