Art prophétique & Créativité spirituelle

I've been quiet here for the past couple of weeks. Not because I had nothing to say, but because I had too much to say and no idea how to say it well.

On June 18th, Canada's Bill C-9 received Royal Assent. Around the same time, Bill C-22 has been moving through committee — legislation that would compel digital platforms to retain metadata and build in surveillance capability at the request of law enforcement. Different bills, different mechanisms, but the same question underneath both: what happens to expression — religious, artistic, prophetic — when the boundaries of what's "acceptable" to say get redrawn by people who were never going to like what you say in the first place?

Here's what makes this personal for me specifically. Bill C-9 removed something called the "good faith religious expression" defence from Canada's hate speech law — a provision that previously protected people who, in good faith, expressed an opinion on a religious subject or a belief grounded in a religious text. That protection is gone now.

I make prophetic art. That's not a vague spiritual aesthetic — it means the names, the stories, and the meaning behind my paintings come directly out of Scripture. Faith. Rivers of living color, my own riff on John 7:38. These aren't decorative titles. They're sincerely held religious beliefs I'm putting into paint, the same way someone else might put them into a sermon or a written testimony. My process — discovery over illustration, letting the composition lock in real time as I pray and paint — is itself an act of faith, not just a technique.

I'm not a lawyer, and I'm not going to pretend I've read every clause of either bill or that I know exactly how this will be applied. But I know what it means that the specific legal protection for religious expression — the kind of expression my entire body of work is built on — no longer exists the way it did a month ago. That's not a hypothetical. That's the actual change.

Right after I read the news, I watched the movie Leonie. Near the end, there's a quote that undid me:

"Your art will be your weapon. Your art will be your voice. There're no boundaries for an artist, no borders. Through art you can speak all languages and live a magnificent life, anywhere." —Leonie

I sat with that for a long time. Because here's the thing I keep coming back to: fear and faith cannot coexist. Fear is misplaced faith — faith pointed at the wrong outcome. Legislation, whatever its actual reach turns out to be, can become a very effective tool for cultivating fear in artists who would otherwise be brave enough to name the source of what they make.

So this is my decision, stated plainly: I am going to keep painting what Holy Spirit shows me. I am going to keep naming my paintings what they actually are — biblical, prophetic, rooted. I am going to keep being transparent about my process, because transparency is part of my integrity as an artist — even now, maybe especially now. If a painting is going to grow up over years the way mine do, it needs to be born honest.

I don't know yet what either of these bills will mean in practice, for me or for anyone else who creates work that speaks into faith or conscience. What I do know is that I'd rather be vulnerable on a canvas than silent out of fear.

Rivers of living color don't ask permission to flow.

I'd love to hear from you — has anything in the current cultural climate made you hesitate before naming what your work is really about?

I've been doing some admin work on my website lately — going through my art catalog, piece by piece. When I got to EGYPT, I found myself digging into its history, including who had actually bought it through Saatchi Art. What I found gave me a real lift, and underscored just how much this piece mattered.

Let me back up.

In 2017, I painted EGYPT in my studio in Oakville — pyramids under a moonlit sky, acrylic on canvas, 16×20 inches. It came fast. I remember knowing, even as I painted it, that it was special. It sold within a few days of being uploaded to Saatchi.

But the painting had a strange beginning. I had personally always associated dark things with Egypt. And I painted this piece in the week after an overnight stay at a sleep clinic. It wasn't until my consult to review the results that I learned the owner of the clinic was Egyptian — his office was full of Egyptian artifacts. I believe I was affected by the atmosphere of that place. The spirit of Egypt stayed with me, and it came out in the work.

Being spiritually sensitive, this left me with real questions. What spirit had influenced me? I didn't have an answer at the time.

That's part of why this recent discovery meant so much to me. Going back through the catalog, I learned the painting had gone to Delaware, Ohio, into the collection of John A. Kohan — former New York Times foreign correspondent, sacred art collector, and curator of the Sacred Art Pilgrim Collection. John collects sacred and spiritual art from around the world. I could not have asked for a more fitting home for this piece.

And then there's the part I learned even earlier, in 2020. I had the privilege of being part of a prayer team covering an apostolic journey to Israel. During that time, Holy Spirit opened my eyes to Isaiah 19 — Egypt's prophetic destiny.

