Arte Profética & Criatividade Espiritual

I've been quiet here for the past couple of weeks. Not because I had nothing to say, but because I had too much to say and no idea how to say it well.

On June 18th, Canada's Bill C-9 received Royal Assent. Around the same time, Bill C-22 has been moving through committee — legislation that would compel digital platforms to retain metadata and build in surveillance capability at the request of law enforcement. Different bills, different mechanisms, but the same question underneath both: what happens to expression — religious, artistic, prophetic — when the boundaries of what's "acceptable" to say get redrawn by people who were never going to like what you say in the first place?

Here's what makes this personal for me specifically. Bill C-9 removed something called the "good faith religious expression" defence from Canada's hate speech law — a provision that previously protected people who, in good faith, expressed an opinion on a religious subject or a belief grounded in a religious text. That protection is gone now.

I make prophetic art. That's not a vague spiritual aesthetic — it means the names, the stories, and the meaning behind my paintings come directly out of Scripture. Faith. Rivers of living color, my own riff on John 7:38. These aren't decorative titles. They're sincerely held religious beliefs I'm putting into paint, the same way someone else might put them into a sermon or a written testimony. My process — discovery over illustration, letting the composition lock in real time as I pray and paint — is itself an act of faith, not just a technique.

I'm not a lawyer, and I'm not going to pretend I've read every clause of either bill or that I know exactly how this will be applied. But I know what it means that the specific legal protection for religious expression — the kind of expression my entire body of work is built on — no longer exists the way it did a month ago. That's not a hypothetical. That's the actual change.

Right after I read the news, I watched the movie Leonie. Near the end, there's a quote that undid me:

"Your art will be your weapon. Your art will be your voice. There're no boundaries for an artist, no borders. Through art you can speak all languages and live a magnificent life, anywhere." —Leonie

I sat with that for a long time. Because here's the thing I keep coming back to: fear and faith cannot coexist. Fear is misplaced faith — faith pointed at the wrong outcome. Legislation, whatever its actual reach turns out to be, can become a very effective tool for cultivating fear in artists who would otherwise be brave enough to name the source of what they make.

So this is my decision, stated plainly: I am going to keep painting what Holy Spirit shows me. I am going to keep naming my paintings what they actually are — biblical, prophetic, rooted. I am going to keep being transparent about my process, because transparency is part of my integrity as an artist — even now, maybe especially now. If a painting is going to grow up over years the way mine do, it needs to be born honest.

I don't know yet what either of these bills will mean in practice, for me or for anyone else who creates work that speaks into faith or conscience. What I do know is that I'd rather be vulnerable on a canvas than silent out of fear.

Rivers of living color don't ask permission to flow.

I'd love to hear from you — has anything in the current cultural climate made you hesitate before naming what your work is really about?

I've been doing some admin work on my website lately — going through my art catalog, piece by piece. When I got to EGYPT, I found myself digging into its history, including who had actually bought it through Saatchi Art. What I found gave me a real lift, and underscored just how much this piece mattered.

Let me back up.

In 2017, I painted EGYPT in my studio in Oakville — pyramids under a moonlit sky, acrylic on canvas, 16×20 inches. It came fast. I remember knowing, even as I painted it, that it was special. It sold within a few days of being uploaded to Saatchi.

But the painting had a strange beginning. I had personally always associated dark things with Egypt. And I painted this piece in the week after an overnight stay at a sleep clinic. It wasn't until my consult to review the results that I learned the owner of the clinic was Egyptian — his office was full of Egyptian artifacts. I believe I was affected by the atmosphere of that place. The spirit of Egypt stayed with me, and it came out in the work.

Being spiritually sensitive, this left me with real questions. What spirit had influenced me? I didn't have an answer at the time.

That's part of why this recent discovery meant so much to me. Going back through the catalog, I learned the painting had gone to Delaware, Ohio, into the collection of John A. Kohan — former New York Times foreign correspondent, sacred art collector, and curator of the Sacred Art Pilgrim Collection. John collects sacred and spiritual art from around the world. I could not have asked for a more fitting home for this piece.

