L'art de vendre des œuvres d'art

Les profils Facebook ont maintenant des Reels d’essai !

Comme pour toutes les nouvelles fonctionnalités de la plateforme, Facebook la promeut à fond. J’ai lancé le premier aujourd’hui et il déchire. 5 000 vues en 21 minutes et 14 nouveaux abonnés

Titre : La bouchée sournoise

Personnages : Rohan & Priya

[00:01 - 00:03]

(La caméra s'ouvre sur Priya assise sur le canapé, heureuse de tenir une énorme tranche de pizza, sur le point de mordre à pleines dents.)

Priya : (Sourit à la caméra) \"Finalement, mon repas de triche !\"

[00:04 - 00:06]

(Rohan s'avance dans le cadre par le côté, l'air super sérieux comme un détective.)

Rohan : \"Chérie, dépêche-toi ! Qu’est-ce qui est derrière toi ?!\"

[00:07 - 00:08]

(Priya panique, tourne complètement la tête pour regarder.)

Priya : \"Quoi ?! Où ?!\"

[00:09 - 00:10]

(Rohan se penche instantanément, donne une énorme bouchée à sa pizza, et sourit malicieusement à la caméra pendant que Priya se retourne, choquée.)

Priya : \"ROHAN!\" (L’écran devient noir avec un son comique de pop)

📌 Ce que vous avez manqué dans TASA cette semaine

Bref tour d'horizon de tout ce qui est nouveau — prenez ce qui correspond à votre niveau 👇

💸 Tout d'abord : un grand merci à Kathleen, qui a gagné 3 000 $ pour avoir référé de nouveaux artistes au programme CORE !

🎨 Tout le monde, la salle de classe a connu un relooking ! Tout est maintenant codé par couleur par niveau (Standard / Premium / Core VIP), ce qui rend beaucoup plus facile de trouver ce qui vous est disponible. Allez jeter un coup d'œil.

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⭐ PREMIUM

→ Transformer votre pourquoi en moteur de contenu

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👑 CORE VIP

→ L'entonnoir Bow Tie — comment vendre davantage à vos collectionneurs existants, et ce qu'il faut inclure dans cette offre finale

→ Le système de vente F.R.A.M.E. (Find, Relate, Anchor, Meaning, Extend) — une méthode structurée pour guider les conversations de vente plutôt que de les laisser au hasard

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Allez voir ce qui est débloqué pour vous et dites-moi sur quoi vous travaillez cette semaine 👇
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Vendu pour 9 500 $. Posez-moi n'importe quelle question

Quelqu'un peut-il recommander la fonctionnalité In Your Voice ? Ou GalleryY ?

C’est le Lundi des Messages🖤

Ceci est notre fil de vérification hebdomadaire — un endroit pour déclarer votre intention, prendre de l’élan et laisser le groupe témoigner de ce sur quoi vous travaillez.

Pour les prochains 5 jours, qu’est-ce qui compte vraiment dans votre pratique artistique, votre entreprise, ou les deux?

Utilisez ce post de l'une des deux façons :
• Partagez un objectif spécifique + votre plan pour le réaliser
• OU, si c’est une semaine de réflexion, partagez une citation qui vous guide en ce moment

L’une des citations sur mon tableau de vision est :

« Il n’y a pas de plus grande perte de temps que d’être inspiré et de ne rien faire. »

UNIQUEMENT DANS CE POST — merci d’inclure :

1. Votre objectif pour la semaine
   (Créatif, entreprise, ou les deux — lancements, prospection, tarification, temps au studio, suivis, etc.)

2. Une œuvre récente OU un moment des coulisses
   (Photo prise au studio, maquette, feuille de calcul, brouillon d’e-mail — tout est bienvenu.)

3. Une citation inspirante
   Quelque chose qui vous maintient en mouvement.

Déclarez-le. Soyez visibles. Prenez de l’élan.