"In that day there will be an altar to the LORD in the heart of Egypt." Isaiah 19:19

That passage stopped me. Egypt — the historic house of slavery in Israel's memory — is named in Isaiah as part of a future blessing with Israel and Assyria. Not erased. Not discarded. Named.

This isn't only an old passage to me. The "Isaiah 19 Highway" language I encountered in intercessory and prophetic circles points to something many believe is unfolding now — in this generation, not a distant one.

EGYPT: How my biggest sale wasn't just about money

I've been doing some admin work on my website lately — going through my art catalog, piece by piece. When I got to EGYPT, I found myself digging into its history, including who had actually bought it through Saatchi Art. What I found gave me a real lift, and underscored just how much this piece mattered.

Let me back up.

In 2017, I painted EGYPT in my studio in Oakville — pyramids under a moonlit sky, acrylic on canvas, 16×20 inches. It came fast. I remember knowing, even as I painted it, that it was special. It sold within a few days of being uploaded to Saatchi.

But the painting had a strange beginning. I had personally always associated dark things with Egypt. And I painted this piece in the week after an overnight stay at a sleep clinic. It wasn't until my consult to review the results that I learned the owner of the clinic was Egyptian — his office was full of Egyptian artifacts. I believe I was affected by the atmosphere of that place. The spirit of Egypt stayed with me, and it came out in the work.

Being spiritually sensitive, this left me with real questions. What spirit had influenced me? I didn't have an answer at the time.

That's part of why this recent discovery meant so much to me. Going back through the catalog, I learned the painting had gone to Delaware, Ohio, into the collection of John A. Kohan — former New York Times foreign correspondent, sacred art collector, and curator of the Sacred Art Pilgrim Collection. John collects sacred and spiritual art from around the world. I could not have asked for a more fitting home for this piece.

And then there's the part I learned even earlier, in 2020. I had the privilege of being part of a prayer team covering an apostolic journey to Israel. During that time, Holy Spirit opened my eyes to Isaiah 19 — Egypt's prophetic destiny.

"In that day there will be an altar to the LORD in the heart of Egypt." Isaiah 19:19

That passage stopped me. Egypt — the historic house of slavery in Israel's memory — is named in Isaiah as part of a future blessing with Israel and Assyria. Not erased. Not discarded. Named.

This isn't only an old passage to me. The "Isaiah 19 Highway" language I encountered in intercessory and prophetic circles points to something many believe is unfolding now — in this generation, not a distant one.

That passage answered my question about the painting. But it gave me something bigger than that, too. It showed me the heart of God for that nation. His character. His redemptive nature, always. He is so much bigger than my mind can comprehend. His ways are not my ways. He is good and faithful — and I am so limited by my own perspective.

I didn't know any of this when I painted EGYPT. I knew pyramids. I knew a sky that felt like prophecy. I knew the painting was special, and I knew it carried something I couldn't fully name. But God knew what He was saying.

This is what keeps happening to me — I rediscover how prophetic a piece turns out to be, and it makes me take the work more seriously. The painting isn't just illustration or planned symbolism. It can be something the Spirit was brooding over before I understood it myself, sometimes before the world caught up to it too.

EGYPT taught me that.

Have you ever made something, prayed something, or painted something — and only understood what it meant, or watched it come true, years later?

Eh bien, cela a été l’un de ces moments wow pour moi... Je les trouve parfois lorsque je faisais juste un peu n'importe quoi dans mon studio... donc pour celui-ci, je faisais simplement des expériences avec des éponges et des encres acryliques diluées.. J'ai commencé sur une toile et j'ai constaté que les couleurs n'absorbaient pas bien... j'ai donc changé pour du papier.. comme d'habitude, je photographie souvent mon travail et j'aime utiliser un filtre d'inversion des couleurs dans une application que j'utilise.. et puis voilà.. la dernière photo est en fait l'originale.. comme je l'ai dit, les deux autres ont leurs couleurs inversées.. donc dans mon esprit je me fiche vraiment des agents anti-IA ici.. Je pense que dans ce cas l'œuvre parle d'elle-même.. bienvenue à ceux qui aimeraient décider laquelle vue est meilleure, ou plus prononcée.. pour l'original, comme le suggère le titre, j'ai simplement embrassé le chaos du moment.. puis surprise.. j'obtiens ce résultat.. pour moi, je crois que cela pourrait être un nouveau type de style pour moi et que je vais le travailler et le développer.. Merci, profitez-en.