And then there's the part I learned even earlier, in 2020. I had the privilege of being part of a prayer team covering an apostolic journey to Israel. During that time, Holy Spirit opened my eyes to Isaiah 19 — Egypt's prophetic destiny.

"In that day there will be an altar to the LORD in the heart of Egypt." Isaiah 19:19

That passage stopped me. Egypt — the historic house of slavery in Israel's memory — is named in Isaiah as part of a future blessing with Israel and Assyria. Not erased. Not discarded. Named.

This isn't only an old passage to me. The "Isaiah 19 Highway" language I encountered in intercessory and prophetic circles points to something many believe is unfolding now — in this generation, not a distant one.

EGYPT: How my biggest sale wasn't just about money

I've been doing some admin work on my website lately — going through my art catalog, piece by piece. When I got to EGYPT, I found myself digging into its history, including who had actually bought it through Saatchi Art. What I found gave me a real lift, and underscored just how much this piece mattered.

Let me back up.

In 2017, I painted EGYPT in my studio in Oakville — pyramids under a moonlit sky, acrylic on canvas, 16×20 inches. It came fast. I remember knowing, even as I painted it, that it was special. It sold within a few days of being uploaded to Saatchi.

But the painting had a strange beginning. I had personally always associated dark things with Egypt. And I painted this piece in the week after an overnight stay at a sleep clinic. It wasn't until my consult to review the results that I learned the owner of the clinic was Egyptian — his office was full of Egyptian artifacts. I believe I was affected by the atmosphere of that place. The spirit of Egypt stayed with me, and it came out in the work.

Being spiritually sensitive, this left me with real questions. What spirit had influenced me? I didn't have an answer at the time.

That's part of why this recent discovery meant so much to me. Going back through the catalog, I learned the painting had gone to Delaware, Ohio, into the collection of John A. Kohan — former New York Times foreign correspondent, sacred art collector, and curator of the Sacred Art Pilgrim Collection. John collects sacred and spiritual art from around the world. I could not have asked for a more fitting home for this piece.

And then there's the part I learned even earlier, in 2020. I had the privilege of being part of a prayer team covering an apostolic journey to Israel. During that time, Holy Spirit opened my eyes to Isaiah 19 — Egypt's prophetic destiny.

"In that day there will be an altar to the LORD in the heart of Egypt." Isaiah 19:19

That passage stopped me. Egypt — the historic house of slavery in Israel's memory — is named in Isaiah as part of a future blessing with Israel and Assyria. Not erased. Not discarded. Named.

This isn't only an old passage to me. The "Isaiah 19 Highway" language I encountered in intercessory and prophetic circles points to something many believe is unfolding now — in this generation, not a distant one.

That passage answered my question about the painting. But it gave me something bigger than that, too. It showed me the heart of God for that nation. His character. His redemptive nature, always. He is so much bigger than my mind can comprehend. His ways are not my ways. He is good and faithful — and I am so limited by my own perspective.

I didn't know any of this when I painted EGYPT. I knew pyramids. I knew a sky that felt like prophecy. I knew the painting was special, and I knew it carried something I couldn't fully name. But God knew what He was saying.

This is what keeps happening to me — I rediscover how prophetic a piece turns out to be, and it makes me take the work more seriously. The painting isn't just illustration or planned symbolism. It can be something the Spirit was brooding over before I understood it myself, sometimes before the world caught up to it too.

EGYPT taught me that.

Have you ever made something, prayed something, or painted something — and only understood what it meant, or watched it come true, years later?

