Une œuvre NON FINIE d'un artiste doit-elle être exposée après sa mort ?

Lorsque je réfléchis à cette question, je pense à Beethoven et à sa neuvième symphonie inachevée. Cette œuvre est toujours jouée et reconnue comme telle. Lorsque nous travaillons sur nos œuvres d'art, nous exprimons qui nous sommes. Y a-t-il quelqu’un qui est déjà parfait ou êtes-vous aussi en train de grandir ?

C’est une question si réfléchie sur l’exposition du travail inachevé après le décès d’un artiste. J’ai toujours pensé que même les œuvres incomplètes portent une partie de l’histoire et de l’âme de l’artiste, presque comme un aperçu de leur parcours créatif qui n’était pas destiné à rester caché. Il est puissant de penser que ces moments inachevés peuvent encore nous relier à la personne derrière l’art.

Quelle est cette citation ? L'art n'est jamais terminé, seulement abandonné ? Je pense que c'est génial de montrer le processus, mais les gens devraient savoir que l'artiste pensait que l'œuvre n'était pas encore prête.

Je pense que c'est acceptable. Les premiers artistes qui me viennent à l'esprit sont Léonard et Michel-Ange. Pouvoir voir leur processus de création est une grande bénédiction, sans parler de l'aspect éducatif.

Je suis d'accord pour dire que cela devrait d'abord revenir à l'artiste, puis à la famille à qui l'œuvre a été léguée. Je pense qu'il y a une grande valeur à voir et à apprendre du processus d'un artiste, et une œuvre inachevée pourrait, espérons-le, être présentée comme une "œuvre en processus". Pour moi, connaître le processus d'un artiste, y compris les carnets de croquis et les journaux ainsi que les brouillons et les notes de l'artiste, offre une histoire authentique et un aperçu du cœur et du parcours d'un artiste, ce qui peut être vraiment fascinant tant pour nous, artistes, que pour ceux qui veulent comprendre comment une telle créativité naît d'un individu.

Si je suis mort, je me fiche que mes peintures soient terminées ou non. Je suis sûr que si cela concerne un gain financier pour la personne en charge de ma succession, elle choisira l'argent. Les gens aux États-Unis sont consumés par la cupidité et l'argent.

Je partage mon processus sur Facebook et Instagram. J'ai publié la pièce d'art sur laquelle je travaille et je prévois de poster aujourd'hui une peinture terminée pour la partager, maintenant que je la vis afin de voir si quelque chose d'autre est nécessaire. Je pense que les spectateurs et les collectionneurs aiment voir le processus d'une peinture qu'ils apprécient et entendre l'histoire de l'artiste.

C'est à l'artiste de décider. Mais je pense que c'est une excellente façon pour nous tous de partager des morceaux de notre processus sans tout dévoiler, pour ainsi dire. Je pense que le fait d'être prêt à partager ne fait que renforcer votre lien avec vos abonnés.

Oui, je pense que oui. C'est une excellente façon pour les étudiants d'apprendre sur les processus que l'artiste a utilisés. Personnellement, j'adore découvrir les techniques et processus qu'un artiste a employés.

Je pense que le travail inachevé est important. Nous avons des exemples de superbes peintures exposées dans des musées à admirer, avec des aspects objectifs de chacune – les couleurs, les coups de pinceau, la conception, les matériaux, et même un petit texte sur la période historique, et l’intention de l’artiste. Mais l’artiste est plus que la peinture et plus que ce que le musée montre.

Un artiste doit pratiquer son métier, peu d’entre eux peuvent créer une œuvre maîtresse du premier coup qu’ils prennent leurs outils. Si nous avons la chance de voir comment ils ont créé la peinture, nous pouvons en apprendre davantage sur l’artiste. Nous pouvons en apprendre plus sur l’artisanat.