Pour moi, cela ne commence généralement pas par une image entièrement formée dans ma tête. Je commence par la couleur, le mouvement, l'atmosphère ou un sens d'invitation. Je trace des marques. Je réponds. Je regarde. J'attends. Je ne cesse de me demander : Qu'est-ce que cela devient ? Qu'est-ce que tu me montres ici ?

Parfois, le sens arrive pendant que je peins. Parfois il vient plus tard. Généralement je suis en train de prier. À un moment, ce que je vois commence à suggérer de quoi parle l'œuvre.

Est-ce parce que c'est ce que cela est censé être ? Ou est-ce que je vois ce qui est déjà en moi ? Je pense que c'est les deux. Le Saint-Esprit éclaire ce qu'Il dit — et tu es capable de le recevoir grâce à ta relation avec Lui, avec la Parole, et à ta marche. Des entrailles de ton être jailliront des fleuves d'eau vive. Je dirais des fleuves de couleur vive.

C'est l'une des raisons pour lesquelles j'aime l'art prophétique. Ce n'est pas toujours une illustration. Parfois, c'est une découverte.

Une fois que je sais de quoi parle l'œuvre et que j'ai accroché la composition, l'artiste en moi prend vraiment plaisir au travail technique — pousser pour faire ressortir le message de manière de plus en plus picturale.

Je reviens souvent à des peintures plus anciennes et les pousse plus loin. Ma compréhension s'est accrue. Ma compétence s'est accrue. Pourquoi la peinture n'irait-elle pas plus loin ?

Je pense à mes peintures comme à mes enfants. Prendre des photos sur iPhone à chaque étape ressemble un peu à photographier vos enfants qui grandissent. Ils devraient grandir.

J'aimerais entendre les autres ici : Est-ce que vous revenez jamais sur une œuvre terminée — ou une peinture vous paraît-elle terminée une fois que vous l'avez posée ?

Terre du Soleil Levant, 12 x 12 pouces en acrylique sur toile montée sur panneau

Anne Reid m'a demandé de republier cette histoire de General dans cette communauté, pensant que cela pourrait vous intéresser tous.

-------------------

Vous êtes‑vous déjà aperçu que, bien souvent, lorsque vous prenez les décisions « justes » et responsables pour votre tête, elles viennent souvent au détriment de votre cœur ? Même si le désir de votre cœur est encore un besoin élémentaire non exprimé, la vie a sa façon de vous obliger à ne plus nier ces désirs enfouis, et pour moi c'était l'art.

Poursuivre l'art était une trajectoire professionnelle jugée irresponsable qu'on m'avait répétée maintes fois. Choisis quelque chose dans lequel tu serais doué et qui te permettrait de subvenir à tes besoins. Ce n'est que bien plus tard, à la lumière de la carrière réussie de ma mère en tant qu'artiste, que je compris l'ironie de ces messages.

Alors j'ai mis mon cœur de côté. J'ai tenu une année entière à l'université, faisant des choix responsables, travaillant dur dans ma licence en sciences humaines afin d'être préparé à devenir enseignant un jour. Franchement, je n'avais pas le temps de réfléchir, car je travaillais aussi à temps plein pour payer mes études. Trop de réflexion pourrait facilement me faire dévier, je le savais. Je ne laisserais pas cela arriver. Mes objectifs étaient écrits aussi bien que mon calendrier pour les atteindre.

J'ai tenu neuf mois. J'ai tenu jusqu'à mon premier été à l'université.

Dépourvu de pouvoir le supporter plus longtemps, j'ai avalé ma peur et mes sentiments d'infériorité quand il s'agissait d'art, et je me suis inscrit à un cours de peinture lors de ce premier été après ma première année à l'université, en 1979. L'artiste-enseignant ralluma le feu en moi. Son nom était André Andreoli, le peintre néerlandais romantique du paysage du XIXe siècle le plus célèbre au monde vivant à cette époque, et il rendait visite à Santa Barbara cet été-là. Né aux Pays‑Bas, mais fils d'un homme d'affaires prospère de Milan, je ne saurai jamais comment il a fini par enseigner un cours à Westmont cet été-là, mais je le vois aujourd'hui comme une impulsion directe de Dieu.