Agora, isso tem sido um daqueles momentos incríveis para mim..Eu às vezes encontro esses quando estou apenas brincando no meu estúdio.. então com este eu estava apenas experimentando com algumas esponjas e tintas acrílicas diluídas.. comecei em uma tela e descobri que as cores não absorviam bem.. então passei para o papel.. como de costume, eu frequentemente fotografo meu trabalho e gosto de usar um filtro de cores invertidas em um aplicativo que eu uso.. e então aí está.. a última foto é, na verdade, o original.. como afirmei, as outras duas têm cores invertidas.. então na minha cabeça não me importo muito com os agentes anti-IA aqui.. Eu acho que, neste caso, o trabalho fala por si mesmo.. bem-vindos àqueles que gostariam de decidir qual visão é melhor, ou mais marcante.. para o original, como sugere o título, eu apenas abracei o caos do momento.. então, surpresa... obtive esse resultado.. para mim, acredito que isso pode ser um tipo mais novo de estilo para mim e vou trabalhar com ele.. Obrigado, aproveite.

Para mim, geralmente não começa com uma imagem completamente formada na minha cabeça. Eu começo com cor, movimento, atmosfera ou uma sensação de convite. Faço marcas. Respondo. Eu olho. Eu espero. Continuo perguntando: O que isso está se tornando? O que você está me mostrando aqui?

Às vezes o significado chega enquanto eu estou pintando. Às vezes chega depois. Normalmente estou orando. Em certo ponto o que vejo começa a sugerir do que a obra trata.

É porque é isso que deveria ser? Ou é que eu vejo o que já está dentro de mim? Eu acho que é os dois. O Espírito Santo ilumina o que Ele está dizendo — e você é capaz de recebê-lo por causa do seu relacionamento com Ele, com a Palavra e com a sua caminhada. Do seu mais íntimo ser fluirão rios de água viva. Eu diria rios de cores vivas.

Essa é uma das razões pelas quais eu amo a arte profética. Nem sempre é ilustração. Às vezes é descoberta.

Quando eu sei sobre o que é a peça e já tenho a composição definida, o artista em mim realmente gosta do trabalho técnico — empurrando para revelar a mensagem em formas cada vez mais pintoras.

Eu frequentemente volto a pinturas mais antigas e as levo adiante. Meu entendimento cresceu. Minha habilidade cresceu. Por que a pintura não iria evoluir?

Eu penso nas minhas pinturas como meus filhos. Tirar fotos com o iPhone em cada estágio é um pouco como fotografar seus filhos crescendo. Elas devem crescer.

Adoraria ouvir de outras pessoas aqui: vocês já revisitam obras finalizadas — ou uma pintura parece pronta assim que é colocada de lado?

Terra do Sol Nascente, 12x12 polegadas em acrílico sobre tela montada em painel

Anne Reid pediu-me para republicar esta história do General para esta comunidade, achando que seria interessante para todos vocês.

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Você já percebeu que muitas vezes, quando você toma decisões “certas” e responsáveis com a cabeça, elas costumam vir às custas do seu coração? Mesmo que o desejo do seu coração ainda seja uma necessidade elemental não expressa, a vida tem uma maneira de tornar impossível continuar negando esses anseios enterrados, e para mim foi a arte.

 Perseguir a arte era um caminho de carreira irresponsável, como me diziam repetidamente. Escolha algo em que você seria boa e que possa lhe permitir sustentar-se. Somente muito depois, à luz da bem-sucedida carreira de minha mãe como artista, eu entenderia a ironia dessas mensagens.

          Então afastei meu coração. Passei um ano inteiro na faculdade, tomando decisões responsáveis, trabalhando duro em meu curso de ciências liberais para estar preparada para entrar no ensino algum dia. Francamente, não tinha tempo para pensar nisso, já que também trabalhava em tempo integral para pagar a minha faculdade. Contemplar demais poderia facilmente me desviar do caminho, eu sabia. Não permitiria que isso acontecesse. Meus objetivos estavam escritos, assim como meu cronograma para alcançá-los.

         Suportei nove meses. Cheguei até o meu primeiro verão na faculdade.

