Prophetische Kunst & Spirituelle Kreativität

I've been quiet here for the past couple of weeks. Not because I had nothing to say, but because I had too much to say and no idea how to say it well.

On June 18th, Canada's Bill C-9 received Royal Assent. Around the same time, Bill C-22 has been moving through committee — legislation that would compel digital platforms to retain metadata and build in surveillance capability at the request of law enforcement. Different bills, different mechanisms, but the same question underneath both: what happens to expression — religious, artistic, prophetic — when the boundaries of what's "acceptable" to say get redrawn by people who were never going to like what you say in the first place?

Here's what makes this personal for me specifically. Bill C-9 removed something called the "good faith religious expression" defence from Canada's hate speech law — a provision that previously protected people who, in good faith, expressed an opinion on a religious subject or a belief grounded in a religious text. That protection is gone now.

I make prophetic art. That's not a vague spiritual aesthetic — it means the names, the stories, and the meaning behind my paintings come directly out of Scripture. Faith. Rivers of living color, my own riff on John 7:38. These aren't decorative titles. They're sincerely held religious beliefs I'm putting into paint, the same way someone else might put them into a sermon or a written testimony. My process — discovery over illustration, letting the composition lock in real time as I pray and paint — is itself an act of faith, not just a technique.

I'm not a lawyer, and I'm not going to pretend I've read every clause of either bill or that I know exactly how this will be applied. But I know what it means that the specific legal protection for religious expression — the kind of expression my entire body of work is built on — no longer exists the way it did a month ago. That's not a hypothetical. That's the actual change.

Right after I read the news, I watched the movie Leonie. Near the end, there's a quote that undid me:

"Your art will be your weapon. Your art will be your voice. There're no boundaries for an artist, no borders. Through art you can speak all languages and live a magnificent life, anywhere." —Leonie

I sat with that for a long time. Because here's the thing I keep coming back to: fear and faith cannot coexist. Fear is misplaced faith — faith pointed at the wrong outcome. Legislation, whatever its actual reach turns out to be, can become a very effective tool for cultivating fear in artists who would otherwise be brave enough to name the source of what they make.

So this is my decision, stated plainly: I am going to keep painting what Holy Spirit shows me. I am going to keep naming my paintings what they actually are — biblical, prophetic, rooted. I am going to keep being transparent about my process, because transparency is part of my integrity as an artist — even now, maybe especially now. If a painting is going to grow up over years the way mine do, it needs to be born honest.

I don't know yet what either of these bills will mean in practice, for me or for anyone else who creates work that speaks into faith or conscience. What I do know is that I'd rather be vulnerable on a canvas than silent out of fear.

Rivers of living color don't ask permission to flow.

I'd love to hear from you — has anything in the current cultural climate made you hesitate before naming what your work is really about?

I've been doing some admin work on my website lately — going through my art catalog, piece by piece. When I got to EGYPT, I found myself digging into its history, including who had actually bought it through Saatchi Art. What I found gave me a real lift, and underscored just how much this piece mattered.

Let me back up.

In 2017, I painted EGYPT in my studio in Oakville — pyramids under a moonlit sky, acrylic on canvas, 16×20 inches. It came fast. I remember knowing, even as I painted it, that it was special. It sold within a few days of being uploaded to Saatchi.

But the painting had a strange beginning. I had personally always associated dark things with Egypt. And I painted this piece in the week after an overnight stay at a sleep clinic. It wasn't until my consult to review the results that I learned the owner of the clinic was Egyptian — his office was full of Egyptian artifacts. I believe I was affected by the atmosphere of that place. The spirit of Egypt stayed with me, and it came out in the work.

Being spiritually sensitive, this left me with real questions. What spirit had influenced me? I didn't have an answer at the time.

That's part of why this recent discovery meant so much to me. Going back through the catalog, I learned the painting had gone to Delaware, Ohio, into the collection of John A. Kohan — former New York Times foreign correspondent, sacred art collector, and curator of the Sacred Art Pilgrim Collection. John collects sacred and spiritual art from around the world. I could not have asked for a more fitting home for this piece.

And then there's the part I learned even earlier, in 2020. I had the privilege of being part of a prayer team covering an apostolic journey to Israel. During that time, Holy Spirit opened my eyes to Isaiah 19 — Egypt's prophetic destiny.

"In that day there will be an altar to the LORD in the heart of Egypt." Isaiah 19:19

That passage stopped me. Egypt — the historic house of slavery in Israel's memory — is named in Isaiah as part of a future blessing with Israel and Assyria. Not erased. Not discarded. Named.

This isn't only an old passage to me. The "Isaiah 19 Highway" language I encountered in intercessory and prophetic circles points to something many believe is unfolding now — in this generation, not a distant one.