Dire qu'André était excentrique, énigmatique et une force de la nature serait un euphémisme ! Dix personnes s'étaient inscrites à ce cours d'été. Dès la deuxième semaine, huit ont abandonné car il était si exigeant et méticuleux, et sa personnalité italienne impulsive déconcertait les étudiants chrétiens protégés. Il était un peu terrifiant au début ! Je m'attendais à ce qu'il annule le cours, laissant seulement deux d'entre nous, car il travaillerait essentiellement gratuitement; après tout je n'en faisais qu'auditer le cours. Le besoin de peindre me semblait griffer mon âme, alors l'absence de crédit n'avait pas d'importance pour moi. Je me souviens de lui, là devant Cathy et moi, un homme mince et osseux, qui semblait vibrer d'énergie, dégageant une impression de force farouche. Ses longs cheveux noirs épars tombaient en désordre autour de ses épaules, il était comme quelqu'un que l'on verrait dans un film mettant en scène des artistes de la Renaissance.

« Eh bien, maintenant je ne suis plus que vous deux. » Nous avons attendu, incertains de ce qu'il dirait ensuite. Allait-il annuler le cours ? Puis il ajouta : « Les deux seuls qui tiennent à être ici. » Il grogna. « Pour les autres, bon débarras ! » Il leva son bras pour appuyer ses mots. « Maintenant, nous pouvons enfin commencer à travailler ! » Nos yeux s'élargirent sur le rire retenu, mais nous nous sommes tous deux mis à acquiescer avec enthousiasme, bien que quelque peu nerveusement. Je poussai un soupir de soulagement, ce qui m'attira un regard aigu de son nez long, suivi d'un léger sourire en coin, aussi proche d'un sourire que j'avais vu de lui jusqu'à ce moment-là. Oh oui, il était un peu effrayant, mais mon besoin brûlant de peindre dépassait largement mes sentiments et ma sensibilité, et honnêtement, il y avait cette passion intérieure, insatiable pour Dieu et l'art, qui semblait le consumer. C'était totalement contagieux.

Cathy et moi sommes restées pour l'été, le cours devenant davantage un studio de mentorat privé pour deux jeunes femmes passionnées par l'art.

C'était un cours difficile, émotionnellement et sur le plan de l'apprentissage pour moi. Il fulminait contre moi, le moins douée des deux étudiantes, agitant souvent les mains en l'air et ses longs cheveux noirs claquant autour de lui dans une consternation italienne bruyante et dramatique. Parfois il lançait son pinceau à travers la pièce par frustration. Il me saisissait la main et criait : « Non ! NON ! Comme ceci ! » en guidant la ligne et la pression du pinceau pour m'aider à « sentir » la peinture et créer une ligne précise.

Avec soin, j'ai peint, puis repeins encore et encore, travaillant souvent tard dans la nuit après le travail, en essayant d'appliquer l'apprentissage à la peinture d'une façade italienne. Mon résultat était très médiocre au mieux, mais je le garde comme souvenir d'André et des leçons sur la peinture, l'art, la vie et Dieu que j'ai apprises de lui cet été-là. De temps en temps, j'ai l'idée d'y ajouter, de le peaufiner, de le finir, avec les compétences que quarante années depuis m'ont enseignées, mais je n'ai pas voulu le décevoir après tout le temps et les efforts qu'il avait mis en moi cet été-là.

Plus tard dans le cours, je lui ai demandé pourquoi il avait décidé d'enseigner le cours avec seulement deux personnes, et moi de n'en être qu'auditrice à 25 dollars parce que je ne pouvais pas me permettre le prix des crédits. Il a dit qu'il ne se souciait pas de l'argent, mais qu'il se souciait de la flamme. « J'ai vu la flamme dans tes yeux. » Il a dit que c'était tout ce qu'il avait besoin de voir chez un étudiant… une « flamme intérieure pour peindre ». Il m'a dit : « Je ne peux pas enseigner à un étudiant à avoir la flamme, ils l'ont soit, soit ils ne l'ont pas. Je peux enseigner la compétence, la flamme je ne peux pas. »

En regardant rétrospectivement ma propre carrière d'enseignante et d'enseignante en arts, je peux tout à fait comprendre et partager ces sentiments. Je peux encore citer les élèves que j'ai eus en 38 ans qui avaient cette « flamme intérieure pour peindre »... Carlie, Anna, Liam, Alexis, Eliana, Kayvon, Jordan, Harry et Olivia.