        Incapaz de aguentar mais, engoli meu medo e meus sentimentos de inferioridade quando se tratava de arte, e me matriculei em uma aula de pintura naquele primeiro verão após o meu 1º ano de faculdade, em 1979. O artista-doutor-educador reacendeu o fogo dentro de mim. O nome dele era André Andreoli, o pintor holandês romântico de paisagem do século XIX mais famoso do mundo naquela época, e ele estava visitando Santa Barbara naquele verão. Nascido na Holanda, filho de um empresário de Milão bem-sucedido, talvez nunca saiba como ele acabou lecionando em uma turma na Westmont naquele verão, mas olhando para trás agora vejo nisso o empurrão de Deus direcionando-me.

            Dizer que André era excêntrico, enigmático e uma força da natureza seria pouco! Dez pessoas haviam se inscrito nesta turma de verão. Na segunda semana, oito desistiram porque ele era tão exigente e rigoroso, e sua personalidade italiana impulsiva era desagrador para os estudantes cristãos protegidos da faculdade. Ele ERA um pouco assustador no começo! Eu esperava que cancelasse a aula com apenas dois de nós sobrando, já que ele BASICAMENTE trabalhava de graça; eu apenas fazia auditoria da turma, afinal. A necessidade de pintar parecia ter roído minha alma, então perder o crédito não importava para mim. Lembro-me dele ficar ali diante de Cathy e de mim, um homem magro, esquálido, que parecia vibrar com energia, transmitindo uma sensação de força feroz. Seu cabelo preto comprido, desgrenhado, caía desordenadamente sobre os ombros, ele parecia alguém que você veria em um filme com artistas do Renascimento.

“Bem, agora eu fico com vocês dois.” Esperamos, incertos sobre o que diria a seguir. Cancelaria a aula? Em seguida, ele acrescentou: “Os únicos dois que se importam em estar aqui.” Ele rosnou. “Para os demais, adeus! Ele ergueu o braço para enfatizar suas palavras. Agora, finalmente podemos começar a trabalhar!” Nossos olhos se arregalaram em risos contidos, mas ambos acabamos concordando com entusiasmo, ainda que um pouco nervosos. Soltei um suspiro aliviado, que me valeu um olhar afiado pelo seu nariz longo, seguido por um lento sorriso torto, tão próximo de um sorriso quanto eu tinha visto dele até aquele momento. Ah, sim, ele era um pouco assustador, mas minha necessidade ardente de pintar superava amplamente meus sentimentos e sensibilidade, e, honestamente, havia essa paixão impulsionadora e insaciável por Deus e pela arte que parecia consumi-lo. Era totalmente contagiante.

            Cathy e eu ficamos durante o verão, a turma tornando-se mais um estúdio particular de mentoria para duas jovens apaixonadas por arte. Foi uma aula difícil, emocionalmente e também na curva de aprendizado para mim. Ele falava alto comigo, a menos habilitada das duas alunas, muitas vezes levantando as mãos e seus longos cabelos pretos chicoteando ao redor dele em uma consternação italiana alta e dramática. Às vezes ele jogava o pincel do quarto de frustração. Ele segurou minha mão e gritava, “Não! NÃO! Assim!” enquanto guiava o traço e a pressão do pincel para me ajudar a “sentir” a tinta e criar traços precisos.

Pintei com cuidado, depois pintei de novo e de novo, muitas vezes trabalhando até tarde da noite após o trabalho, tentando aplicar o aprendizado na pintura de uma fachada italiana. Meu resultado era muito medíocre, no melhor dos casos, mas o mantenho por perto como lembança de André e das lições sobre pintura, arte, vida e Deus que aprendi com ele naquele verão. De vez em quando, tenho a ideia de acrescentar a ele, refiná-lo, terminá-lo, com as habilidades que, nos últimos 40 anos desde então, me ensinaram, mas não quis desapontá-lo depois de todo o tempo e esforço que ele dedicou a mim naquele verão.

            Mais tarde no curso, perguntei a ele por que decidiu ensinar a turma com apenas duas pessoas, e eu apenas fazendo auditoria da turma por 25 dólares porque não podia pagar o preço das unidades. Ele disse que não se importava com dinheiro, mas que se importava com o fogo. “Eu vi o fogo nos seus olhos.” Ele disse que era tudo que precisava ver em um aluno…um “fogo interior para pintar.” Ele me disse: “Não posso ensinar a um aluno a ter fogo, ou eles o têm ou não o têm. Habilidade eu posso ensinar, fogo eu não posso.”