EGYPT: How my biggest sale wasn't just about money

I've been doing some admin work on my website lately — going through my art catalog, piece by piece. When I got to EGYPT, I found myself digging into its history, including who had actually bought it through Saatchi Art. What I found gave me a real lift, and underscored just how much this piece mattered.

Let me back up.

In 2017, I painted EGYPT in my studio in Oakville — pyramids under a moonlit sky, acrylic on canvas, 16×20 inches. It came fast. I remember knowing, even as I painted it, that it was special. It sold within a few days of being uploaded to Saatchi.

But the painting had a strange beginning. I had personally always associated dark things with Egypt. And I painted this piece in the week after an overnight stay at a sleep clinic. It wasn't until my consult to review the results that I learned the owner of the clinic was Egyptian — his office was full of Egyptian artifacts. I believe I was affected by the atmosphere of that place. The spirit of Egypt stayed with me, and it came out in the work.

Being spiritually sensitive, this left me with real questions. What spirit had influenced me? I didn't have an answer at the time.

That's part of why this recent discovery meant so much to me. Going back through the catalog, I learned the painting had gone to Delaware, Ohio, into the collection of John A. Kohan — former New York Times foreign correspondent, sacred art collector, and curator of the Sacred Art Pilgrim Collection. John collects sacred and spiritual art from around the world. I could not have asked for a more fitting home for this piece.

And then there's the part I learned even earlier, in 2020. I had the privilege of being part of a prayer team covering an apostolic journey to Israel. During that time, Holy Spirit opened my eyes to Isaiah 19 — Egypt's prophetic destiny.

"In that day there will be an altar to the LORD in the heart of Egypt." Isaiah 19:19

That passage stopped me. Egypt — the historic house of slavery in Israel's memory — is named in Isaiah as part of a future blessing with Israel and Assyria. Not erased. Not discarded. Named.

This isn't only an old passage to me. The "Isaiah 19 Highway" language I encountered in intercessory and prophetic circles points to something many believe is unfolding now — in this generation, not a distant one.

That passage answered my question about the painting. But it gave me something bigger than that, too. It showed me the heart of God for that nation. His character. His redemptive nature, always. He is so much bigger than my mind can comprehend. His ways are not my ways. He is good and faithful — and I am so limited by my own perspective.

I didn't know any of this when I painted EGYPT. I knew pyramids. I knew a sky that felt like prophecy. I knew the painting was special, and I knew it carried something I couldn't fully name. But God knew what He was saying.

This is what keeps happening to me — I rediscover how prophetic a piece turns out to be, and it makes me take the work more seriously. The painting isn't just illustration or planned symbolism. It can be something the Spirit was brooding over before I understood it myself, sometimes before the world caught up to it too.

EGYPT taught me that.

Have you ever made something, prayed something, or painted something — and only understood what it meant, or watched it come true, years later?

Nun, das war einer dieser Wow-Momente für mich. Manchmal entdecke ich solche Momente, wenn ich einfach in meinem Studio herumwerkle. Bei diesem hier habe ich einfach mit Schwämmen und verdünnten Acrylfarben experimentiert. Ich begann auf einer Leinwand und stellte fest, dass die Farben nicht gut absorbierten, also bin ich auf Papier umgestiegen. Wie üblich fotografiere ich meine Arbeiten oft und benutze gerne einen Invert-Farbfilter in einer App, die ich benutze. Und dann ist es so: Das letzte Foto ist tatsächlich das Original. Wie ich bereits sagte, sind die anderen beiden farblich invertiert. Also in meinem Kopf kümmert mich hier die Anti-KI-Agenten eigentlich nicht. Ich denke, in diesem Fall spricht die Arbeit für sich selbst. Willkommen an diejenigen, die entscheiden möchten, welche Ansicht besser ist oder stärker zur Geltung kommt. Für das Original, wie der Titel nahelegt, habe ich einfach das Chaos des Moments umarmt. Dann – Überraschung – erhalte ich dieses Ergebnis. Für mich glaube ich, dass dies eine neuere Art von Stil für mich sein könnte und ich werde damit arbeiten. Danke, genießt es.

Für mich beginnt es in der Regel nicht mit einem vollständig ausformten Bild in meinem Kopf. Ich beginne mit Farbe, Bewegung, Atmosphäre oder dem Gefühl einer Einladung. Ich setze Zeichen. Ich reagiere. Ich schaue. Ich warte. Ich frage weiter: Was wird das hier? Was zeigst du mir hier?

Manchmal kommt die Bedeutung, während ich male. Manchmal kommt sie später. In der Regel bete ich dabei. Irgendwann beginnt das, was ich sehe, darauf hinzuweisen, worum es bei dem Stück geht.

