Le système de galerie donne-t-il du pouvoir aux artistes ou les freine-t-il?

J'ai été dans des galeries et j'ai écouté des amis qui travaillent dans des galeries depuis des années. Ils perdent la moitié, ou plus, de leurs ventes à la galerie et on leur dit comment ajuster leur œuvre selon la vision de la galerie (la retouche mentionnée par quelqu'un d'autre ici... et c'est après une marche rigoureuse pour leur faire voir votre travail). En résumé, je dirais que les galeries en grande ville sont limitatives et décourageantes pour l'artiste, et plutôt prétentieuses dans leur approche et leurs rencontres sociales. Je vais faire une petite remarque ici en disant que les « Galeries Coop » sont merveilleuses. Artistes soutenant et aidant d'autres artistes. Nous avons 3 dans la ville, et 25 % de la vente couvre le coût du lieu, et on nous conseille de calculer nos prix 25 % plus élevés en conséquence, ce qui est tout de même mieux que les 50 % ou plus pris par des galeries coûteuses.

En commentant une réponse d’un autre qui disait que la plupart des artistes travaillent comme une entreprise et donc ne nourrissent pas de passion ou d’amour pour leur travail, je suis fortement en désaccord, et cette déviation de la définition acceptée d’une entreprise est le dilemme dans lequel la plupart d’entre nous se trouvent... essayer d’intégrer un amour ou une passion dans un modèle d'entreprise traditionnel. Art Storefronts nous donne la voix, un lieu d’exposition et aussi la possibilité d’être payé. Raconter notre histoire avec chaque pièce est essentiel, et là où vous avez une soirée pour le faire dans une galerie physique, sur ASF, chaque « contact » devient une opportunité de raconter votre histoire, et l’HISTOIRE est ce à quoi les gens se connectent.

Curate. Toutes les entreprises proposent une sélection de leurs produits. Si elles ne le font pas, elles ne réussiront pas.

Je suppose que ce sera un message impopulaire. En tant que propriétaire de galerie, nous ne sommes pas tellement intéressés par des pièces individuelles. Nous ne voulons pas simplement ajouter plus d'œuvres à nos murs.

Notre approche en matière de vente et de marketing consiste à bâtir un inventaire stratifié qui offre aux acheteurs plusieurs façons d'engager. Pas seulement en ligne ou dans la galerie, mais à travers différents points de prix, formats, et niveaux d'engagement, tout en maintenant l'intégrité de l'œuvre. Notre approche définit aussi des niches qui fonctionnent comme leur propre écosystème économique. Non seulement ce que nous vendons, mais pourquoi cela se vend, à qui cela s'adresse, et comment cela soutient les artistes, les éditions, et la galerie dans son ensemble. Nous sommes arrivés à un point où la curation et l'économie deviennent la même chose.

Faire du marketing, surtout en ligne, est devenu tellement compliqué et optimisé à un niveau qu'aucun artiste ou galerie individuel ne peut reproduire. S'il y a un moment où les galeries et les artistes doivent collaborer, c'est maintenant. Je vous dis à certains d'entre vous, vous posez la mauvaise question.

Certains d'entre vous penseront peut-être que c'est du bullshit, je comprends, c'est bien. Nous ne sommes pas réussis à moins que nos artistes ne le soient, donc travailler ensemble n'est pas une option. Gardez à l'esprit qu'en 2027, notre galerie aura cent ans.

Je pense que cela dépend du type de galerie. Les galeries coopératives (physiques) gérées par des groupes d'artistes peuvent être extrêmement bénéfiques si les deux parties savent clairement quelles sont leurs responsabilités et attentes. Il y a aussi les galeries en ligne comme Fine Art America, Saatchi, ainsi que celles qui sont privées. Et, à cet égard, Art Helper devient une option. Donc, encore une fois, cela dépend de la galerie et de la relation.

Oui, parfois c’est le cas, j’ai une œuvre primée mise dans le bureau arrière et non exposée.

On m’a demandé de mettre un cadre autour d’une œuvre d’art pour l’exposition. J’ai dû la coleR. Et j’ai un peu ébréché le panneau. J’étais totalement furieux. C’était aussi une première place.

J’achète des cadres bon marché chez Kmart et je constate que les coins sont ébréchés. Je ne sais pas pourquoi. Ensuite, j’ai une vingtaine de cadres vides à cause du verre qui se fissure ou s’ébrèche… parce que les règles de la Galerie sont des règles. Cette année, je n’ai que deux galeries où je peux exposer. Dans les deux, je n’ai pas besoin de « les encadrer » et je peux utiliser n’importe quel médium et taille. C’est ainsi que cela devrait être. Tout coûte de l’argent. Un magazine d’art m’a approché pour une double page, après lecture, j’ai refusé. Pourquoi ? Je devais payer pour ça… Je pensais, mince, quelle arnaque !!Julia B.

Quand un artiste laisse la galerie, l'algorithme ou le marché dicter le travail, l'art devient réactif plutôt que génératif. Il penche vers l'approbation plutôt que la découverte. Et c'est là que l'âme de l'œuvre commence à s'effacer.

Mais lorsque l'artiste tient le centre — lorsque la vision, la curiosité, la conversation matérielle prennent le dessus — alors la galerie, le site web, l'exposition deviennent exactement ce dont vous avez besoin : un outil pour présenter le travail.

Qu'est-ce que le système des galeries sinon un autre fractal d'une idée déjà surfaite qui pense littéralement que le Capitalisme est bon pour nous. Nous. Il prostitue l'art en ignorant son but. Demandez-vous si les artistes ont jamais été autre chose que des pions pour le divertissement des riches et des puissants. Qu'est-ce que le système des galeries sinon simplement un autre moyen de commercialiser l'art dans « un système » qui ne peut évaluer l'art qu'à travers un système de marketing basé sur une vision escatologique du destin, qui proclame que le mal peut être éradiqué par l'annihilation — c'est-à-dire la guerre. C est une simple structure! Pour respecter l'artiste, il me semble nécessaire de comprendre qu’un « véritable artiste » est essentiellement un individu sensible à « un monde » qui réprime la sensibilité par la peur, la cruauté et, évidemment, l'insensibilité. Que ce monde condamne chacun de nos organismes à une esclavage dans un marché qui voit tout le monde, y compris l'artiste, comme une pièce de viande à consommer est, bien sûr, épouvantable. Quand et si cette espèce parvient à trouver un monde plus doux, plus pacifique où vivre, je pense alors que tout le monde réaliserait que nous sommes tous des artistes, et qu'alors il n’y aurait plus besoin de mettre un artiste sur un piédestal. Que nous sachions que le but de l’art fait partie de la vie. Imaginerais-je que des « galeries d’art » existeraient alors ou même telles que nous les connaissons aujourd’hui ? Ma réponse serait catégoriquement Non. Par conséquent, les galeries d’art ne devraient pas être des lieux spéciaux mais évoluer vers des endroits où chacun pourrait expérimenter l’artiste en lui-même. Est-ce que cela ressemblerait aux soi-disant galeries d’art d’aujourd’hui ? Cela nécessitera un nouveau dialogue sur la signification de l’art en dehors des dialectiques péjoratives d’une idéologie de marché qui idolâtre le pouvoir et le contrôle.