Un lugar para discutir los desafíos y aspectos positivos al exhibir en galerías y exposiciones juradas locales. Un espacio para compartir experiencias, hacer preguntas y compartir consejos y conocimientos sobre cómo navegar las a veces confusas dificultades de las exhibiciones de arte en persona.
Acabo de recibir la noticia de que fui aceptado en la exposición Cocoon Gallery en Grand Rapids. https://facebook.com/events/s/opening-night-hazy-lazy-summer/1302702215257746/
¡Primer exposición en Grand Rapids! Dos cuadros: “Cliffside” y “Rocky Shoreline.”
Estoy feliz de compartir mi primera reseña de una exposición en solitario realizada por un crítico de arte (Doctor en Artes)))).
El video está en ucraniano, y YouTube facilita añadir subtítulos en inglés, por lo que aún se puede seguir cómodamente.
Las pinturas en sí mismas pueden no verse muy claramente en el video, pero puedes verlas en mi perfil.
Para mí significa mucho ver la exposición reflejada a través de una perspectiva artística tan reflexiva.
Estoy agradecido por el tiempo, la atención y la sensibilidad dedicados a la obra.
La Alamo Danville Artist Society permite a los expositores traer obras adicionales además de las que están en las paredes. En mi primera exhibición en la Blackhawk Gallery Exhibit, había colocado un par de mis imágenes justo fuera de la galería. Mientras trabajaba detrás del mostrador, miré hacia arriba para ver a alguien tomando una fotografía de una de mis imágenes afuera. No pude hablar con él porque se iba rápidamente. La galería tiene un cartel que pide a la gente que no tome fotografías sin el permiso del artista. Algunos escuchan, otros no.
Mirando hacia atrás, veo esto como una oportunidad para conectar con quienes toman fotografías sin permiso, en lugar de volverse loco contra ellos. Me pregunto: ¿cómo manejan otros esta situación?
En Australia no entras en una galería si no estás formalmente calificado. No participas en ferias de arte a menos que estés representado por una galería. No eres destacado en revistas si no estás en una galería y no eres invitado... No puedo hablar por otros países.
He estado pintando durante más de 30 años y he tenido galerías propias para representarme a mí mismo y recaudar fondos para organizaciones benéficas, reuniendo artistas como https://artforrescue.com.au/. La mayoría de mis compradores no descubren arte desplazándose por Instagram.
Ellos:
caminen por galerías
trabajen con diseñadores de interiores y consultores de arte
elijan piezas en el contexto de un espacio
Quieren sentir la obra.
Ver la escala.
Entender cómo vive en una habitación.
Y durante mucho tiempo, pensé que la respuesta era:
“Necesito representación en una galería.” y tenía que hacer exposiciones para vender mi obra.
Pero esto es lo que he llegado a entender - Las galerías no poseen a los compradores.
Simplemente los reúnen.
El verdadero reto para los artistas no es el talento. Es el acceso.
Acceso a las salas correctas
Acceso a las conversaciones correctas
Acceso a los entornos donde se toman decisiones
Porque los compradores de alto valor no compran diferente por el arte…
Compran diferente por cómo lo experimentan.
Así que la pregunta para mí no es: “¿Por qué no se vende mi obra en línea?”
Es “¿Dónde compran realmente mis compradores, y cómo los puedo encontrar allí?” Mi obra de arte se vende desde $5K hasta $24K. Quieren sentir que me conocen y quieren mantenerse actualizados con mi trabajo en línea. Quizá quieran comprar algunos artículos para el hogar como regalo en línea y, con suerte, escalar hacia compras mayores.
Me gustaría saber dónde tus compradores experimentan primero tu obra: ¿en línea, en galerías, o a través de alguien más? ¿Y dónde están realizando la compra?
Acabo de recibir una notificación de que he sido seleccionado por Novum Artis para una de mis obras de arte digital. Ellos están ofreciendo una página completa con mi obra, una descripción y una reseña. Sin embargo, para ser publicado, requieren una tarifa de $100. Soy nuevo en todo esto y no tengo idea de si esto es legítimo o no. ¿Alguien tiene alguna idea? Cualquier orientación sería bienvenida.
Los artistas a menudo usan estos términos indistintamente, pero son entornos muy diferentes — con diferentes compradores, diferentes rangos de precios y diferentes objetivos.
Los festivales de arte son eventos comunitarios. Piensa en ferias callejeras, mercados al aire libre, fines de semana de arte local. El público es amplio y casual. La gente mira más que compra. Aquí se mueven bien obras más pequeñas y precios más bajos. Es un lugar excelente para construir reconocimiento local, vender reproducciones y encontrar nuevos suscriptores para tu correo electrónico. La atmósfera es accesible.