Ist es deshalb, weil es das ist, was es sein soll? Oder liegt es daran, dass ich sehe, was schon in mir drin ist? Ich denke, es ist beides. Der Heilige Geist erhellt, was Er sagt – und du kannst es empfangen aufgrund deiner Beziehung zu Ihm, zum Wort und zu deinem Weg. Aus deinem innersten Wesen werden Ströme lebendigen Wassers fließen. Ich würde sagen: Ströme lebendiger Farben.

Das ist einer der Gründe, warum ich prophetische Kunst liebe. Sie ist nicht immer Illustration. Manchmal ist sie Entdeckung.

Sobald ich weiß, worum es bei dem Stück geht und ich mich auf die Komposition festgelegt habe, genießt der Künstler in mir die technische Arbeit wirklich – und strebe danach, die Botschaft auf immer stärker werdenden malerischen Ausdrucksformen herauszuarbeiten.

Ich kehre oft zu älteren Gemälden zurück und führe sie weiter. Mein Verständnis ist gewachsen. Meine Fähigkeiten sind gewachsen. Warum sollte das Gemälde nicht wachsen?

Ich denke an meine Gemälde wie an meine Kinder. Das Festhalten jeder Phase mit dem iPhone ist ein wenig wie das Fotografieren der Kinder beim Aufwachsen. Sie sollten wachsen.

Ich würde mich freuen, von euch hier zu hören: Betrachtet ihr fertige Werke jemals erneut – oder wirkt ein Gemälde fertig, sobald ihr es beiseitelegt?

Land der aufgehenden Sonne, 12 x 12 Zoll, Acryl auf Leinwand, auf Paneelplatte montiert

Anne Reid bat mich, diese Geschichte aus dem Bereich Allgemein in diese Community erneut zu posten, da sie für euch alle interessant sein könnte.

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Hast du jemals bemerkt, dass es oft so ist, wenn man die „richtigen“ und verantwortungsvollen Kopfentscheidungen trifft, sie oft auf Kosten des Herzens gehen? Selbst wenn der Wunsch deines Herzens noch ein unausgesprochenes fundamentales Bedürfnis ist, hat das Leben eine Art, es dir unmöglich zu machen, jene verborgenen Sehnsüchte weiterhin zu verleugnen, und für mich war es die Kunst.

          Die Verfolgung der Kunst war ein verantwortungsloser Karriereweg, von dem mir immer wieder gesagt wurde. Wähle etwas, in dem du gut bist und das dich unterstützen kann. Erst viel später, im Licht der erfolgreichen Karriere meiner Mutter als Künstlerin, würde ich die Ironie dieser Botschaften verstehen.

        Und so habe ich mein Herz beiseitegeschoben. Ich schaffte es ein ganzes Jahr an der Universität, verantwortungsbewusste Entscheidungen zu treffen, hart in meinem Geisteswissenschaften-Studium zu arbeiten, um darauf vorbereitet zu sein, eines Tages zu unterrichten. Ehrlich gesagt hatte ich keine Zeit, darüber nachzudenken, da ich auch Vollzeit arbeitete, um mir das Studium zu finanzieren. Zu viel Nachdenken könnte mich leicht entgleisen lassen, das wusste ich. Das sollte nicht passieren. Meine Ziele standen fest, ebenso wie mein Zeitplan, sie zu erreichen.

        Ich hielt neun Monate durch. Bis zu meinem ersten College-Sommer kam ich.

        Unfähig, es länger auszuhalten, schluckte ich meine Angst und Gefühle der Unzulänglichkeit, wenn es um Kunst ging, und meldete mich im ersten Sommer nach meinem Freshman-Jahr am College im Jahr 1979 zu einem Malunterricht an. Der Lehrkünstler entfachte das Feuer in mir neu. Sein Name war André Andreoli, der berühmteste niederländische romantische Landschaftsmaler des 19. Jahrhunderts, der zu jener Zeit weltweit lebte, und er war in jenem Sommer zu Besuch in Santa Barbara. Geboren in Holland, aber Sohn eines erfolgreichen Geschäftsmannes aus Mailand, werde ich vielleicht nie erfahren, wie er schließlich einen Kurs an Westmont unterrichtete; aber heute sehe ich darauf zurück als Gottes direkte Anstiftung an mich.

        Zu sagen, André sei exzentrisch, rätselhaft und eine Naturgewalt, wäre milde ausgedrückt! Zehn Menschen hatten sich für diesen Sommerkurs eingeschrieben. In der zweiten Woche standen acht ab, weil er so anspruchsvoll und exzentrisch war, und seine hitzköpfige italienische Persönlichkeit war den geschützten christlichen College-Studentinnen zu viel. Er WAR zu Beginn ein wenig furchteinflößend! Ich hatte erwartet, dass er den Kurs absagt, während nur noch zwei von uns übrigblieben, da er im Grunde genommen umsonst arbeiten würde; ich war schließlich nur Auditorin. Das Verlangen zu malen hatte sich angefühlt, als würde es sich an meiner Seele kratzen, also war der fehlende Kredit für mich egal. Ich erinnere mich, wie er dort vor Cathy und mir stand, ein dünner, knochiger Mann, der zu vibrieren schien und eine Aura von heftiger Stärke ausstrahlte. Sein langer, zotteliger schwarzer Haar hing schief um seine Schultern, er war wie jemand aus einem Film über Künstler der Renaissance.