Avoir l'opportunité de travailler avec André Andreoli, un peintre de renommée mondiale, est un cadeau précieux que je n'ai jamais pris à la légère.

Quarante‑cinq ans plus tard, après cette longue carrière d'enseignement que j'ai accomplie, je suis retournée à mon premier amour, la peinture, et je peins avec ce feu et cette passion que j'aimais tant chez André. Bien que mon style soit différent, l'influence romantique de mes premiers cours avec lui se manifeste dans l'art que je réalise aujourd'hui... et moi aussi, je peins pour, espérons-le, glorifier Dieu et partager l'amour et la beauté qui nous ont été donnés par le Créateur suprême. Merci, André Andreoli.

Iryna Belova-Smorzh est une artiste ici à Arthelper. Son travail est exquis... le thème de ce post s'accorde avec ce groupe, alors je voulais le partager. C'est le mieux que je puisse faire. Vous devez cliquer sur le lien pour le voir.

https://www.arthelper.com/community/portraitart/post/the-pain-of-disappointment

Les mains de ce tableau sont les miennes.

Cette peinture s'appelle Community. J'ai peint l'original à l'aquarelle en 2007 à la Maison nationale de prière à Ottawa, après avoir donné la seule nourriture que j'avais apportée à une femme sur le trottoir qui en avait plus besoin que moi.

Des années plus tard, la vie a imité l'art.

En 2022, Community est devenue une reproduction qui a été utilisée comme cadeau de remerciement pour les donateurs majeurs de Kids Against Hunger Canada. Une peinture qui a commencé par un petit acte de don est devenue partie d'une histoire de don bien plus vaste.

Voilà l'une des choses que j'aime dans l'art prophétique. Les peintures ont une vie qui leur est propre et l'histoire se déploie avec le temps.

Pour moi, Community est enraciné dans Ésaïe 58 — le vrai jeûne exprimé par la miséricorde, le partage et le soin de la personne qui est devant nous.

D'ailleurs... l'imprimeur l'a encadré à l'envers, ce que j'ai découvert en regardant la publication sur Facebook. J'ai dû le faire refaire.

Je suis Matt Tommey depuis des années et j'ai même eu l'occasion de l'interviewer lors d'un Facebook Live. Il est à l'avant-garde de la communauté des arts chrétiens à l'échelle mondiale. Avec de vrais succès artistiques dans le monde réel, à l'intérieur comme à l'extérieur des murs de l'Église, il prend son mandat de lever une armée d'artistes chrétiens très au sérieux. Il démontre que l'idée de l'artiste affamé est fausse et vous montre comment vous connecter à Dieu et à son plan pour votre parcours artistique. Sa tradition de foi est chrétienne évangélique charismatique.

https://thrive.matttommeymentoring.com/yourartmatterstogod

Le but de cette œuvre était de se connecter directement avec le subconscient afin de transmettre l'impression que ceci est quelque chose que certains ont déjà vu.

Le début de cette histoire n'est pas ce à quoi vous vous attendiez.

Avant que je peignais sérieusement, quelqu'un a prononcé quelque chose sur moi — ce que ceux de ma tradition de foi appelleraient une parole prophétique : une impression guidée par l'Esprit, prononcée à voix haute, comme encouragement pour la route à venir. Elle m'a dit que lorsque les gens verraient mon œuvre d'art, la guérison serait libérée. Qu'un nouveau courant de créativité arrivait — et pour moi, cela signifiait quelque chose de significatif. Mon expression créative principale depuis des décennies avait été la danse. Cette parole pointait vers quelque chose d'entièrement nouveau. Que je trouverais des couleurs que je n'avais vues qu'au ciel, et que l'onction du Seigneur serait sur elle.

Je n'avais pas mérité cette parole. Je n'avais encore rien prouvé. Elle a été donnée avant que l'œuvre n'existe.

Et puis, dans l'année qui a suivi, j'ai traversé l'une des saisons les plus difficiles de ma vie. Une trahison importante. Un écrasement. Cela s'est produit dans un contexte dans lequel je m'étais investie, ce qui l'a rendu encore plus douloureux.