Réflexion sur la Croix et le Lion

La chemise présente une scène puissante où un agneau et un lion se font face sous une croix lumineuse, surplombée par un ciel dramatique et des eaux réfléchissantes. L'imagerie transmet des thèmes de foi et de force, invitant à une réflexion tranquille sur la résilience et la protection. Ses tons chauds et terreux créent une ambiance à la fois intense et apaisante, faisant de cette pièce un ajout saisissant à toute garde-robe ou espace.https://bcdaysphotographerartstudio.myshopify.com/products/cross-and-lion-reflection

Namaste ! Namaste est une salutation respectueuse, un mot sanskrit et un geste de paix.

Alors, à quoi ressemble réellement la vente d'art en 2026 ? Si vous avez suivi les conversations qui ont lieu dans les communautés d'artistes, les podcasts et les newsletters récemment, vous avez probablement remarqué que le paysage a changé de façon assez spectaculaire par rapport à il y a même deux ans.

Les artistes dont j'entends parler ne cessent de dire la même chose : ce qui fonctionnait en 2022 semble désormais dépassé, et ce qui fonctionne aujourd'hui n'est pas ce à quoi la plupart d'entre nous s'attendaient.

Pourquoi l'ancienne méthode ne suffit plus

Voici ce qui revient sans cesse dans chaque conversation sur la vente d'art en ce moment :

Les algorithmes des réseaux sociaux ont complètement changé — les artistes qui réalisent réellement des ventes parlent d'une présence différente de l'endroit où l'on disait il y a quelques années « poster trois fois par jour ». Il s'agit désormais moins du volume.

Les collectionneurs sont plus exigeants et mieux informés — ils effectuent beaucoup plus de recherches avant d'acheter, regardent les antécédents des artistes, lisent sur les procédés, regardent des visites d'atelier. L'ère de l'achat impulsif semble être révolue.

Le courrier électronique revient en force — j'entends cela sans cesse de la part d'artistes qui juraient que les réseaux sociaux étaient tout. Leurs ventes les plus constantes proviennent des personnes sur leurs listes d'envoi, pas de leurs abonnés Instagram.

La composante en personne compte à nouveau — même pour les artistes qui vendent principalement en ligne, ceux qui réussissent trouvent des moyens de rencontrer les collectionneurs en face à face, que ce soit des visites d'atelier locales, de petits pop-ups ou des foires d'art régionales.

Comment les artistes vendent réellement en 2026

Construire une vraie liste d'emails (et pas seulement collecter des adresses)

Les artistes qui font fonctionner cela ne se contentent pas d'ajouter un formulaire d'inscription sur leur site et d'espérer le meilleur. Ils offrent quelque chose de précis : un accès anticipé à de nouvelles œuvres, des mises à jour de l'atelier en coulisses, des histoires sur des pièces individuelles.

Une chose qui revient constamment est la différence entre avoir 5 000 abonnés Instagram et avoir 500 personnes sur une liste d'emails qui ouvrent réellement vos messages. Le second groupe achète. Ils envoient un email mensuel ou bimensuel qui semble personnel, partagent ce sur quoi ils travaillent et indiquent quand une nouvelle œuvre est disponible. Pas de vente agressive, juste une présence constante.

Présenter l'œuvre en personne (même si vous vendez en ligne)

C'est la partie qui m'a le plus surpris lorsque j'ai commencé à prêter attention à qui vend réellement. Même les artistes avec une forte présence en ligne trouvent des moyens locaux de présenter leurs œuvres. Des pop-ups dans des cafés, des expositions collaboratives avec d'autres artistes, des journées d'atelier ouvertes plusieurs fois par an.

Le consensus semble être que les collectionneurs veulent voir l'œuvre en vrai avant de s'engager, surtout pour des pièces au-delà de 500 $. Les artistes font preuve d'imagination sur ce point sans les frais généraux d'une relation avec une galerie permanente. Certains organisent des journées portes ouvertes de l'atelier tous les trimestres. D'autres s'associent à des entreprises locales pour des expositions tournantes.