„Nun, jetzt  bin ich übrig mit euch beiden.“ Wir warteten gespannt, was er als Nächstes sagen würde. Würde er den Kurs absagen? Dann fuhr er fort: „Die einzigen zwei, die hier bleiben wollen.“ Er grunzte. „Für den Rest: Gute Reise!“ Er streckte den Arm aus, um seine Worte zu betonen. Jetzt können wir endlich loslegen! Unsere Augen weiteten sich vor angestautem Gelächter, aber wir nickten beide eifrig, wenn auch etwas nervös. Ich atmete erleichtert aus, was mir einen scharfen Blick von seiner langen Nase einbrachte, gefolgt von einem langsamen Zucken seiner Lippen, so nah wie ich es bis zu diesem Moment von ihm gesehen hatte. Oh ja, er war ein wenig scary, aber mein Brennen, zu malen, überwog bei weitem meine sanften Gefühle und Zärtlichkeiten, und ehrlich gesagt, da war eine treibende, unersättliche Leidenschaft für Gott und Kunst, die ihn zu verzehren schien. Es war völlig ansteckend.

            Cathy und ich blieben den Sommer, der Kurs entwickelte sich zu einem privaten Mentoring-Studio für zwei junge Frauen, die Kunst lieben. Es war ein harter Kurs, emotional ebenso wie in der Lernkurve für mich. Er schimpfte und tobte mich an, die weniger begabte der beiden Schülerinnen, warf oft die Hände in die Luft und sein langes schwarzes Haar peitschte um ihn herum in lauter, dramatischer italienischer Entrüstung. Manchmal warf er seine Bürste quer durch den Raum vor Frustration. Er packte meine Hand, rief: „Nein! NEIN! So!“ während er die Linie und den Druck der Bürste leitete, um mir zu helfen, die Farbe zu „fühlen“ und eine genaue Linie zu erzeugen.

Schmerzhaft malte ich, malte erneut und erneut, oft bis lange nach der Arbeit, versuchte das Gelernte beim Malen einer italienischen Fassade anzuwenden. Mein Ergebnis war höchstens mittelmäßig, aber ich behielt es als Erinnerung an André und an die Lektionen über Malerei, Kunst, Leben und Gott, die ich von ihm in jenem Sommer gelernt habe. Hin und wieder überkommt mich der Gedanke, es zu ergänzen, zu verfeinern, zu beenden, mit den Fähigkeiten, die mir in den vierzig Jahren seither beigebracht wurden, doch ich wollte ihn nach all der Zeit und Mühe, die er in mich investiert hatte, nicht enttäuschen.

            Später im Kurs fragte ich ihn, warum er entschieden hatte, den Kurs mit nur zwei Personen zu unterrichten, und mich nur als Auditorin für 25 US-Dollar zu nehmen, weil ich mir den Preis der Einheiten nicht leisten konnte. Er sagte, er kümmere sich nicht um Geld, aber um Feuer schon. „Ich sah das Feuer in deinen Augen.“ Er sagte, das sei alles, was er in einem Studenten sehen müsse… ein „Feuer im Inneren zu malen.“ Er sagte mir: „Ich kann einem Studenten kein Feuer beibringen; entweder hat er es oder er hat es nicht. Fähigkeiten kann ich lehren, Feuer nicht.“

Wenn ich heute auf meine eigene Laufbahn als Lehrerin und Kunstlehrerin zurückblicke, verstehe ich diese Gefühle völlig und stimme ihnen zu. Ich kann immer noch jene Schüler nennen, die ich in 38 Jahren hatte und die dieses „Feuer im Inneren zu malen“ besaßen... Carlie, Anna, Liam, Alexis, Eliana, Kayvon, Jordan, Harry und Olivia.

         Die Gelegenheit, mit André Andreoli zusammenzuarbeiten, einem weltberühmten Maler, ist ein geschätztes Geschenk, das ich nie auf die leichte Schulter genommen habe.

Fünfundvierzig Jahre später, nach jener langen Lehrkarriere, die ich hatte, kehre ich zu meiner ersten Liebe, dem Malen, zurück und male mit jenem Feuer und jener Leidenschaft, die ich in André so sehr geliebt habe. Obwohl mein Stil anders ist, zeigen sich die romantischen Einflüsse meiner frühesten Lektionen bei ihm in meiner Kunst, wie ich heute erkenne... und so male ich ebenfalls, um Gott hoffentlich zu verherrlichen und die Liebe und Schönheit zu teilen, die uns vom ultimativen Schöpfer gegeben wurden. Danke, André Andreoli.

