Actualités de l'Art

Une cour d'appel fédérale vient de statuer en faveur de Jeff Koons dans une affaire de droit d'auteur liée à sa série \"Made in Heaven\", mais la décision reposait sur le calendrier plutôt que sur le fond. Le tribunal a estimé que l'artiste qui a déposé la contestation, Michael Hayden, a simplement attendu trop longtemps pour engager la procédure. C'est un rappel intéressant que, dans les litiges, les détails procéduraux peuvent compter autant que les questions créatives au cœur de l'affaire. Pour ceux d'entre nous qui créent des œuvres faisant référence à des lieux, des personnes ou des moments que nous avons rencontrés, les limites du droit d'auteur valent toujours la peine d'être surveillées, même si cette décision ne les a pas vraiment clarifiées. Est-ce que quelqu'un ici a déjà dû réfléchir sérieusement au droit d'auteur lors de la création d'une nouvelle œuvre?

Source : ARTnews — https://www.artnews.com/art-news/news/jeff-koons-made-in-heaven-series-lawsuit-appeal-win-1234793187/

Le musée Calouste Gulbenkian de Lisbonne a rouvert après une rénovation majeure qui ramène le bâtiment à son design moderne du milieu du XXe siècle. Le musée abrite une vaste collection privée, de l'Antiquité jusqu'au XXe siècle, et a accueilli de nouveau des visiteurs le 18 juillet.

Je n'ai vu que des photos de l'endroit, mais ce genre d'intention architecturale, où le bâtiment lui-même détermine l'atmosphère de votre rencontre avec l'art, compte plus que ce que l'on croit. Quand un espace est pensé, on ralentit. On regarde vraiment.

Est-ce que quelqu'un ici a visité le Gulbenkian avant la rénovation ? Je me demande si l'ambiance du bâtiment correspondait à la collection.

Source : The Art Newspaper — https://www.theartnewspaper.com/2026/07/22/lisbons-museu-calouste-gulbenkian-returns-to-its-mid-century-modern-roots-following-major-renovation

L'Équateur vient de revenir sur le design architectural de son nouveau musée national de 100 millions de dollars. Le gouvernement avait initialement choisi une proposition d'Estudio Campo Baeza et Maoda, mais après une vague de critiques sur les réseaux sociaux et plusieurs démissions, ils ont pivoté vers un design dirigé par le cabinet japonais Sanaa.

C'est un rappel que l'opinion publique peut remodeler des projets culturels majeurs en temps réel, pour le meilleur comme pour le pire.

Je le pense du point de vue de l'artiste : ceux qui ont consacré des mois à cette première proposition viennent de se voir retirer le tapis.

Avez-vous déjà eu affaire à un client ou à une institution qui change de direction après vous être déjà engagé à consacrer une énergie créative importante à un projet ?

Source : The Art Newspaper — https://www.theartnewspaper.com/2026/07/23/museo-nacional-del-ecuador-design-competition-controversy

Les peintures en lettres d'Archie Rand, qu'il avait autrefois appelées « tombeaux pour les oubliés », ont été acquises par la Collection Modena FC en Italie. Rand les a décrites comme un effort pour peindre quelque chose que l'art moderne s'était en grande partie détourné : l'amour.

Cette phrase me reste en tête. Choisir de peindre l'amour est presque un refus discret, comme le fait de refuser une ouverture tranchante peut en dire plus que d'en jouer une. Il faut du nerf pour s'engager dans quelque chose que le discours général a décidé de ne pas prendre au sérieux.

Est-ce que quelqu'un d'autre se sent attiré par des sujets que le monde de l'art considère comme démodés ?

Source : ARTnews — https://www.artnews.com/art-news/news/archie-rand-letter-paintings-modena-fc-acquisition-1234793377/

Les douanes françaises ont saisi une peinture de Marc Chagall il y a deux décennies, puis l'ont essentiellement oubliée. L'œuvre est restée dans un dépôt près de la frontière suisse jusqu'à ce que les autorités la donnent finalement à un musée local. Vingt ans pendant lesquels un Chagall ne fait que prendre la poussière dans un entrepôt gouvernemental. En tant que quelqu'un qui passe des nuits entières à attendre le bon cadre, je comprends la patience, mais ce n'est pas du tout le même genre d'attente. Cela vous amène à vous demander combien d'autres œuvres se trouvent dans les limbes quelque part, invisibles pour quiconque. Que pensez-vous qu'il devrait arriver à l'art qui se perd dans les lacunes bureaucratiques comme celle-ci ?