Dans les années 70, je suis allé à une exposition de R. Crumb dans la région de Los Angeles en Californie. J’adorais vraiment ses cartoons. À l’époque, je tentais de devenir dessinateur de bandes dessinées. Lors de cette exposition, il y avait beaucoup de ses œuvres qui n’étaient pas des cartoons. Il avait des encres et des dessins qui étaient incroyables, très traditionnels dans le style. Il y avait des dessins, des peintures magnifiques. J’ai vu que devenir dessinateur de bandes dessinées ne se faisait pas du jour au lendemain. Cela demandait beaucoup de travail, et dans le cas de Crumb, le dessin et la peinture traditionnels constituaient la base.

Il y a quelques années, à Washington, dans l’un des musées Smithsonian, j’ai eu la chance de voir l’exposition d’Edvard Munch. Le corpus de ses œuvres présenté n’était pas seulement constitué de pièces de culture populaire. Il montrait des études et des travaux anciens. Il y avait une période d’apprentissage de son métier, puis une période où l’expression personnelle apparaissait dans le choix des couleurs et les sujets. J’ai lu à propos de certaines de ses peintures, en particulier *Le Cri*, et comment cela est venu. Je trouve que cela m’aide vraiment à mieux comprendre mon art si je vois le corpus d’un autre peintre.

Le corpus d’un artiste me montre le parcours de sa pensée créative, et la coordination main-œil nécessaire pour le dessiner et le faire prendre vie. J’ai commencé à lire sur son travail, ce qui ajoute une autre couche de connaissance à son sujet. Donc, quand j’ai lu la contribution de Taylor Snople à cette communauté sur Van Gogh, je n’ai pas pu m’empêcher de commenter.

Lorsque j’étudiais l’art graphique à Philadelphie, je me rendais au musée d’art de Philadelphie. Ils ont une grande collection d’impressionnistes, la collection Annenberg (orthographié incorrectement). Je sautais des cours et passais des heures à marcher d’un tableau à l’autre, à l’admirer : les coups de pinceau, les couleurs, le contenu. Je suis tombé amoureux des scènes nocturnes de Van Gogh et de celle avec la table de billard. Il voyait la lumière comme je la voyais. Je prenais en note sa palette – ce que je me rappelais. Je n’ai jamais pu reproduire ce qu’il faisait. Je voulais une œuvre maîtresse immédiate. J’ai appris en faisant des erreurs, en trébuchant sur ce qui fonctionnait ou pas. J’aime voir que d’autres peintres faisaient aussi cela.

Plus tard, j’ai découvert les lettres de Van Gogh à son frère. C’était une autre perspective sur son parcours créatif. Je me demande à quoi aurait ressemblé son travail s’il avait vécu plus longtemps et s’il avait rencontré un certain succès commercial.

En conclusion, lorsque qu’un artiste meurt jeune, les gens se demandent ce qu’il aurait pu faire s’il avait vécu plus longtemps. Trouver une œuvre inachevée, c’est comme dénicher une pierre précieuse rare dans une décharge publique. Cela peut offrir un autre regard sur ce qu’il voulait exprimer. Je suis si heureux que Mrs Van Gogh, la belle-sœur de Vincent, ait suffisamment valorisé ses peintures pour qu’elles soient encore existantes. Quelle tragédie terrible de penser qu’elles auraient pu toutes être jetées. Cela me fait me demander quels trésors perdus ont été détruits en raison d’une opinion historique sur l’économie et l’esthétique.

C’est un autre sujet.

La question d’afficher le travail inachevé est celle à laquelle est confrontée la succession de chaque artiste. Honorer à la fois le processus créatif et la volonté de l'artiste distingue un héritage significatif de l'exploitation.

Ma façon de voir les choses, c’est que nous ne connaîtrions pas Vincent Van Gough si cela ne s’était pas produit. L’art inachevé ou non exposé d’une personne en dit beaucoup sur le véritable artiste qu’elle était.

Le travail inachevé est souvent plus révélateur que la pièce achevée. On peut voir les décisions prises en temps réel. Mais cela n'a d'importance que si l'artiste aurait été d'accord pour que les gens voient dans les coulisses. La signification culturelle ne devrait pas prévaloir sur les souhaits personnels.

Je ne crois certainement pas qu'il y ait une réponse universelle à cette question.

Ou peut-être que c'est juste qu'il faut poser beaucoup plus de questions pour y répondre.