Olhando para trás, agora, sobre minha própria carreira como professora e professora de arte, eu posso compreender completamente e ressoar com esses sentimentos. Ainda posso citar aqueles alunos que tive em 38 anos que tinham esse “fogo interior para pintar”... Carlie, Anna, Liam, Alexis, Eliana, Kayvon, Jordan, Harry e Olivia.

            Ter a oportunidade de trabalhar com André Andreoli, um pintor de renome mundial, é um presente precioso que nunca levei como garantido.

Quarenta e cinco anos depois, depois daquela longa carreira de ensino que acabei tendo, voltei ao meu primeiro amor pela pintura e pinto com aquele fogo e paixão que tanto amei em André. Embora meu estilo seja diferente, a influência romântica de minhas lições mais cedo com ele está evidente na minha arte, que percebo agora... e assim também pinto para, espero, glorificar a Deus, e partilhar o amor e a beleza que nos foi dado pelo Criador supremo. Obrigado, André Andreoli.

Iryna Belova-Smorzh é uma artista aqui no Arthelper. O trabalho dela é exquisito... o tema deste post se encaixa neste grupo, então eu quis compartilhá-lo. Este é o melhor que posso fazer. Você precisa clicar no link para ver.

https://www.arthelper.com/community/portraitart/post/the-pain-of-disappointment

As mãos nesta pintura são as minhas mãos.

Esta pintura é intitulada Comunidade. Eu pintei o original como aquarela em 2007 na Casa Nacional de Oração em Ottawa, depois de ter dado a única comida que trouxe comigo para uma mulher na calçada que precisava mais do que eu.

Anos depois, a vida imitou a arte.

Em 2022, Comunidade tornou-se uma impressão que foi usada como presente de agradecimento para grandes doadores da Kids Against Hunger Canada. Uma pintura que começou com um pequeno ato de doação tornou-se parte de uma história muito maior de doações.

Isso é uma das coisas que eu adoro na arte profética. As pinturas têm uma vida própria e a história se desenrola com o tempo.

Para mim, Comunidade está enraizada em Isaías 58 — o jejum verdadeiro expresso por meio de misericórdia, compartilhamento e cuidado com a pessoa à nossa frente.

A propósito... a impressora a moldou-a de cabeça para baixo, o que descobri quando olhei a postagem no Facebook. Tive que mandá-la refazer.

Tenho acompanhado Matt Tommey há anos e tive a oportunidade de entrevistá-lo ao vivo no Facebook. Ele está na vanguarda da Comunidade de Artes Cristãs em todo o mundo. Com sucesso real na arte dentro e fora dos muros da Igreja, ele leva a sério seu mandato de levantar um exército de Artistas Cristãos. Ele prova que a ideia do Artista Faminto é bobagem e mostra como você pode se conectar com Deus e com o plano dele para a sua jornada artística. Sua tradição de fé é Cristã Carismática Evangélica.

https://thrive.matttommeymentoring.com/yourartmatterstogod

O objetivo desta peça foi conectar-se diretamente com o subconsciente para transmitir a sensação de que isso é algo que algumas pessoas já viram antes.

O começo desta história não é o que você pode esperar.

Antes de eu ter pintado seriamente, alguém falou algo sobre mim — o que aqueles na minha tradição de fé chamariam de uma palavra profética: uma impressão guiada pelo Espírito, falada em voz alta, como um incentivo para o caminho à frente. Ela me disse que quando as pessoas vissem minha arte, a cura seria liberada. Que um novo fluxo de criatividade estava chegando — e para mim, isso significava algo significativo. Minha expressão criativa principal por décadas tinha sido a dança. Esta palavra apontava para algo totalmente novo. Que eu encontraria cores que só tinha visto no céu, e que a unção do Senhor estaria sobre isso.

Eu não tinha merecido essa palavra. Ainda não tinha provado nada. Ela foi dada antes do trabalho existir.