Iryna Belova-Smorzh ist eine Künstlerin hier bei Arthelper. Ihre Arbeiten sind exquisit. Das Thema dieses Beitrags passt gut zu dieser Gruppe, deshalb wollte ich es teilen. Das ist das Beste, was ich tun kann. Du musst auf den Link klicken, um es anzusehen.

https://www.arthelper.com/community/portraitart/post/the-pain-of-disappointment

Die Hände in diesem Gemälde sind meine Hände.

Dieses Gemälde heißt Community. Ich malte das Original 2007 als Aquarell im National House of Prayer in Ottawa, nachdem ich der Frau auf dem Bürgersteig, die es mehr brauchte als ich, das einzige Essen gegeben hatte, das ich mitgebracht hatte.

Jahre später imitierte das Leben die Kunst.

Im Jahr 2022 wurde Community zu einem Druck, der als Dankeschön-Geschenk für Hauptspender von Kids Against Hunger Canada verwendet wurde. Ein Gemälde, das mit einer kleinen Geste des Gebens begann, wurde Teil einer viel größeren Geschichte des Gebens.

Das ist eine der Dinge, die ich an prophetischer Kunst liebe. Die Gemälde haben ein eigenes Leben, und die Geschichte entfaltet sich im Laufe der Zeit.

Für mich ist Community verwurzelt in Jesaja 58 — wahres Fasten, ausgedrückt durch Barmherzigkeit, Teilen und Fürsorge für die Person vor uns.

Übrigens... der Drucker hat es verkehrt herum eingerahmt, was ich bemerkte, als ich mir den Facebook-Beitrag ansah. Ich musste es neu machen lassen.

Ich folge Matt Tommey seit Jahren und hatte sogar die Gelegenheit, ihn per Facebook Live zu interviewen. Er steht weltweit an der Spitze der christlichen Kunstgemeinschaft. Mit echtem künstlerischem Erfolg innerhalb und außerhalb der Kirchenmauern nimmt er seinen Auftrag, eine Armee christlicher Künstler zu formen, ernst. Er beweist, dass der Mythos des verarmten Künstlers Unsinn ist und zeigt dir, wie du dich mit Gott verbinden kannst und welchen Plan er für deine künstlerische Reise hat.

https://thrive.matttommeymentoring.com/yourartmatterstogod

Der Zweck dieses Stücks war es, direkt mit dem Unterbewusstsein in Verbindung zu treten, um das Gefühl zu vermitteln, dass dies etwas ist, das einige schon einmal gesehen haben..

Der Anfang dieser Geschichte ist nicht das, was du vielleicht erwartest.

Bevor ich ernsthaft zu malen begann, hat jemand etwas über mich ausgesprochen — das, was diejenigen in meiner Glaubensgemeinschaft als prophetisches Wort bezeichnen würden: ein von dem Geist geleiteter Eindruck, laut ausgesprochen, als Ermutigung für den Weg, der vor mir liegt. Sie sagte mir, dass, wenn Menschen meine Kunstwerke sahen, Heilung freigesetzt würde. Dass ein neuer Fluss von Kreativität kommen würde — und für mich bedeutete das etwas Bedeutendes. Mein hauptsächlicher kreativer Ausdruck für Jahrzehnte war Tanz. Dieses Wort wies auf etwas völlig Neues hin. Dass ich Farben finden würde, die ich nur im Himmel gesehen hatte, und dass die Salbung des Herrn darauf liegen würde.

Ich hatte dieses Wort nicht verdient. Ich hatte noch nichts bewiesen. Es wurde gegeben, bevor die Arbeit existierte.

Und dann, im darauf folgenden Jahr, ging ich durch eine der härtesten Phasen meines Lebens. Ein bedeutender Verrat. Eine zermürbende Niederlage. Es geschah in einem Umfeld, in das ich mich so stark hineingebracht hatte, was es noch tiefer treffen ließ.

Die Kunst war schon immer Teil meines Lebens. Aber ohne diese Zermürbung glaube ich, ich wäre dort geblieben, wo ich mich wohl und vertraut fühlte — im Tanz, in dem, was ich bereits wusste. Die Zermürbung hat mich nicht nur verletzt. Sie hat mich bewegt. Sie hat neues Terrain geöffnet, neues Land, in das ich sonst nie getreten wäre. Das Schaffen wurde Teil meiner Heilung. Aber es wurde auch etwas, das ich nie gefunden hätte, wenn alles intakt geblieben wäre.