Qui l'exhibe ?

Est-ce la famille de l'artiste ? Un ami proche ?

Fondamentalement, quelqu'un qui est susceptible de savoir ce que l'artiste voulait ?

Pourquoi et où l'exhibent-ils ?

C'est une grande différence si quelqu'un était vraiment enthousiaste à l'idée de travailler sur une pièce et que vous savez qu'il voulait qu'elle soit montrée une fois terminée, puis quelque chose est arrivé à l'artiste avant qu'il ne puisse être achevé, versus quelqu'un qui sait que l'artiste n'aimait pas une pièce sur laquelle il travaillait et que cela a un rapport avec le fait qu'il ne l'a jamais terminée.

Et si l'artiste est décédé et qu'il était vraiment dévoué à une certaine cause, et peut-être que cette pièce pourrait être mise aux enchères pour soutenir cette cause ? Peut-être qu'elle portait même sur ce thème ?

Il y a beaucoup de facteurs, comme je l'ai dit, aucune réponse unique ne peut absolument répondre à cette question.

Je pense que voir des œuvres en cours d’un artiste comme Van Gogh, Michel-Ange ou Caravage peut nous aider à comprendre leur processus et à apprendre d’eux. C’est un moment dans le temps, un instant de leur vie qui a été figé pour nous.

Avec la musique, c’est plus difficile, je pense. Mais peut-être que c’est seulement parce que je ne connais rien à la création musicale.

Je vous écris au nom de mon mari Chris McClelland, Wildprints, qui dessine avec beaucoup de détails. Il réalise un croquis sommaire de ses dessins montages pour voir comment le placement fonctionne et si il doit déplacer certains éléments vers le haut ou vers le bas pour que cela rende bien. Il commence ensuite un dessin qui peut prendre jusqu'à 300 heures pour être terminé. J'ai tous ses croquis des animaux africains, qu'il réalise en suivant le même processus. J'ai conservé tous ses croquis rapides en pensant qu'ils pourraient être précieux dans les années à venir. Il enseigne aux étudiants de l'école locale l'art du dessin. Il reçoit des visiteurs à la galerie qui s'intéressent à ses techniques et il leur apporte volontiers son aide.

La question de savoir si l’œuvre inachevée d’un artiste devrait être exposée après sa mort est compliquée, mais je crois que cela ne devrait pas l’être. Une pièce inachevée n’est pas simplement « en cours » — c’est un moment privé de l’évolution de l’artiste, quelque chose qu’il n’a jamais choisi de révéler ou de définir comme faisant partie de son héritage. Lorsque nous regardons les grands maîtres du passé, nous valorisons leurs œuvres achevées parce que ce sont celles qu’ils ont intentionnellement façonnées, raffinées, et jugées dignes d’être offertes au monde. Nous n’enseignons pas un cours ni ne proposons une leçon en coulisses sur le processus ; nous présentons un corpus de travaux destiné à se suffire à lui-même. Pour cette raison, l’héritage d’un artiste devrait être construit sur ce qu’il a terminé, ce qu’il a approuvé, et ce qu’il a consciemment offert — pas sur des fragments qui n’étaient jamais destinés à parler en son nom.

Je suis d'accord, le noyau du travail d'un artiste réside dans la démarche. Et si cette pièce est en dessous de la norme pour l'artiste, cela démontre leur habileté acquise dans d'autres œuvres. J'espère également que le travail fini est aussi présenté.

L'importance culturelle est essentielle, mais si la galerie souhaite exposer et que la succession de l'artiste l'approuve, pourquoi pas ? Tout artwork peut être présenté.

Je suis d’accord que, après le décès de l’artiste, son processus artistique ou sa maîtrise technique pourraient être dévoilés. Cela donne également une idée de ce que l’artiste ressentait dans sa vie à cette époque. Qui sait ce à quoi ils pensaient.

Cela peut révéler une humeur de l’époque que toutes les autres œuvres achevées ne montrent pas.

Je pense que cela devrait relever de la famille ou d'autres personnes qui représentent l'artiste. Égoïstement, je pense que ce serait une excellente chose.