E então, no ano que se seguiu, passei por uma das temporadas mais difíceis da minha vida. Uma traição significativa. Um golpe esmagador. Aconteceu num contexto em que eu me entreguei, o que tornou tudo ainda mais profundo.

A arte sempre fez parte da minha vida. Mas sem esse esmagamento, acredito que eu teria ficado onde estava, confortável e familiar — na dança, no que já conhecia. O esmagamento não apenas me feriu. Ele me moveu. Abriu terreno novo, território novo que eu nunca teria entrado de outra forma. Criar tornou-se parte de como eu me curei. Mas também tornou-se algo que eu jamais teria encontrado se tudo tivesse permanecido intacto.

Então, quando comecei a compartilhar meu trabalho, não estava postando a partir de força. Estava postando de um lugar muito mais terno do que aquilo. Cada pintura concluída era publicada. Consistentemente. Por dez anos.

No começo, os medos estavam todos ali. O que as pessoas vão pensar? E se ninguém responder? E se acharem, quem ela pensa que é?

Eu já sabia como a rejeição se sente. Isso não tornou mais fácil arriscar novamente. Em alguns aspectos, tornou mais difícil.

Mas eu postei mesmo assim.

Aqui está o que uma década de fazer isso me ensinou.

O medo é fé mal posicionada. É fé de que algo ruim vai acontecer — e quanto mais você acreditar nisso, mais poder você entrega a ele. Não é possível viver no medo e na fé ao mesmo tempo. Eles não podem ocupar o mesmo espaço.

Você não pode esperar até estar perfeito antes de começar. E você não pode deixar que o que as outras pessoas pensam te impeça — porque a verdade é que, na maioria das vezes, a maioria das pessoas não está pensando em você de qualquer forma. Qualquer resposta que tenham à sua obra, ou a ausência de resposta, é muito mais sobre onde elas estão do que sobre onde você está.

Essa percepção foi libertadora para mim. O silêncio após uma postagem, rolando pela página, a ausência de resposta — nada disso era um veredito. Eram apenas pessoas vivendo suas vidas.

Na tradição de onde eu venho, a profecia funciona da mesma forma. Você se arrisca a falar uma impressão ainda pequena em voz alta. Você pode estar errado. Você pode ser ignorado. Mas você aprende a separar seu valor da resposta. Todo o processo criativo é muito parecido — você arrisca colocar algo em tela que veio de algum lugar profundo dentro de você, e então o publica para o mundo ver.

Esta pintura se chama Fé.

Ela não está em segurança. Ela está no fogo — de braços abertos, inclinando-se para a luz. Eu entendo essa postura agora de uma forma que não poderia antes do esmagamento. A fé que nunca foi testada não parece assim. Esta é a fé que sabe como o fogo se sente e ainda assim se abre.

Uma nota sobre esta imagem, porque a transparência importa para mim e para esta comunidade.

O print que você está vendo aqui não foi gerado por IA. Ele começou como uma pintura acrílica original em papel — você pode ver o original acima — que eu então montei em placa de painel. Para a versão de impressão, usei uma ferramenta de edição de fotos para fazer ajustes, sendo o mais significativo a adição de um holofote. Este foi um dos meus primeiros experimentos em pegar trabalhos originais, feitos à mão, e desenvolvê-los para impressões.

Eu documentei completamente esse processo nas notas de integridade no meu site para qualquer trabalho onde a impressão difere significativamente do original. Acho que artistas que estão navegando nesse espaço — onde ferramentas digitais encontram trabalho original — devem aos seus colecionadores e à sua comunidade essa honestidade. Estou comprometida com isso.

Depois de uma década de compartilhar meu trabalho de forma consistente, posso dizer com honestidade que não tenho mais medo de postar. Não porque o medo parou de vir — mas porque a repetição mudou meu relacionamento com ele. Eu parei de deixá-lo tomar as decisões.