Als ich begann, meine Arbeit zu teilen, postete ich nicht aus Stärke. Ich postete von einem Ort aus, der viel zarter war als dieser. Jedes fertige Gemälde ging hoch. Beständig. Zehn Jahre lang.

Zu Beginn waren alle Ängste da. Was werden die Leute denken? Was, wenn niemand reagiert? Was, wenn sie denken, wer glaubt sie zu sein?

Ich wusste bereits, wie sich Ablehnung anfühlt. Das erleichterte es nicht, es erneut zu riskieren. In mancher Hinsicht machte es es schwerer.

Aber ich habe es trotzdem gepostet.

Hier ist, was mir zehn Jahre lang dieses Vorgehen beigebracht hat.

Angst ist fehlplatzierter Glaube. Es ist der Glaube daran, dass etwas Schlimmes passieren wird — und je mehr du daran glaubst, desto mehr Macht gibst du ihm. Du kannst nicht in Angst UND Glauben leben. Sie können nicht denselben Raum einnehmen.

Du kannst nicht warten, bis du perfekt bist, bevor du anfängst. Und du kannst nicht zulassen, dass das, was andere Leute denken, dich stoppt — denn die Wahrheit ist, die meisten Menschen denken sowieso nicht an dich. Welche Reaktion sie auf deine Arbeit haben oder auch nicht haben, hängt viel mehr davon ab, wo sie stehen, als davon, wo du bist.

Diese Erkenntnis war befreiend für mich. Die Stille nach einem Beitrag, das Durchscrollen, die Nicht-Reaktion — nichts davon war ein Urteil. Es waren einfach Menschen, die ihr Leben lebten.

In der Tradition, aus der ich stamme, funktioniert Prophezeiung auf die gleiche Weise. Du riskierst, eine stille, kleine Eingebung laut auszusprechen. Du könntest dich irren. Du könntest ignoriert werden. Aber du lernst, deinen Wert vom Feedback zu trennen. Der ganze kreative Prozess ist sehr ähnlich — du riskierst, etwas auf die Leinwand zu setzen, das von irgendwo tief in dir stammt, und es dann der Welt zu zeigen.

Dieses Gemälde heißt Glaube.

Sie steht nicht in Sicherheit. Sie steht im Feuer — Arme geöffnet, dem Licht zugewandt. Diese Haltung verstehe ich jetzt auf eine Weise, die ich vor der Zermürbung nicht gekonnt hätte. Glaube, der nie getestet wurde, sieht nicht so aus. Das ist Glaube, der weiß, wie sich Feuer anfühlt, und ihn dennoch öffnet.

Eine Anmerkung zu diesem Bild, denn Transparenz ist mir und dieser Gemeinschaft wichtig.

Der Druck, den du hier siehst, wurde nicht von KI erzeugt. Er begann als originales Acrylgemälde auf Papier — du kannst das Original oben sehen — das ich dann auf eine Plattenplatte montierte. Für die Druckversion habe ich ein Fotobearbeitungswerkzeug verwendet, um Anpassungen vorzunehmen, wobei die bedeutendste die Hinzufügung eines Spotlights war. Das war eines meiner frühen Experimente, handgefertigte Originalarbeiten für Drucke vorzubereiten.

Ich dokumentiere diesen Prozess vollständig in den Integritätshinweisen auf meiner Website für jedes Werk, bei dem der Druck sich bedeutend vom Original unterscheidet. Ich denke, Künstler, die sich in diesem Raum bewegen — wo digitale Werkzeuge auf Originalarbeiten treffen — schulden ihren Sammlern und ihrer Gemeinschaft diese Ehrlichkeit. Darauf bin ich verpflichtet.

Nach einem Jahrzehnt konstanter Veröffentlichung meiner Arbeiten kann ich ehrlich sagen, dass ich keine Angst mehr habe, etwas zu posten. Nicht, weil die Angst nicht mehr kommt — sondern weil Wiederholung meine Beziehung dazu verändert hat. Ich habe aufgehört, ihr die Entscheidungen zu überlassen.

Kürzlich erlebte ich Ähnliches erneut, als ich hier bei ArtHelper die Prophetic Art-Gruppe gestartet habe. Dieselbe Zurückhaltung. Wird man das verstehen? Ist das zu speziell? Bin ich hier die Einzige, die so denkt?

Ich habe es dennoch gestartet. Es gibt jetzt rund 100 Mitglieder.

Was ich lerne — lerne weiterhin — ist, wie ich darüber spreche, was ich trage, auf eine Weise, die Türen öffnet statt sie zu schließen. Das geschieht nicht im Privaten.

Wenn du etwas zurückhältst — ein Gemälde, eine kreative Richtung, etwas, das du spürst, aber noch nicht veröffentlicht hast — möchte ich das klar sagen:

Die Freiheit kommt nicht vor dem Risiko. Sie kommt, weil du weiter dabei bleibst, während du noch Angst hattest.