Créer des œuvres en séries (pas seulement des pièces uniques)

Chaque artiste que j'entends parler de ventes régulières mentionne travailler en séries maintenant. Pas parce que les galeries le leur ont demandé, mais parce que les collectionneurs y réagissent. Quand quelqu'un aime une pièce mais ne peut pas se permettre ou si elle est déjà vendue, avoir des œuvres liées à différents prix maintient ce collectionneur engagé.

L'approche en séries facilite aussi le marketing. Plutôt que d'expliquer 47 pièces différentes, vous racontez l'histoire d'un seul corpus. Les artistes constatent que les collectionneurs suivent au fur et à mesure qu'une série se développe, s'investissant dans le récit.

Ce qui rend cela différent de « Publier plus de contenu »

Le plus grand changement que je remarque est que les artistes s'éloignent de l'approche à la chaîne de contenu. Vous vous souvenez de l'époque où tout le monde disait qu'il fallait publier quelque chose chaque jour pour rester pertinent ?

Les artistes qui réalisent réellement des ventes publient moins, mais avec plus d'intention. Ils partagent moins de pièces terminées et plus de processus, plus d'histoires, plus du côté humain. Une artiste que je suis est passée de publications quotidiennes de type « regarde ce tableau » à deux fois par semaine avec de vraies histoires sur ce qui a inspiré chaque pièce. Son engagement a augmenté et ses ventes ont été multipliées par trois.

C'est la qualité de la connexion plutôt que la quantité de publications. Les algorithmes semblent récompenser cela aussi, mais plus important encore, ce sont les collectionneurs qui le font.

À quoi ressemblent réellement les résultats

D'après ce que j'entends, les artistes qui utilisent cette approche constatent des tendances précises. Ils vendent des œuvres avant même qu'elles ne soient publiées sur leur site parce que leur liste d'emails a le premier regard. Ils engagent des conversations avec les collectionneurs qui aboutissent à des commandes ou des achats répétés. Ils passent moins de temps sur les réseaux sociaux mais réalisent davantage de ventes.

Un peintre que je connais a vendu 18 pièces l'année dernière, toutes à des personnes sur sa liste d'emails de 340 personnes. Un autre artiste organise quatre journées portes ouvertes par an et gagne 60 % de son revenu annuel pendant ces week-ends. Un artiste céramiste s'est associé à trois cafés locaux pour des expositions tournantes et a maintenant une liste d'attente de six mois.

Ce ne sont pas des histoires de succès viraux massifs. Ce sont des ventes durables basées sur les relations, qui s'accumulent avec le temps.

Pour qui cette approche fonctionne-t-elle (et pour qui ne fonctionne-t-elle pas) ?

Cela semble fonctionner le mieux pour les artistes qui acceptent une progression plus lente et qui prennent vraiment plaisir à entrer en contact avec les gens. Si vous voulez vendre votre travail sans jamais parler aux collectionneurs, ce n'est probablement pas votre voie.

C'est idéal pour les artistes produisant des œuvres originales entre 200 et 5 000 dollars. En dessous, la construction de relations peut demander plus d'effort que cela ne vaut. Au-dessus, vous travaillez probablement déjà avec des galeries ou avez des relations établies avec des collectionneurs.

C'est aussi plus adapté aux artistes qui disposent d'au moins une communauté locale à exploiter. Si vous vivez dans un endroit extrêmement isolé, la composante en personne devient plus difficile (bien que pas impossible avec des déplacements stratégiques vers des foires d'art ou des pop-up en ville quelques fois par an).

Cela ne fonctionnera pas si vous espérez devenir viral et vous réveiller avec une avalanche de commandes. Cela peut encore arriver occasionnellement, mais ce n'est pas une stratégie. Il s'agit de construire quelque chose de fiable.