L'art a toujours fait partie de ma vie. Mais sans cet écrasement, je crois que je serais restée là où j'étais à l'aise et familière — dans la danse, dans ce que je connaissais déjà. L'écrasement ne m'a pas seulement blessée. Il m'a poussée. Il a ouvert de nouveaux terrains, un nouveau territoire vers lequel je ne serais jamais allée autrement. Créer est devenu une partie de ma guérison. Mais cela est aussi devenu quelque chose que je n'aurais jamais trouvé si tout était resté intact.

Alors, quand j'ai commencé à partager mon travail, je ne publiais pas à partir de la force. Je publiais à partir d'un endroit bien plus tendre que cela. Chaque tableau achevé était publié. Constamment. Pendant dix ans.

Au début, les peurs étaient toutes là. Que va-t-on penser de moi ? Et si personne ne répond ? Et s'ils pensent : qui croit-elle être ?

Je savais déjà ce que signifiait le rejet. Cela n'a pas facilité la prise de risque à nouveau. D'une certaine manière, cela l'a rendu plus difficile.

Mais j'ai quand même publié.

Voici ce que dix ans à faire cela m'ont appris.

La peur est une foi mal placée. C'est la foi que quelque chose de mauvais va se passer — et plus vous y croyez, plus vous lui donnez de pouvoir. Vous ne pouvez pas vivre dans la peur et dans la foi en même temps. Ils ne peuvent pas occuper le même espace.

Vous ne pouvez pas attendre d'être parfaite pour commencer. Et vous ne pouvez pas laisser ce que pensent les autres vous arrêter — car la vérité est que la plupart des gens ne pensent pas à vous de toute façon. Quelle que soit leur réaction à votre travail, ou l'absence de réaction, elle dépend davantage d'où ils en sont que de où vous en êtes.

Cette prise de conscience m'a libérée. Le silence après une publication, le défilement sans réagir, l'absence de réponse — rien de tout cela n'était un verdict. Ce n'était que des gens qui vivaient leur vie.

Dans la tradition dont je viens, la prophétie fonctionne de la même façon. Vous prenez le risque d'exprimer à voix haute une impression discrète et calme. Vous pourriez avoir tort. On pourrait vous ignorer. Mais vous apprenez à séparer votre valeur de la réaction. Tout le processus créatif est très similaire — vous risquez de mettre sur la toile quelque chose qui vient de quelque part au plus profond de vous, puis vous le publiez pour que le monde le voie.

Cette peinture s'appelle Foi.

Elle ne se tient pas en sécurité. Elle est debout dans le feu — les bras ouverts, penchée vers la lumière. Je comprends cette posture maintenant d'une manière que je n'aurais pas pu comprendre avant l'écrasement. La foi qui n'a jamais été éprouvée ne ressemble pas à cela. C'est la foi qui sait ce que ressent le feu et qui s'ouvre quand même.

Une note sur cette image, car la transparence compte pour moi et pour cette communauté.

L'impression que vous voyez ici n'est pas générée par IA. Elle a commencé comme une peinture acrylique originale sur papier — vous pouvez voir l'original ci-dessus — que j'ai ensuite montée sur un panneau. Pour la version imprimée, j'ai utilisé un outil d'édition photo pour procéder à des ajustements, le plus significatif étant l'ajout d'un rétroéclairage. C'était l'une de mes premières expériences consistant à prendre une œuvre originale faite à la main et à la développer pour des tirages.

Je documente ce processus en détail dans les notes d'intégrité sur mon site Web pour toute œuvre dont l'impression diffère sensiblement de l'original. Je pense que les artistes qui naviguent dans cet espace — où les outils numériques rencontrent le travail original — doivent à leurs collectionneurs et à leur communauté cette honnêteté. Je m'y engage.

Après une décennie à partager mes œuvres de manière constante, je peux dire sans faute que je n'ai plus peur de publier. Non pas parce que la peur ne vient plus — mais parce que la répétition a changé ma relation avec elle. J'ai cessé de la laisser prendre les décisions.

J'ai vécu la même chose récemment lorsque j'ai lancé le groupe Art Prophétique ici sur ArtHelper. Même hésitation. Les gens comprennent-ils cela ? Est-ce trop spécialisé ? Suis-je la seule ici à penser ainsi ?

Je l'ai quand même lancé. Il y a maintenant environ 100 membres.

Ce que j'apprends — encore et toujours —, c'est comment parler de ce que je porte d'une manière qui ouvre des portes plutôt que de les fermer. Cela n'arrive pas en privé.