Eu experimentei a mesma coisa recentemente quando comecei o grupo de Arte Profética aqui no ArtHelper. A mesma hesitação. As pessoas vão entender isto? Isso é muito específico? Sou eu o único aqui que pensa assim?

Mesmo assim, comecei. Agora há cerca de 100 membros.

O que estou aprendendo — ainda aprendendo — é como falar sobre o que carrego de uma forma que abra portas em vez de fechá-las. Isso não acontece em privado.

Se você está segurando algo de volta — uma pintura, uma direção criativa, algo que você pressente mas ainda não colocou para fora — quero dizer isto de forma clara:

A liberdade não vem antes do risco. Ela vem porque você continuou a aparecer, mesmo com medo.

E às vezes a coisa mais poderosa que você pode oferecer aos outros é o trabalho que você fez enquanto ainda estava se curando.

Publique. Alguém pode precisar exatamente do que você fez.

Qual é uma peça com a qual você tem hesitado em compartilhar? Deixe-a abaixo — eu realmente adoraria vê-la.👇

Existem momentos na vida de um artista em que algo acontece de forma silenciosa, quase de maneira integrada, e ainda assim você sabe que é o fruto de anos.

Recentemente, duas impressões de arte foram vendidas através do meu site da Art Storefronts. Ambas se basearam em pinturas que criei há anos — obras que me pareceram profundamente significativas desde o início, mesmo que ainda não tivessem encontrado seus primeiros colecionadores de impressões.

Uma foi Pentecost. A outra foi The Apple.

Ambas as pinturas carregavam um significado profético para mim quando foram criadas pela primeira vez. Não eram obras casuais. Não eram apenas imagens decorativas. Elas nasceram de oração, convicção, cor, simbolismo, e da sensação de que a imagem carregava algo além de si mesma.

E então, por muito tempo, nada aconteceu.

Essa é uma das estranhas disciplinas de ser artista. Você pode saber, muito profundamente, que uma obra importa — e ainda assim ter que esperar pela pessoa certa, pelo tempo certo, pelo momento certo de reconhecimento.

Essas vendas recentes me lembraram de que a visão muitas vezes tem um arco longo.

Um comprador era um cliente recorrente. Outro era alguém que tem acompanhado meu trabalho há anos e de repente decidiu comprar. Em ambos os casos, a beleza do momento não foi apenas que uma impressão fosse vendida. Foi que a mensagem profética da obra ressoou com a pessoa que a recebeu.

Isso importa para mim.

É claro que eu sou grata pelo lado comercial disso. Sou grata que o site tenha funcionado, que o processo de pedido tenha sido tranquilo, e que um sistema que eu havia imaginado há anos esteja começando a fazer o que foi criado para fazer: permitir que as pessoas descubram e colecionem obras significativas mesmo quando eu não estiver pessoalmente diante delas explicando.

Mas a alegria mais profunda é esta: as pinturas encontraram pessoas que entenderam por que existiam.

Essa é a parte que mais me move.

Os artistas costumam ter que cultivar a fé. Fazemos a obra antes de sabermos para onde ela irá. Criamos o site antes de chegarem todos os compradores. Escrevemos as declarações, fotografamos as pinturas, carregamos os produtos, organizamos o arquivo e continuamos aparecendo muito antes de haver impulso visível.

Às vezes pode parecer tolo.

Mas então, de repente, alguém que tem acompanhado por anos age. Um colecionador que já volta retorna. Uma pintura criada há muito tempo volta a falar no tempo presente.

É quando a visão compensa.

Não porque tudo fique fácil.

Mas porque o longo, invisível trabalho começa a dar frutos.

Sempre acreditei que a arte profética pode encontrar pessoas no nível de significado. Não apenas cor, não apenas composição, não apenas beleza — mas reconhecimento. A sensação de que algo na obra está falando a algo dentro de cada um.

Então, quando alguém escreve com alegria sobre finalmente encomendar uma peça, ou me diz que está ansioso por outra, eu não levo isso de forma leviana.

Isso me diz que a obra ainda está viva.

Isso me diz que a mensagem ainda está viajando.