Las ferias de arte son eventos del sector. Piensa en Frieze, Art Basel, NADA. Estos atraen a coleccionistas serios, galeristas, curadores y prensa. Las obras se venden a precios más altos, y las relaciones que se forman pueden cambiar carreras. La participación es competitiva — generalmente a través de galerías en lugar de directamente — y el costo de participar es importante.
También existe un punto intermedio: ferias de arte juradas regionales. Estos suelen ser eventos de fin de semana en parques de la ciudad o centros de convenciones, evaluados por un jurado, con coleccionistas que realmente están allí para comprar. Los precios están entre los de festivales y ferias principales. Estas pueden ser excelentes para artistas en medio de su carrera construyendo una base de coleccionistas.
Conocer en qué entorno estás participando te ayuda a preparar el trabajo adecuado, ponerle precio correctamente y establecer expectativas realistas sobre qué significa tener éxito.
Entrar en una galería no se trata de suerte — se trata de investigación, adaptación y el tipo correcto de introducción.
Comienza con la investigación. Visita galerías que exhiban trabajos en tu género, rango de precios y estilo. Quieres encajar de manera natural en la pared — no ser una desviación de lo que normalmente muestran. Mira a los otros artistas que representan. Lee sus directrices de envío. Síguelos en redes sociales durante al menos unos meses antes de contactarlos.
Cuando estés listo para acercarte:
1. Visítalos en persona primero. No para presentar tu trabajo — solo para mirar. Preséntate como artista, observa el espacio, familiarízate con el equipo. Esto hace que tu correo de seguimiento sea más cálido que una propuesta en frío.
2. Envía una consulta enfocada, no tu portafolio completo. Un correo corto y profesional: quién eres, un enlace a tu sitio web, dos o tres imágenes adjuntas, y una oración sobre por qué crees que tu trabajo encajaría en su programa. Los dueños de galerías están ocupados. Respeta su tiempo.
3. No hagas más de un seguimiento. Si no recibes respuesta en 4–6 semanas, un recordatorio breve es apropiado. Más allá de eso, puede parecer una presión.
4. Acepta el rechazo como parte del proceso. Cada artista de galería que trabaja tiene una carpeta llena de 'no'. Los que lograron avanzar siguieron adelante de todos modos.
Me pasó esto a mí. Ella iba a combinarla con otras 3 piezas de artistas en los mismos colores. Todas realmente lucían bien juntas. Se lo concedo.
Creo (aunque no estoy seguro) que también tiró la funda protectora en la que estaba mi impresión. La peor parte es que el marco es solo un poquito más grande que el mat, y se ven los bordes crudos a ambos lados de la pieza enmarcada. Permití que fuera así, pero no estaba feliz. Ahora, ella está pidiéndome que me lleve la impresión enmarcada a casa porque no se ha vendido. Le he pedido que la saque del marco, la vuelva a poner en su funda protectora y la devuelva junto con mis otras impresiones. ¿Es esto justo, o debería simplemente llevármela a casa y venderla en otro lado?
¿Cómo debería haberla manejado ella mejor? ¿Y cómo debería haber manejado yo mejor la situación?
Creé este grupo porque he tenido muchas dificultades con los lugares de exhibición locales y las muestras juradas. Vengo de 50 años en Santa Bárbara, donde todo tipo de arte era valorado y celebrado, y ahora vivo en Utah, que es increíblemente conservador, no solo en lo político, sino también en lo que acepta como arte. Después de haber participado en varias exhibiciones locales, que proclamaban la inclusión de todos los géneros y estilos artísticos, con la excepción de una fuerte declaración contra la desnudez o cualquier cosa que pudieran considerar en contra de la iglesia LDS/Mormona. Esto no se dice abiertamente, pero en esencia es lo que muchos expresan. No tengo nada en contra de su religión, pero he notado que el único arte que recibe reconocimiento y elogios, premios, etc., es el arte realista—paisajes, personas, animales y flores, y obras que representan historias bíblicas, en sintonía con el énfasis proselitista de la cultura dominante aquí. Realmente, nada de esto se dice en crítica a esta cultura en la que me he transplantado, pero ha creado un techo (y muros) muy real para artistas de diferentes orígenes y estilos artísticos. Los colores brillantes, los estilos espirituales (que no sean bíblicos), que se apartan del espectro realista, son claramente ignorados, y siempre se otorgan premios a los mismos paisajes de Utah y casi retratos victorianos. Hoy, investigué un poco para ver si solo estaba imaginando esta dinámica y me di cuenta de que no estaba equivocado en sentir lo que siento. Artículo: https://artistsofutah.org/15Bytes/towards-a-concept-of-lds-art/ ¿Qué piensan ustedes sobre esto y tienen algún consejo o idea de cómo puedo navegar en este paisaje cultural? ¡Gracias!