Si vous retenez quelque chose — une peinture, une direction créative, quelque chose que vous ressentez mais que vous n'avez pas encore publié — je veux dire ceci tout simplement :

La liberté ne vient pas avant le risque. Elle vient parce que vous avez continué à vous présenter, même quand vous aviez encore peur.

Et parfois, la chose la plus puissante que vous puissiez offrir aux autres est l'œuvre que vous avez créée pendant que vous vous guérissiez encore.

Publiez-la. Quelqu'un peut avoir besoin exactement de ce que vous avez créé.

Quelle est une pièce que vous avez hésité à partager ? Déposez-la ci-dessous — j'aimerais vraiment la voir.👇

Il y a des moments dans la vie d'un artiste où quelque chose se produit tranquillement, presque sans transition, et pourtant on sait que c'est le fruit de années d'efforts.

Récemment, deux tirages d'art se sont vendus sur mon site Web Art Storefronts. Les deux étaient basés sur des peintures que j'avais créées il y a des années — des œuvres qui m'ont semblé profondément significatives dès le départ, même si elles n'avaient pas encore trouvé leurs premiers collectionneurs d'impressions.

L'un était Pentecôte. L'autre était La Pomme.

Les deux peintures avaient, dès leur création, une signification prophétique pour moi. Elles n'étaient pas des œuvres anodines. Elles n'étaient pas seulement des images décoratives. Elles découlaient de la prière, de la conviction, de la couleur, du symbolisme et d'un sentiment que l'image portait quelque chose qui la dépassait.

Et puis, pendant longtemps, rien ne s'est passé.

Voilà l'une des disciplines étranges d'être artiste. On peut savoir, très profondément, qu'une œuvre compte — et devoir attendre encore la bonne personne, le bon moment, le bon instant de reconnaissance.

Ces ventes récentes m'ont rappelé que la vision suit souvent une longue trajectoire.

Un acheteur était un client récurrent. Un autre était quelqu'un qui suit mon travail depuis des années et qui a soudainement décidé d'en faire l'acquisition. Dans les deux cas, la beauté du moment n'était pas seulement que le tirage se soit vendu. C'était que le message prophétique de l'œuvre résonnait chez la personne qui le recevait.

Cela compte pour moi.

Bien sûr, je suis reconnaissant pour le volet commercial de tout cela. Je suis reconnaissant que le site Web ait fonctionné, que le processus de commande ait été sans accroc, et qu'un système que j'avais envisagé il y a des années commence à faire ce pour quoi il a été conçu: permettre aux gens de découvrir et de collectionner des œuvres porteuses de sens même lorsque je ne suis pas personnellement devant eux pour les expliquer.

Mais la joie la plus profonde est la suivante : les peintures ont trouvé des personnes qui comprenaient pourquoi elles existaient.

C'est la partie qui me touche le plus.

Les artistes doivent souvent agir par la foi. Nous créons l'œuvre avant de savoir où elle ira. Nous créons le site Web avant l'arrivée de tous les acheteurs. Nous rédigeons les textes, prenons les photographies des peintures, téléchargeons les produits, organisons les archives et continuons à nous présenter bien avant qu'il n'y ait un élan visible.

Parfois, cela peut sembler insensé.

Mais alors, soudain, quelqu'un qui suit mon travail depuis des années passe à l'action. Un collectionneur récurrent revient. Une peinture créée il y a longtemps parle à nouveau au présent.

C'est alors que la vision porte ses fruits.

Pas parce que tout devient facile.

Mais parce que le travail long et invisible commence à porter ses fruits.

J'ai toujours cru que l'art prophétique peut rencontrer les gens au niveau du sens. Non seulement la couleur, non seulement la composition, non seulement la beauté — mais la reconnaissance. Un sentiment que quelque chose dans l'œuvre parle à quelque chose en eux.

Ainsi, lorsque quelqu'un écrit avec joie qu'il commande enfin une pièce, ou me dit qu'il attend avec impatience une autre, je ne prends pas cela à la légère.

Cela me montre que l'œuvre est toujours vivante.

Cela montre que le message voyage encore.

Cela me montre que des peintures réalisées il y a des années peuvent encore arriver à temps.

Tellement heureux !

Bonjour, communauté - ceci est un petit message de soutien pour mon amie Ruth Fazal.

