Fotografie

Serie vom Port Imperial Waterfront in Weehawken, New Jersey

Mit Abendfotografie experimentieren. Das ist Bristol an einem Freitagabend, von der Swing Bridge aus, die jetzt kaputt ist.

Eternity — Teil meiner preisgekrönten Vantropolis-Serie.

Dieses markante Schwarz-Weiß-Bild zeigt eine komplexe, spiegelverkehrte Stadtsilhouette unter hoch aufragenden Überführungen, die sich zu einem leuchtenden Zentralpunkt zusammenlaufen. Dramatische Wolken und entfernte himmlische Elemente erzeugen eine außerweltliche Atmosphäre, die urbane Realität mit kosmischer Fantasie verschmilzt. Die Komposition balanciert imposante Strukturen mit Weite, lädt zur stillen Reflexion ein und weckt Neugier.

Das Werk war stark inspiriert von Fritz Langs 1927er deutsches expressionistisches Science-Fiction-Meisterwerk, Metropolis. Die futuristische und dystopische visuelle Sprache des Films hat meinen Ansatz stark beeinflusst, da ich danach strebte, seine kühne, kinoreife Atmosphäre mit meiner eigenen kreativen Vision der Stadt zu verschmelzen — eine Vision, in der Architektur zu etwas Zeitlosem, Monumentalem und fast außerweltlich wird.

Gestern habe ich eine Stunde damit verbracht, eine Sequenz von Bluebell-Nahaufnahmen für ein kleines Portfolio-Update zu erstellen. Am Ende konnte ich wirklich nicht sagen, ob auch nur eines davon es wert war, gezeigt zu werden. Jedes Bild sah flach, vertraut aus, als hätte ich etwas schon vergessen.

Das passiert mir öfter, als ich zuzugeben bereit bin. Ich fotografiere eine Blüte bei schönem Licht, spüre im Moment etwas Echtes, sehe es mir dann beim Bearbeiten und Sortieren so oft an, dass dieses Gefühl einfach versiegt. Das Foto wird zur Tapete. Ich verliere jegliches Gespür dafür, ob die Komposition tatsächlich funktioniert oder ob ich mich nur durch Wiederholung davon überzeugt habe, dass sie funktioniert.

Manchmal hilft es, eine Woche Abstand zu gewinnen. Manchmal wirkt das Ausdrucken eines Fotos auf Papier statt des ständigen Blicks auf einen Bildschirm wie ein Reset. Aber ehrlich gesagt habe ich immer noch keine verlässliche Methode, meine eigene Arbeit mit frischen Augen zu sehen. In meinen frühen Jahren sah alles, was ich aufgenommen habe, wie eine Grußkarte für mich aus, und jetzt fühlt sich das gegenteilige Problem genauso desorientierend an.

Geht es noch jemandem so? Wie gewinnt ihr wieder Abstand zu Arbeiten, an denen ihr zu lange zu nah dran wart?

Früher kam ich von einem Shooting an einem See oder Kiefernkamm zurück und fing sofort an, den Scan so zu bearbeiten, dass er so aussah wie die Person, die ich in jenem Monat bewunderte. Kühlere Schatten, aufgehellte Schwarztöne, diese ganze Palette. Und die Arbeit sah gut aus. Sie sah aus, als käme sie von ihnen.

Das Problem war nicht die Technik. Das Problem war, dass ich dir nicht sagen konnte, warum ich irgendeine dieser Entscheidungen getroffen habe. Ich lieh mir Geschmack aus, ohne zu verstehen, worauf ich in einer Szene tatsächlich reagierte. Es dauerte eine Weile, ehrlich gesagt ein paar Jahre des Druckens und des Verweilens mit meinen eigenen Bildern, bevor mir auffiel, dass ich immer wieder zu denselben Verläufen zurückkehrte, zu denselben Dämmerungsmomenten, zur gleichen Geduld für flaches Licht, das die meisten Menschen als langweilig bezeichnen würden. Das war der Stil. Er war die ganze Zeit da, unter geliehenen Presets begraben.

Ich denke, die unbequeme Wahrheit ist, dass man einen Stil nicht zur Existenz zwingen kann. Man kann nur genug fotografieren und aufmerksam genug auf die eigenen Muster achten, damit er sich zeigt. Aber diese Zwischenphase, in der alles, was man macht, als abgeleitet empfunden wird, zermürbt wirklich das Selbstvertrauen.

Ist noch jemand durch jene Phase gegangen, in der man merkt, dass man in Richtung des Blicks einer anderen Person bearbeitet hat statt in den eigenen? Wie hast du angefangen, dem zu vertrauen, was du wirklich siehst?

Leben im Gesicht geprägt

Letzten Monat verbrachte ich einen ganzen Nachmittag damit, in einem Viertel zu fotografieren, das ich seit Jahren erkunden wollte. Enge Durchgänge, überall Baugerüste, Menschenmengen, die sich nicht lichteten. Ich passte mich weiter an, suchte weiter nach Winkeln, arbeitete weiter. Stundenlang davon.