Vos options pour commencer

L'approche minimale

Commencez par une simple liste d'emails et des mises à jour mensuelles. Utilisez un outil gratuit comme MailChimp pour jusqu'à 500 abonnés. Rédigez un email par mois partageant ce sur quoi vous travaillez et quand une nouvelle œuvre est disponible. Organisez une journée d'atelier ouverte par trimestre si vous avez un espace, ou associez-vous à un café local pour une exposition en soirée unique.

Investissement en temps : 3 à 4 heures par mois. Coût : principalement gratuit, peut-être 50 $ si vous imprimez quelques cartes postales simples pour votre événement en personne.

L'approche engagée

Tout ce qui est dans l'approche minimale, plus des e-mails bihebdomadaires et une présence active sur Instagram ou Facebook (2 à 3 publications par semaine avec de vraies histoires, pas seulement des photos de produits). Participez à 2-3 événements artistiques locaux par an, comme des petites foires ou des expositions de groupe. Commencez à travailler en séries afin d'avoir des ensembles d'œuvres cohérents à présenter.

Investissement en temps : 8-10 heures par mois. Coût : 100-300 dollars par an pour le service de messagerie et les frais d'événement.

L'approche déterminée

Tout ce qui précède, plus des journées portes ouvertes d'atelier ou des pop-ups mensuels, un site web d'artiste sérieux (pas seulement Instagram), et des déplacements stratégiques vers des foires d'art régionales 2 à 4 fois par an. Développez des relations avec des décorateurs d'intérieur et des consultants en art d'entreprise dans votre région. Envisagez de réaliser des commandes pour des collectionneurs qui connectent avec votre style.

Investissement en temps : 15-20 heures par mois pour le marketing et les événements. Coût : 1 000-3 000 dollars par an pour le site web, le service d'e-mail, les frais de stand et les déplacements.

Le compromis à chaque niveau est le temps et la régularité par rapport à l'argent et à l'échelle. L'approche minimale peut tout à fait générer des ventes, cela se produit simplement plus lentement. L'approche engagée accélère les choses mais exige de traiter l'aspect commercial comme un véritable travail à temps partiel.

Questions qui reviennent sans cesse

Ai-je vraiment besoin d'un site web si j'ai Instagram ?

Tout le monde qui vend de manière constante semble avoir les deux. Instagram sert à la découverte et à la construction de relations, mais votre site web est l'endroit où les collectionneurs vont voir l'ensemble de votre travail, lire votre histoire et effectuer un achat. Pensez à Instagram comme à l'introduction et à votre site comme à la galerie.

Comment faire pour que les gens rejoignent ma liste d'emails ?

Les artistes qui font cela bien offrent quelque chose de précis : un accès anticipé à de nouvelles œuvres (généralement 48 heures avant leur mise en public), des mises à jour d'atelier et des vidéos de processus qu'ils ne partagent nulle part ailleurs, ou des ventes occasionnelles réservées aux abonnés. Précisez clairement ce que les gens obtiennent en adhérant.

Et si mes mails sont vraiment mauvais ?

Ça revient constamment ! La bonne nouvelle est que les collectionneurs ne cherchent pas une prose parfaite. Ils veulent se sentir connectés à vous et à votre travail. Partagez ce sur quoi vous travaillez, ce qui a inspiré une pièce, un problème que vous avez résolu dans l'atelier, ou simplement ce à quoi vous pensez. Gardez un ton conversationnel. Certains artistes écrivent littéralement leurs emails comme s'ils mettaient à jour un ami.

Comment fixer les prix des œuvres en 2026 ?

Les discussions sur les prix que j'entends portent sur la cohérence et la transparence. Choisissez une structure de tarification (généralement en fonction de la taille, du médium et du temps investi) et tenez-vous-y. Ne faites pas de réductions aléatoires juste pour vendre. Beaucoup d'artistes constatent que les collectionneurs respectent des tarifs cohérents et vous font même davantage confiance lorsque vous ne faites pas sans arrêt des soldes.