Und manchmal ist das stärkste, was du anderen geben kannst, die Arbeit, die du gemacht hast, während du dich noch heilst.

Veröffentliche es. Jemand braucht vielleicht genau das, was du gemacht hast.

Welches Werk hättest du bisher gezögert zu teilen? Lass es unten da — ich würde es wirklich gerne sehen. 👇

Es gibt Momente im Leben eines Künstlers, in denen etwas still geschieht, fast nahtlos, und doch weißt du, dass es die Frucht jahrelanger Arbeit ist.

Vor Kurzem wurden zwei Kunstdrucke über meine Website Art Storefronts verkauft. Beide basierten auf Gemälden, die ich vor Jahren geschaffen habe — Werke, die von Anfang an für mich von tiefer Bedeutung waren, auch wenn sie noch nicht ihre ersten Drucksammler gefunden hatten.

Eine war Pentecost. Die andere war The Apple.

Beide Gemälde trugen bei ihrer Entstehung eine prophetische Bedeutung für mich. Es waren keine beiläufigen Werke. Sie waren nicht einfach dekorative Bilder. Sie entstanden aus Gebet, Überzeugung, Farbe, Symbolik und dem Gefühl, dass das Bild mehr in sich trägt, als es zeigt.

Und dann passierte lange Zeit nichts.

Das ist eine der seltsamen Disziplinen, Künstler zu sein. Du kannst sehr tief wissen, dass ein Werk von Bedeutung ist — und dennoch darauf warten müssen, die richtige Person, den richtigen Zeitpunkt, den richtigen Moment der Anerkennung zu finden.

Diese jüngsten Verkäufe erinnerten mich daran, dass Vision oft einen langen Weg hat.

Ein Käufer war ein wiederkehrender Kunde. Ein weiterer war jemand, der meine Arbeiten jahrelang verfolgt hatte und sich plötzlich entschied zu kaufen. In beiden Fällen bestand die Schönheit des Moments nicht nur darin, dass ein Druck verkauft wurde. Vielmehr war es die Resonanz der prophetischen Botschaft des Werks bei der Person, die ihn erhielt.

Das ist mir wichtig.

Natürlich bin ich dankbar für die geschäftliche Seite davon. Ich bin dankbar, dass die Website funktioniert hat, dass der Bestellprozess nahtlos war, und dass ein System, das ich vor Jahren entworfen hatte, beginnt, das zu tun, wozu es gebaut wurde: Menschen zu ermöglichen, bedeutungsvolle Werke zu entdecken und zu sammeln, auch wenn ich ihnen nicht persönlich gegenüberstehe, um es zu erklären.

Aber die tiefere Freude ist diese: Die Gemälde fanden Menschen, die verstanden, warum sie existierten.

Das ist der Teil, der mich am meisten bewegt.

Künstlerinnen und Künstler müssen oft im Glauben arbeiten. Wir schaffen die Werke, bevor wir wissen, wohin sie gehen werden. Wir erstellen die Website, bevor alle Käufer erscheinen. Wir schreiben die Erklärungen, fotografieren die Gemälde, laden die Produkte hoch, organisieren das Archiv und zeigen uns immer wieder, lange bevor es sichtbare Dynamik gibt.

Manchmal mag es albern erscheinen.

Aber dann ergreift plötzlich jemand, der jahrelang dabei zugesehen hat, die Initiative. Ein wiederkehrender Sammler kehrt zurück. Ein vor langer Zeit geschaffenes Gemälde spricht wieder in der Gegenwart.

Dann zahlt sich die Vision aus.

Nicht darum, dass alles einfacher wird.

Sondern weil die lange, unsichtbare Arbeit zu tragen beginnt, Früchte zu tragen.

Ich habe schon immer geglaubt, dass prophetische Kunst Menschen auf der Bedeutungsebene begegnen kann. Nicht nur Farbe, nicht nur Komposition, nicht nur Schönheit — sondern Wiedererkennung. Ein Gefühl, dass etwas im Werk zu etwas in ihnen spricht.

Wenn also jemand freudig davon schreibt, endlich ein Stück zu bestellen, oder mir sagt, dass er sich auf ein weiteres freut, nehme ich das nicht leichtfertig.

Es zeigt mir, dass das Werk noch lebt.

Es zeigt mir, dass die Botschaft noch unterwegs ist.

Es zeigt mir, dass Gemälde, die vor Jahren geschaffen wurden, dennoch zur richtigen Zeit ankommen können.

Wie schön!

Guten Morgen, Community – das ist ein Shout-out an meine Freundin Ruth Fazel.