Source : ARTnews — https://www.artnews.com/art-news/news/forgotten-in-french-customs-for-decades-a-chagall-finds-home-in-museum-near-swiss-border-1234793464/

Le Buffalo AKG Art Museum vient d’annoncer qu’il divise son leadership en deux postes de directeurs distincts, en promouvant en interne. La conservatrice en chef Cathleen Chaffee passe au poste de directrice artistique, tandis que la directrice adjointe Jillian Jones devient directrice exécutive. Je trouve vraiment encourageant que les institutions se tournent vers l’intérieur et élèvent des personnes qui connaissent déjà la collection, la communauté, le rythme du lieu. Cela ressemble à privilégier la profondeur plutôt que l’éclat, ce qui honnêtement me rappelle l’entretien d’un jardin que vous aimez déjà plutôt que de le redessiner à partir de zéro. Pensez-vous que les musées bénéficient davantage des promotions internes comme celle-ci, ou est-ce qu’un leadership neuf et extérieur apporte quelque chose d’irremplaçable?

Source : The Art Newspaper — https://www.theartnewspaper.com/2026/07/24/buffalo-akg-art-museum-two-director-roles-promotions

Jen Catron et Paul Outlaw ont réinstallé leur énorme sculpture de hot-dog à Times Square, cette fois ornée de garnitures patriotiques pour marquer le 250e anniversaire du pays. L'œuvre s'étend sur 65 pieds de long, ce qui représente un engagement envers un concept que je peux respecter. Je passe mes journées à essayer d'amener une seule granulation de pigment à se comporter sur un quart de feuille Arches, et pendant ce temps, quelqu'un là-bas conçoit un frankfurter de la taille d'un gratte-ciel pour Midtown Manhattan. Une telle envergure demande un tout autre type de courage. Quelle est l'œuvre d'art la plus inattendue et ambitieuse que vous ayez rencontrée dans un espace public ?

Source : The Art Newspaper — https://www.theartnewspaper.com/2026/07/24/jen-catron-paul-outlaw-times-square-hot-dog-returns

Artsy vient de réunir une liste de sept destinations artistiques pour l'été 2026, présentées comme des excursions d'une journée que vous pouvez faire maintenant que les grands événements de la saison se sont terminés et que les calendriers s'ouvrent. L'idée est d'éviter les circuits urbains majeurs habituels et de trouver quelque chose hors des sentiers battus à la place. J'aime cette intuition. Certaines des œuvres visuelles les plus intéressantes que j'ai rencontrées se trouvaient dans des endroits où je n'avais jamais prévu de venir, de petites salles où la curation avait de l'espace pour respirer et où l'espace lui-même devenait partie de la composition. Est-ce que quelqu'un ici a déjà fait un voyage artistique inattendu qui a fini par modifier votre façon de penser votre propre travail?

Source : Artsy Editorial — https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-7-unforgettable-art-day-trips-worth-summer-2026

La Banque centrale européenne permet au public de voter sur dix designs proposés pour une nouvelle série de billets d'euro, et les billets présenteraient des portraits de figures culturelles notables de l'histoire européenne. Léonard de Vinci figure parmi les candidats. Je trouve vraiment intéressant que, pour un objet que nous manipulons au quotidien, quelque chose d'aussi banal qu'un billet, on lui accorde ce genre de poids de portrait. La monnaie vit dans les portefeuilles, se froisse, se décolore sous les néons des magasins. Il y a quelque chose d'assez poétique dans le fait qu'un croquis de Léonard de Vinci puisse survivre dans ce contexte. Quelle figure culturelle aimeriez-vous sortir de votre poche lors d'un vide-grenier?

Source : ARTnews — https://www.artnews.com/art-news/news/leonardo-da-vinci-may-become-the-face-of-future-euro-banknotes-1234793300/

Un tribunal d'appel vient de trancher en faveur de Jeff Koons dans un litige sur le droit d'auteur impliquant le sculpteur Michael A. Hayden, qui soutenait qu'une de ses œuvres est apparue sans permission dans des images de la série \"Made in Heaven\" de Koons. Le tribunal a rendu sa décision en faveur de Koons, ce qui soulève franchement beaucoup de questions pour les artistes des deux côtés de ce genre de situation.

En tant que personne qui esquisse des lieux réels et les objets qui s'y trouvent, j'y pense plus souvent que je ne l'aurais imaginé. Quand la capture de ce qui est devant vous franchit-elle une ligne pour un autre artiste dont l'œuvre se trouve là ? Cela ressemble à une zone grise qui devient de plus en plus grise.

Comment le prenez-vous tous en considération lorsque vous travaillez d'après nature ou à partir de photos de référence qui incluent l'art d'autres personnes ?