Est-ce que cela peut fonctionner si je suis un artiste émergent sans following ?

Oui, et en réalité cette approche peut être meilleure lorsque vous démarrez, car vous posez les bonnes bases dès le premier jour. Vous n'essayez pas de convertir 10 000 abonnés au hasard en acheteurs. Vous construisez un petit groupe de personnes qui se soucient vraiment de votre travail dès le départ.

Que faire tout de suite

Si vous lisez ceci et que vous pensez « d'accord, je devrais probablement faire quelque chose », voici la prochaine étape unique : mettre en place une liste d'emails simple. MailChimp, ConvertKit, peu importe ce qui semble le plus facile. Mettez un formulaire d'inscription sur votre site web ou dans votre bio Instagram qui dit « Obtenez un accès anticipé à de nouvelles œuvres + mises à jour de l'atelier ».

Ensuite, envoyez votre premier email dans la semaine. Pas un email parfait, pas un email magnifiquement conçu, juste un vrai message sur ce sur quoi vous travaillez et pourquoi. Voyez qui répond. Voyez quelles questions les gens posent. Construisez à partir de là.

Qu'est-ce qui fonctionne pour vous en ce moment lorsque il s'agit de réellement vendre votre travail ? Voyez-vous les mêmes changements, ou votre expérience est-elle totalement différente ?

J'ai enfin dévoilé ma nouvelle œuvre, \"Un rassemblement de formes silencieuses,\" cette semaine, et la première chose que j'ai faite a été de solliciter l'autre moitié de mon Bowtie funnel. Les gens qui ont déjà acheté quelque chose chez moi.

Chaque année, mes collectionneurs précédents représentent environ 30 % de mes revenus.

Comment puis-je attirer régulièrement plusieurs dizaines de milliers de dollars de la part de personnes qui ont déjà dépensé plusieurs dizaines de milliers de dollars pour moi ? Un accompagnement stratégique.

Combien d'entre vous ont un plan de marketing après la vente ?

Quand nous atteindrons 500 artistes ici, je partagerai mes 120 accroches pour vendre de l'art sur les réseaux sociaux ! LFGrow

Aperçu

Cette semaine, Coaching Over Coffee décompose les trois façons de vendre des réproductions de votre travail : éditions ouvertes, éditions limitées et éditions temporisées. Je passe en revue les avantages et les inconvénients de chacune, comment décider de la taille de votre édition, et pourquoi je recommande d'éviter les éditions ouvertes pour presque tout le monde. Si vous vous êtes déjà demandé combien d'impressions réaliser d'une pièce ou si vous devriez limiter votre travail, celui-ci est pour vous.

Ce que nous avons couvert :

• Éditions ouvertes : ce que c'est et le compromis entre accessibilité et valeur perçue

• Éditions limitées : comment la rareté influence le prix, plus les coûts réels de la gestion d'une édition à long terme

• Éditions temporisées : l'approche hybride, des exemples réels tirés de mes propres ventes, et pourquoi elles créent un sentiment d'urgence sans rareté totale

• Comment décider de la taille de l'édition (par quantité totale vs. par taille)

• Épreuves d'artiste et comment elles s'intègrent dans votre structure d'édition

• Fixer le prix de votre édition par rapport à votre œuvre d'origine

• Pouvez-vous passer d'une édition ouverte à une édition limitée après coup ?

• Questions-réponses en direct sur tout ce qui précède

Le récapitulatif

Open éditions n'ont pas de plafond. Vous pouvez produire et vendre autant que vous le souhaitez, aussi longtemps que vous le souhaitez. L'avantage est l'accessibilité. Vous pouvez fixer des prix plus bas et toucher plus de personnes, et il n'y a pas de plafond sur ce que vous pourriez théoriquement vendre. L'inconvénient est qu'il n'y a pas de rareté, ce qui signifie une valeur perçue plus faible, pas de collectionnabilité, et aucune urgence pour le collectionneur d'acheter maintenant plutôt que plus tard. Ce manque d'urgence est le véritable frein. Si quelqu'un peut toujours revenir et l'acheter le mois prochain, beaucoup ne l'achèteront tout simplement pas aujourd'hui.

