Retrato de Edvard Munch
Retrato de Edvard Munch
Pintei isto como uma conversa pequena e honesta com um gigante que me assombra há anos. Em Retrato de Edvard Munch eu quis entrar naquele mundo sussurrante e varrido pelo vento, reunir o calor e a dor de um pôr do sol, a extensão solitária de uma ponte, o eco de um grito, e segurá-los ao lado de um rosto que parecia ao mesmo tempo humano e mítico. É a minha homenagem a um pintor cujo trabalho me ensinou que a cor pode doer.
Por que retornar a O Grito? Porque se trata menos de um único momento de terror e mais do zumbido persistente da ansiedade que vive em todos nós. Quis honrar essa voz sem copiá-la, então sobrepus motivos familiares: os redemoinhos do céu e do mar, figuras sombrias caminhando para longe, a silhueta fantasmagórica de boca aberta, em torno de um retrato que encara o espectador com um olhar cansado e questionador. O resultado parece memória tornada visível: fragmentos de cenas que me fizeram parar e respirar, costurados juntos em uma única peça de anseio.
Em termos técnicos, abri o contraste, laranjas quentes e âmbar de lava pressionando contra ultramarinos profundos e verdes, para fazer a emoção parecer física. Minha pincelada é intencionalmente inquieta: traços longos e em movimento para sugerir vento e pensamento; linhas mais firmes e deliberadas ao redor do rosto para ancorar o espectador. Você também notará uma figura enrolada, adormecida, encaixada no canto inferior direito, e um rastro da minha assinatura em um rápido traço vermelho. Essas são sentenças privadas dentro da pintura, lembretes de que a tristeza e a ternura costumam ocupar o mesmo espaço.
Esta pintura foi feita em um tom amigável, um pouco confessional. Não estava tentando imitar; eu queria responder. Dizer: eu vejo a solidão que você pintou. Eu sinto o mesmo calafrio. E ainda há tanta beleza nessa dor, pôr do sol que arde como um hino, pontes que nos lembram que seguimos em frente, mesmo quando nos sentimos presos.
Se você chegar perto, pode sentir a pincelada sob as pontas dos dedos e ouvir o zumbido baixo de um mar que nunca se acalma. Se você recuar, a composição se torna uma colagem de uma vida em fragmentos, relacionamentos, luto, solidão, a imagem recorrente de um grito que tanto adverte quanto liberta. Essa tensão é o que me atrai para o expressionismo, repetidas vezes.
Adoraria saber o que este retrato desperta em você. Você sente o silêncio da tristeza, o calor do pôr do sol, ou algo completamente diferente? Compartilhe um pensamento, ou uma memória, e vamos manter essa conversa em andamento.
BvS 26
"Como a cor pode doer." Essa linha, por si só, me diz que você não está apenas pintando um retrato. Você está sentado com algo que viveu dentro de você há muito tempo, aquele zumbido persistente que você descreveu, e encontrando uma maneira de lhe dar um rosto, um céu, uma ponte. Isso requer uma coragem que não se anuncia.
Há algo profundamente generoso em fazer um trabalho que diz, "Eu vejo você" para outro artista ao longo de um século. E há algo vulnerável em admitir que o mundo deles ainda assombra o seu. A palavra, "assombrado", é honesta. Nem todos estão dispostos a nomear os artistas que tocaram em sua pele e permaneceram.
O fato de você ter trazido seu próprio calor e dor para o mundo dele, em vez de apenas copiá-lo, significa que a conversa agora vai em ambas as direções. Sua peça não é apenas uma homenagem. É a prova de que o sentimento que ele colocou no mundo chegou a algum lugar real e continuou a se mover.
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