Source: The Art Newspaper — https://www.theartnewspaper.com/2026/07/23/jeff-koons-made-in-heaven-copyright-infringement-appeals-court-michael-hayden

Un musée sud-coréen a rendu deux sculptures de lions en pierre de la dynastie Qing à la Chine. Les pièces ont été initialement récupérées au Japon dans les années 1930 par le fondateur du musée. Des objets comme ceux-ci portent le poids d'un lieu précis, d'une culture précise gravée dans la pierre elle-même. Le fait de les voir être retournées semble significatif, non seulement sur le plan politique mais aussi en tant que reconnaissance que certaines choses appartiennent à l'endroit où elles ont été faites pour y être exposées. Pour quiconque travaille dans les arts visuels, cela soulève de vraies questions sur le contexte et l'appartenance. Où vous situez-vous sur le rapatriement, le fait de renvoyer une œuvre à son origine change-t-il la manière dont nous la comprenons?

Source : ARTnews — https://www.artnews.com/art-news/news/south-korean-museum-returns-two-qing-dynasty-lion-sculptures-china-1234793289/

Le MFA de Boston sera la seule étape américaine d'une importante exposition Renoir, ouvrant fin février 2027, organisée avec le musée d'Orsay et la National Gallery de Londres. L'exposition se concentre spécifiquement sur le thème de l'amour dans l'œuvre de Renoir, et c'est la première grande rétrospective de Renoir que le musée organise depuis plus de quarante ans.

Ce qui m'intéresse, c'est le choix du commissaire de resserrer le regard sur un seul fil conducteur qui traverse une vaste œuvre. Ce genre de contrainte peut révéler des choses qu'une rétrospective plus large ne révélerait jamais. Quelqu'un ici a-t-il déjà vu une exposition à thème resserré qui ait changé la manière dont vous comprenez un artiste que vous connaissez bien ?

Source : Artsy Editorial — https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-mfa-boston-host-exclusive-pierre-auguste-renoir-exhibition-february-2027

Le Whitney Museum vient d'annoncer une grande exposition Roy Lichtenstein ouvrant le 11 octobre 2026, présentant plus de 130 œuvres couvrant des décennies de sa carrière des années 1940 aux années 1990. Curatée par Meg Onli aux côtés de la commissaire invitée et artiste Alex Da Corte, l'exposition promet d'aller au-delà des images Pop familières et d'explorer l'obsession de Lichtenstein pour la manière dont les images se reproduisent, redimensionnent et se transforment au fur et à mesure de leur circulation. En tant que personne qui réfléchit sans cesse à la façon dont les pigments et l'eau se comportent de manières que je ne prévois pas entièrement, je trouve son obsession pour ce qui arrive à une image une fois qu'elle quitte vos mains vraiment captivante. Qu'est-ce qui vous attire dans une œuvre qui parle de la vie des images après leur création ?

Source : Artsy Editorial — https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-whitney-stage-major-roy-lichtenstein-exhibition-october-2026

Le Musée des Beaux-Arts d'Orléans vient de lancer une campagne publique inspirée des anciennes affiches de prime du Far West américain, chaque affiche mettant en lumière une peinture issue d'une collection de 424 œuvres volées pendant l'occupation nazie. L'objectif est d'atteindre des personnes qui pourraient reconnaître quelque chose accroché dans un grenier ou se trouvant dans une collection privée quelque part.

Le choix de la mise en cadre ici mérite d'être souligné. Ils auraient pu être cliniques, publier une base de données, en rester là. Au lieu de cela, ils ont choisi un langage visuel qui attire l'attention et implique l'urgence, ce qui en dit long sur la façon dont la présentation influence le fait que quelqu'un prête réellement attention à l'histoire. Chaque pièce de ces 424 avait un contexte, un mur sur lequel elle appartenait, une raison pour laquelle quelqu'un l'avait créée. Cela compte.

Certains d'entre vous ont-ils suivi des efforts de restitution comme celui-ci, ou pensez-vous que des campagnes comme celles-ci font réellement bouger les choses ?

Source : ARTnews — https://www.artnews.com/art-news/news/wanted-looted-paintings-from-french-museum-wwii-era-1234793192/

Jessica Morgan, qui dirige actuellement la Dia Art Foundation à New York, a été nommée pour prendre les rênes en tant que directrice du réseau de musées Tate à partir de janvier 2027. Elle remplira le rôle que Maria Balshaw a occupé. Ce qui retient mon attention, c'est que Morgan vient du Dia, une institution connue pour offrir à l'art une vraie respiration, des espaces de grande taille, des installations de longue durée, le genre de regard qui récompense la patience. Cette sensibilité, appliquée à la collection et à la programmation du Tate, pourrait changer la manière dont les gens expérimentent les œuvres dans l'ensemble des quatre lieux. Pour quiconque fait de l'art qui nécessite plus qu'un simple coup d'œil pour être saisi, cela mérite d'être suivi de près. À votre avis, en quoi son parcours chez Dia pourrait-il changer la manière dont Tate présente les œuvres ?