\"Ich freue mich so sehr, endlich die Veröffentlichung von CREATION – Der Film ankündigen zu dürfen.\"

Ich glaube, dass dieser Film etwas sehr Einzigartiges ist und bei weitem alles übertrifft, was ich mir vorstellen konnte, als ich die Musik erstmals schrieb.

Nachdem ich die Musik fertiggestellt hatte, wusste ich, dass sie in einem visuellen Format präsentiert werden musste, und so wandte ich mich an einen langjährigen Künstlerfreund, Kevin Moffatt, um eine Reihe abstrakter Gemälde zum Thema Creation zu schaffen. Dieser Film vereint die Musik und die Kunst, und während du zuschaust, wirst du sehen, wie die Gemälde buchstäblich zum Leben erwachen.

Klicke auf das untenstehende Bild, um den Trailer zu sehen, und leite diese E-Mail dann an deine Freunde weiter. Ich freue mich wirklich auf deine Rückmeldung, nachdem du den Film gesehen hast. Ich brauche deine Hilfe, um die Botschaft weit und breit zu verbreiten...

Viel Spaß!

Herzliche Segenswünsche, Ruth Ruth Fazal

Eine atemberaubende Verschmelzung von Musik und bildender Kunst, die die Genesis-Geschichte in die Gegenwart holt. Durch fortschrittliche Technologie bewegt sich die Kunst, sie wächst und verwandelt sich—und lädt dich in eine lebendige Schöpfung ein, die Fantasie und Seele erweckt.

MUSIK Ruth Fazal

KUNST Kevin Moffatt

TEXT Genesis 1-2:3

\"Am Anfang schuf Gott Himmel und Erde...\"

Für weitere Informationen besuchen Sie

https://www.ruthfazal.com/ Schöpfung

https://www.mannaart.com

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Auf den ersten Blick wirkt es etwas bizarr und auf seltsame Weise andereweltlich, aber ein brennender Berg, der loderte, mit einer donnernden Stimme und Zittern war nicht gerade eine schöne Landschaft für die Menschen, die Ägypten verließen, oder für Mose, der wörtlich sagte, dass er vor Ort zitterte.

Ich glaube nicht, dass das zu viel Zittern verursacht, aber es gibt eine übernatürliche Kraft und Bewegung in den Rhythmen der Linien und in den Bewegungen der Bäume (Gott sei Dank hat Van Gogh die Idee vor mir gehabt!)

Es gibt ein Gefühl von strömendem Wasser und aufsteigendem Leben, obwohl der Baum buchstäblich tot ist, trägt er eine Kraft und Energie in sich. Der Hintergrund mit den Schluchten und Büschen in dem feurigen Rot erinnert an ein übernatürliches Leben, an Engelswesen, die überall um ihn herum sind. Feuer und Wasser, getrennt, doch miteinander in Bewegung. Feuer und Wasser waren oft Symbole des Geistes und der Gegenwart Gottes in der Bibel, also als ich diesen toten Baum und den Hintergrund auf einem Foto sah, dachte ich daran, sie zusammen zu verbinden.

Manchmal stellen wir spirituelle Dinge als hübsch und schwebend dar, doch wann immer jemand einen Engel sah, waren sie erschrocken, und der Engel musste zu ihnen sagen, keine Angst zu haben. Das lässt einen fragen, wie sie physisch aussahen, um solch ein Aufsehen zu erregen. Ich denke nicht, dass sie hübsch waren, eher ein wenig furchterregend, um Daniel dazu zu bringen, auf die Knie zu sinken.

Auftrag für den Saugeen Springs RV Park, der den Traum der Besitzerin von ihrem Königreich-Geschäft darstellt :)

Einer der Gründe, warum Abstraktion in geistiger Kunst eine Rolle spielt, ist, dass sie den Betrachter nicht zu schnell zu einer einzelnen wörtlichen Schlussfolgerung zwingt.

Ein konkretes Bild kann dir was zeigt, worauf du schaust.

Aber Abstraktion kann Raum für Begegnung schaffen.

Sie kann Bewegung, Gewicht, Atmosphäre, Feuer, Ruhe, Spannung, Barmherzigkeit, Licht oder Präsenz in einer Weise vermitteln, die gefühlt wird, noch bevor sie erklärt wird.

Für mich ist das oft der Beginn prophetischer Kunst — nicht in Dekoration, und nicht in Vagheit, sondern darin, treu zu sein gegenüber etwas, das im Gebet wahrgenommen wurde und das tiefer geht als nur Illustration.

Ich bin neugierig, wie andere hier das erfahren:

Findest du, dass Abstraktion manchmal geistige Dinge wahrhaftiger ausdrücken kann als ein eher konkretes Bild?

Oder fühlst du dich am stärksten verbunden mit Werken, bei denen die Bilder klarer definiert sind?

Hier gezeigt: Advent 7

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