Éditions limitées ont un nombre fixe et suivi de reproductions. Une fois épuisées, elles le sont. Cela crée une valeur perçue plus élevée et une plus grande collectabilité, et cela vous permet de facturer davantage parce que l'offre est plus faible. L'inconvénient est que votre chiffre d'affaires provenant de cette pièce est plafonné, vous devrez éventuellement créer quelque chose de nouveau pour continuer à vendre, et vous assumez la responsabilité de suivre et de prouver que l'édition est réellement limitée pendant toute la durée de votre activité.

Vous pouvez limiter une édition de deux façons : par quantité totale sur toutes les tailles, ou par quantité par taille. Je fais la seconde. Je lance des éditions de 5, et j'offre 4 tailles, de sorte que l'édition totale sur toutes les tailles se monte à 20. Cela offre aux collectionneurs une histoire de rareté claire, spécifique à la taille, plutôt qu'un chiffre total vague.

Éditions temporisées sont hybrides. L'édition n'est pas plafonnée par le nombre, elle est plafonnée par le temps. Vous annoncez qu'une pièce sera disponible uniquement pendant une fenêtre définie (un jour, un week-end, un trimestre) et une fois que cette fenêtre se ferme, plus d'exemplaires ne seront fabriqués. Je l'ai fait moi-même, j'ai vendu 135 pièces en une fenêtre d'un jour et 420 dans une fenêtre de trois jours, selon la taille de l'audience. L'avantage est que vous pouvez ouvrir la pièce à l'ensemble de votre audience, y compris les abonnés qui n'achèteront jamais votre travail à prix élevé, sans toucher à l'intégrité des prix de votre édition limitée ailleurs. L'inconvénient est que cela porte encore une partie du même risque de valeur perçue qu'une édition ouverte, et cela nécessite une vraie poussée marketing pour réussir, car vous compressez toute votre urgence dans une courte fenêtre.

Épreuves d'artiste constituent une petite mini édition séparée en dehors de votre tirage numéroté régulier, généralement les tirages de test que vous réalisez pour vérifier la couleur et la qualité avant de finaliser votre édition. Certains artistes les vendent comme leur propre niveau. Assurez-vous simplement qu'il existe une différence réellement significative si vous le faites; sinon vous ne vendez qu'une signature sans réelle valeur derrière elle.

Concernant la taille de votre édition : il n'existe pas de chiffre universellement juste. Cela dépend de la demande actuelle, de celle que vous attendez à l'avenir et du type de marque que vous construisez. Si vous voulez être perçu comme extrêmement exclusif, maintenez vos éditions petites (5, 10). Si vous voulez plus de volume et que vous pouvez produire à l'échelle, vous pouvez lancer des éditions plus grandes et maintenir une marque forte si votre marketing le soutient. Quoi que vous choisissiez, l'important est la cohérence et d'être capable d'expliquer votre raisonnement si quelqu'un demande.

Concernant la tarification de votre édition par rapport à votre original : le prix de votre édition doit toujours rester sensiblement en dessous du prix de votre œuvre d'origine. Un repère grossier est d'environ 10 % de ce que se vend votre pièce d'origine. Cela maintient la relation entre votre œuvre unique et vos reproductions intacte.

Pouvez-vous convertir une édition ouverte en édition limitée après coup ? Techniquement oui, mais je vous conseille de ne pas le faire. Si vous avez déjà vendu des pièces en édition ouverte, cette pièce ne peut jamais devenir une édition limitée véritable rétroactivement puisque l'histoire de rareté est déjà rompue. À l'avenir, toutefois, vous pouvez tout à fait arrêter d'offrir des éditions ouvertes et tout décaler vers des éditions limitées. Ma recommandation générale : évitez complètement les éditions ouvertes. Les éditions temporisées sont un moyen intelligent d'atteindre un public plus large sans sacrifier la rareté. Les éditions ouvertes, à long terme, ne valent tout simplement pas ce qu'elles coûtent en valeur perçue et en urgence.