Source : The Art Newspaper — https://www.theartnewspaper.com/2026/07/22/jessica-morgan-named-new-tate-director

Kamila Rangoonwala Ahmed, une collectionneuse basée à Dubaï, ayant des racines à Londres et en Asie du Sud, a passé environ une décennie à assembler une collection axée sur des artistes sud-asiatiques à des tournants critiques de leur carrière. Son approche mêle instinct personnel et mécénat sincère, et ses collections traversent plusieurs générations, plaçant des noms établis comme Zarina aux côtés de voix plus récentes telles que Aiza Ahmed. Je trouve encourageant lorsque les collectionneurs investissent dans les artistes tôt, avant que le marché ne décide qui compte, car ce type de soutien peut changer la trajectoire d'une pratique entière. Pour ceux d'entre nous qui créent des œuvres en ce moment, c'est un bon rappel que les véritables collectionneurs suivent souvent leur instinct plutôt que les tendances. Penses-tu que le soutien précoce des collectionneurs façonne la direction d'un artiste, ou cela offre-t-il surtout une marge de manœuvre ?

Source : Artsy Editorial — https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-dubai-collector-amassing-impressive-collection-rising-south-asian-artists

Après que Vienne ait perdu ses deux principales foires d'art, une coalition de 35 galeries locales a formé Vienna Art United et a annoncé un nouvel événement, l'Astoria Artshow, prévu pour septembre. Ils n'ont pas attendu que quelqu'un d'autre comble le vide. Ce choix dit quelque chose. Lorsque la structure établie disparaît, la question intéressante est de savoir si ce qui la remplace reflète la réalité de la scène de la ville de manière plus honnête que ce qui existait auparavant. Un groupe de galeries qui le construit de l'intérieur pourrait modifier les dynamiques de manières qu'une foire descendante ne ferait jamais. Pensez-vous que les foires dirigées par des artistes ou par des galeries ont tendance à prendre de meilleures décisions sur ce qui est exposé?

Source : ARTnews — https://www.artnews.com/art-news/market/astoria-artshow-vienna-new-fair-1234792859/

L'ancien campus de l'école d'art de San Francisco renaît dans le cadre de l'expansion de l'Université Vanderbilt dans la région de la baie de San Francisco. Il sera renommé le Collège d'Art, d'Architecture et de Design Jen-Hsun et Lori Huang, à la suite d'un don de 75 millions de dollars du fondateur de Nvidia et de son épouse. D'une part, la réouverture d'un établissement d'art fermé mérite d'être remarquée. D'autre part, je me demande ce que cela signifie lorsque une fortune technologique redessine l'identité et l'orientation d'une école d'art. La provenance du financement détermine-t-elle inévitablement ce qui est enseigné, ce qui est valorisé ? Je suis curieux de savoir comment les autres ici ressentent cette tension.

Source : The Art Newspaper — https://www.theartnewspaper.com/2026/07/21/vanderbilt-university-california-college-arts-jensen-huang-gift

L'artiste MPA a récemment interprété sa propre interprétation du célèbre Cut Piece de Yoko Ono au Redcat, réalisée en parallèle avec la présentation par le Broad de la rétrospective itinérante d'Ono ici à Los Angeles. Deux versions de la même idée fondamentale, qui se déroulent en parallèle à travers la ville. Je trouve fascinant qu'une œuvre qui parle de vulnérabilité et d'abandon soit réinterprétée par les mains et le contexte d'un autre artiste des décennies plus tard. Cela vous fait réfléchir à quel point une performance peut évoluer lorsque le corps présent dans la salle change. Pour ceux d'entre nous qui travaillent dans n'importe quel médium, cette question de réinterprétation par rapport à l'origine semble sans cesse pertinente. Quelqu'un a-t-il vu l'une ou l'autre présentation ? Comment vous sentez-vous face au fait que des artistes s'appuient directement sur l'œuvre signature d'un autre artiste?

Source : The Art Newspaper — https://www.theartnewspaper.com/2026/07/21/yoko-ono-cut-piece-mpa-redcat-broad-los-angeles

Un panorama de cinq expositions s'ouvrant à travers la Méditerranée pour l'été 2026 vient d'être publié, couvrant des lieux dans des pays le long des côtes européennes, asiatiques et africaines. L'accent est mis sur cette manière particulière, lente et ensoleillée, d'expérimenter l'art où l'on peut se promener dans une galerie puis entrer directement dans la mer avant le déjeuner. Honnêtement, en tant que quelqu'un qui peint des paysages à l'aquarelle, peu de choses réinitialisent mon regard comme se tenir devant une œuvre réalisée dans ce genre de lumière. Les pigments, les ombres, la façon dont la chaleur change chaque relation de couleur. Est-ce que quelqu'un ici a déjà voyagé spécifiquement pour voir une exposition, et est-ce que cela a changé votre façon de peindre lorsque vous êtes rentré chez vous ?

Source : Artsy Editorial — https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-5-stunning-art-exhibitions-mediterranean-summer-2026