Isso me diz que pinturas feitas há anos ainda podem chegar no tempo certo.

Que alegria!

Bom dia, comunidade - este é um agradecimento para minha amiga Ruth Fazel.

“Estou tão feliz por finalmente anunciar o lançamento de CREATION - O FILME.”

Acredito que este filme é algo muito único, e muito além de tudo que eu poderia ter imaginado quando escrevi a música pela primeira vez.

Depois de terminar a música, soube que precisava ser apresentada em um formato visual, e então eu procurei um amigo artista de longa data, Kevin Moffatt, para criar uma série de pinturas abstratas sobre o tema da Criação. Este filme une a música e a arte, e, ao assistir, você poderá ver as pinturas ganharem vida literalmente.

Clique na imagem abaixo para assistir ao trailer e, em seguida, não deixe de repassar este e-mail aos seus amigos. Estou muito ansioso para ouvir sua resposta depois de assistir ao filme. Estou contando com sua ajuda para divulgar amplamente...

Aproveite!

As maiores bênçãos, Ruth Ruth Fazal

Uma fusão arrebatadora de música e arte visual que traz a história de Gênesis para o presente. Através de tecnologia avançada, a obra de arte se move, cresce e se transforma — convidando você para uma criação viva que desperta a imaginação e a alma.

MÚSICA Ruth Fazal

ARTE Kevin Moffatt

TEXTO Gênesis 1-2:3

“No princípio, Deus criou os céus

e a terra...”

Para mais informações, visite

https://www.ruthfazal.com/ criação

https://www.mannaart.com

Ver menos

À primeira vista, é um pouco bizarro e de outro mundo, de uma forma estranha; porém, uma montanha em chamas, com uma voz trovejante, e que treme não era exatamente uma paisagem bonita para o povo que saiu do Egito ou para Moisés, que literalmente disse que tremia ao vê-la.

Não acho que isso cause muito abalo ou tremor, mas há uma força sobrenatural e movimento nos ritmos da linha e nos movimentos nas linhas das árvores (graças a Deus Van Gogh teve a ideia antes de mim!)

Há uma sensação de água correndo e de vida que se eleva, mesmo que a árvore esteja literalmente morta, ela carrega uma força e energia consigo. O fundo, com os cânions e arbustos, com os vermelhos ardentes, lembrava uma vida sobrenatural, seres angélicos que estão ao redor. Fogo e água, separados, ainda assim se agitavam entre si. Fogo e água costumavam ser símbolos do espírito e da presença de Deus na Bíblia, então quando vi essa árvore morta e o fundo a partir de uma fotografia, pensei em combiná-los juntos.

Às vezes colocamos coisas espirituais como bonitas e flutuantes, mas sempre que alguém via um anjo, ficava aterrorizado e o anjo precisava lhe dizer para não temer. Faz-nos perguntar como eles pareciam fisicamente para causar tal comoção. Não acho que eles fossem bonitos, de modo algum, mas um pouco assustadores, para fazer Daniel cair de joelhos.

Comissão para o Saugeen Springs RV Park retratando o sonho da proprietária para o seu Negócio do Reino :)

Uma das razões pelas quais a abstração importa na arte espiritual é que ela não obriga o espectador a chegar rapidamente a uma única conclusão literal.

Uma imagem literal pode dizer a você o que está vendo.

Mas a abstração pode criar espaço para o encontro.

Ela pode transmitir movimento, peso, atmosfera, fogo, descanso, tensão, misericórdia, luz ou presença de uma forma que é sentida antes de ser explicada.

Para mim, é muitas vezes aí que a arte profética começa — não na decoração, nem na vagueza, mas em tentar ser fiel a algo percebido na oração que é mais profundo do que apenas uma ilustração.

Estou curioso para saber como outros aqui experienciam isso:

Você acha que a abstração às vezes consegue transmitir coisas espirituais mais verdadeiramente do que uma imagem mais literal?

Ou você se sente mais conectado ao trabalho quando a imagem é mais claramente definida?

Mostrado aqui: Advento 7

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