Tout le week-end, je republierai des œuvres d'art des ArtHelper Artists, Skool et TASA Members !

1. Envoyez une publication depuis votre Instagram vers moi @theartofsellingart et je la partagerai / republierai !

2. Repartagez cette publication, s'il vous plaît !

https://www.instagram.com/p/Daa38SQnMpL/?igsh=OW9wenFnNWU5Z292

3. Revenez ici et dites DONE avec votre gif ou œuvre d'art préférée afin que je sache quoi vérifier.

Bonne nouvelle. J’enseignerai des programmes sur Creative Live à partir d’août !

COLLECTEURS : DISPONIBLE LE 4 JUILLET !

Une édition limitée de 10 tirages de « Déjeuner Français, 1993 » sera disponible pour une courte période, à partir du 4 juillet.

Commencez (ou enrichissez) votre collection avec cette impression : signée, numérotée, datée, et expédiée depuis mon studio à New York, accompagnée d'un Certificat d'authenticité signé.

La peinture célèbre mon obtention, en 1993, de la double citoyenneté franco-américaine. Elle célèbre les repas partagés et les amitiés chaleureuses dans « la Belle Normandie », mon foyer en France.

C’est mon anniversaire le 7/7 – et le 250e anniversaire des États-Unis le 7/4. Cette célébration ne se reproduira pas !

Pour en savoir plus sur ce tableau, rendez-vous sur mon site (nancysart.co)

Un oiseau inspiré par l'époque victorienne originaire d'Eurasie du Nord.

Quand le « Non » équivaut au « Oui » ?

Quand vous en obtenez 100.

Dans le domaine des ventes, il y a une lutte contre le rejet que beaucoup d'artistes trouvent trop démoralisante pour le surmonter.

« Non » devient un mot moins effrayant plus on l'entend et il faut être prêt à l'entendre beaucoup.

Quoi qu'il en soit, si vous voulez accéder à cette discussion complète, trouvez mon lien dans la bio ou commentez « ART ME » et je l'enverrai dans votre boîte de réception.

Bien à vous,

Jason.

SKOOL - https://skool.com/art-of-selling-art

Bonjour à tous !

Une amie qui gagne sa vie grâce aux foires d'art dit que je devrais enregistrer mon entreprise pour une LLC — quel est l'avis général à ce sujet ?

C’est Message Monday

C’EST MESSAGE MONDAY🖤

Ceci est notre fil de mise au point hebdomadaire — un endroit pour déclarer votre intention, prendre de l’élan et laisser le groupe témoigner de ce vers quoi vous travaillez.

Pour les 5 prochains jours, ce qui compte réellement dans votre pratique artistique, votre entreprise, ou les deux ?

Utilisez ce post de l’une des deux manières suivantes:
• Partagez un objectif précis + votre plan pour le réaliser
• OU, si c’est une semaine de réflexion, partagez une citation qui vous guide en ce moment

L’une des citations sur mon tableau de vision est :

“Il n’y a pas de plus grande perte de votre temps que d’être inspiré et de ne rien faire.”

UNIQUEMENT DANS CE POST — merci d’inclure :

1. Votre focus pour la semaine
   (Créatif, business, ou les deux — lancements, prospection, tarification, temps en studio, suivis, etc.)

2. Une œuvre récente OU un moment en coulisses
   (Prise de vue en studio, maquette, feuille de calcul, brouillon d’e-mail — tout est le bienvenu.)

3. Une citation inspirante
   Quelque chose qui vous maintient en mouvement.

Déclarez-le. Faites-vous voir. Construisez de l’élan.

TEAM TASA