\"Je suis tellement heureux(se) d'annoncer enfin la sortie de CREATION - Le Film.\"

Je crois que ce film est quelque chose de très unique, bien au-delà de ce que j'aurais pu imaginer lorsque j'ai écrit la musique pour la première fois.

Après avoir terminé la musique, j'ai su qu'elle devait être présentée sous une forme visuelle, et j'ai donc approché un ami artiste de longue date, Kevin Moffatt, pour créer une série de peintures abstraites sur le thème de la Création. Ce film réunit la musique et l'art, et au fur et à mesure que vous regardez, vous verrez les peintures littéralement prendre vie.

Cliquez sur l'image ci-dessous pour regarder la bande-annonce et assurez-vous ensuite de transmettre cet e-mail à vos amis. J'ai hâte d'entendre votre réaction après avoir regardé le film. Je sollicite votre aide pour faire connaître ce projet partout...

Profitez-en !

Les plus grandes bénédictions, Ruth Ruth Fazal

Une fusion à couper le souffle de musique et d'art visuel ramenant l'histoire de la Genèse au présent. Grâce à une technologie avancée, l'œuvre bouge, grandit et se transforme — vous invitant à une création vivante qui réveille l'imagination et l'âme.

MUSIQUE Ruth Fazal

ART Kevin Moffatt

TEXTE Genèse 1-2:3

\"Au commencement, Dieu créa les cieux

et la terre...\"

Pour plus d'informations, visitez

https://www.ruthfazal.com/ création

https://www.mannaart.com

Voir moins

À première vue, c'est un peu bizarre et surnaturel d'une manière étrange, mais une montagne en feu, avec une voix tonitruante et des tremblements, n'était pas exactement un paysage agréable pour les gens qui quittaient l'Égypte ou pour Moïse, qui disait littéralement qu'il tremblait à sa vue.

Je ne pense pas que cela provoque trop de tremblements, mais il y a une force surnaturelle et un mouvement dans les rythmes des lignes et des mouvements dans les lignes des arbres (Dieu merci, Van Gogh a eu l'idée avant moi !)

Il y a un sentiment d'eau qui coule et de vie qui se lève, même si l'arbre est littéralement mort, il transporte une force et une énergie. L'arrière-plan avec les canyons et les buissons, et ces rouges brûlants, évoquait une vie surnaturelle, des êtres angéliques qui l'entourent. Le feu et l'eau, séparés mais qui s'animent l'un l'autre. Le feu et l'eau étaient souvent des symboles de l'esprit et de la présence de Dieu dans la Bible, alors quand j'ai vu cet arbre mort et l'arrière-plan sur une photographie, j'ai pensé à les associer.

Parfois, nous présentons les choses spirituelles comme belles et flottantes, et pourtant chaque fois que quelqu'un voyait un ange, il était terrifié et l'ange devait leur dire de ne pas craindre. Cela donne à réfléchir à quoi ils pouvaient physiquement ressembler pour provoquer une telle agitation. Je ne pense pas qu'ils étaient beaux du tout, mais plutôt un peu redoutables, pour faire tomber Daniel à genoux.

Commission pour le parc RV Saugeen Springs dépeignant le rêve de la propriétaire pour son entreprise du royaume :)

Une des raisons pour lesquelles l'abstraction est importante dans l'art spirituel, c'est qu'elle ne force pas le spectateur à tirer une conclusion littérale trop rapidement.

Une image littérale peut vous dire ce que vous regardez.

Mais l'abstraction peut créer un espace pour la rencontre.

Elle peut porter du mouvement, du poids, de l'atmosphère, du feu, du repos, de la tension, de la miséricorde, de la lumière ou de la présence d'une manière qui se ressent avant d'être expliquée.

Pour moi, c'est souvent là que commence l'art prophétique — pas dans la décoration, ni dans l'ambiguïté, mais en cherchant à être fidèle à quelque chose perçu en prière qui est plus profond que l'illustration seule.

Je suis curieux de savoir comment les autres ici vivent cela :

Trouvez-vous que l'abstraction peut parfois exprimer des choses spirituelles plus fidèlement qu'une image plus littérale ?

Ou ressentez-vous être le plus connecté au travail lorsque l'imagerie est plus clairement définie ?

Présenté ici : Avent 7

#ArtProphétique
#ArtSpirituel
#ArtAbstrait
#ArtHumaine
#ProcessusCréatif
#FoiEtArt
#ArtContemporain
#AnneReidArtiste