Als ich später die Bilder durchgesehen habe, kam etwas falsch rüber. Die Fotos waren nicht schlecht. Einige hatten echte Textur, echtes Leben in ihnen. Aber der Kern der Arbeit fühlte sich nicht wie meins an. Zu viele Kompromisse, die durch die Bedingungen erzwungen wurden. Zu viele Aufnahmen, bei denen ich reagierte statt zu sehen. Ich weiß, dass die Einschränkungen real waren, ich weiß, dass ich mein Bestes mit dem, was vor mir lag, gegeben habe. Und doch habe ich den Ordner seitdem vermieden.

Was mich beunruhigt, ist, dass die Lücke nicht zwischen gut und schlecht liegt. Sie liegt zwischen dem, was ich gemacht habe, und dem, was ich als meine eigene Stimme erkenne. Diese Lücke erzeugt eine Art Blockade, mit der ich nicht gerechnet hatte. Nicht ein Mangel an Motivation, eher ein Verlust des Vertrauens in mein eigenes Auge.

Hat von euch schon einmal jemand eine Werkreihe abgeschlossen, bei der die Bedingungen ehrlich waren, die Anstrengung real war, das Ergebnis aber nicht deine Handschrift trug? Wie seid ihr mit diesem Gefühl umgegangen und konntet wieder zum Bearbeiten oder Erstellen zurückkehren, ohne es zum nächsten Projekt werden zu lassen?

Letzte Woche habe ich einen ganzen Abend damit verbracht, eine Ansammlung alter Messinglampen auf einem Tisch zu arrangieren, das Licht so anzupassen, bis es genau das war, was ich wollte, und ich dachte: Das ist der Teil, in dem ich gut bin. Objekte sagen nein. Objekte urteilen nicht über dein Portfolio.

Aber ich möchte mich weiterentwickeln. Mit jemandem zusammenarbeiten. Sogar einfach einen Freund zu fragen, ob ich seine oder ihre Hände fotografieren darf, die etwas halten, oder in ihrer Wohnung mit seinen/ihren Dingen statt mit meinen zu fotografieren. Und jedes Mal, wenn ich kurz davor bin zu fragen, rede ich mich selbst heraus. Ich bin davon überzeugt, dass meine Arbeit nicht poliert genug ist, um sie irgendjemandem zu zeigen, obwohl die wenigen Leute, die sie gesehen haben, freundlich reagieren. Es gibt eine Kluft zwischen dem, was andere mir sagen, und dem, was ich über meine eigene Arbeit glaube, und sie hält mich in der sicheren Zone fest, alleine in meinem Wohnzimmer in Lyon zu fotografieren.

Ich weiß, dass das teilweise eine Frage des Selbstvertrauens ist, teils Perfektionismus. Ich denke nie, dass das Portfolio bereit ist, es zu teilen. Aber ich frage mich auch, ob das Verweilen in der bequemen Schleife der Solo-Arbeit nur Vermeidung ist, verkleidet als Disziplin.

Habt ihr das überwunden? Nicht die Logistik der Zusammenarbeit, sondern der eigentliche innere Widerstand, euch zu zeigen, wenn euer Gehirn ständig darauf besteht, dass ihr noch nicht bereit seid. Wie seid ihr darüber hinweggekommen?

EXIF-Daten

Kameragehäuse: Canon EOS REBEL T3i

Objektivmodell: EF-S18-135mm f/3.5-5.6 IS

87 mm bei ISO 400 und 1/320 s bei ƒ/5.6

@ Hauptstraße, Brampton ON

Letzten Monat fuhr ich drei Stunden nach Anza-Borrego, um ein schmales Fenster zu nutzen, in dem das Zentrum der Milchstraße über einer bestimmten Gratlinie genau richtig positioniert wäre. Ich verbrachte die ganze Nacht dort draußen, kam mit zwei Rahmen zurück, die mir tatsächlich gefielen. Zwei. Und dann saß ich im Truck auf dem Weg nach Hause und dachte schon darüber nach, wie ich eines für einen vertikalen Beitrag zuschneiden sollte, wann ich es hochladen könnte, ob das Engagement die Spritkosten rechtfertigen würde.

Dieser Gedanke ekelte mich ein wenig. Ich habe damit nicht angefangen, Posting-Zeiten zu optimieren. Ich fing an, weil ich das Zentrum der Milchstraße zum ersten Mal mit eigenen Augen im Joshua Tree sah und nicht glauben konnte, was dort oben war. Die Kamera kam an zweiter Stelle. Das Teilen kam viel später danach.

Aber Wachstum zählt, wenn du Drucke verkaufen oder Aufträge bekommen willst. Ich kann nicht so tun, als ob es das nicht gäbe. Also stecke ich fest in dieser Schleife, in der ich möchte, dass mehr Leute die Arbeit finden, aber der Prozess, dies zu ermöglichen, beginnt den ruhigen Gedankenraum zu kolonisieren, den ich eigentlich brauche, um die Arbeit überhaupt erst zu machen. Die Astrofotografie verlangt Geduld und Präsenz. Fünf Minuten nach dem Posten die Metriken zu prüfen, ist das Gegenteil von beidem.

Habt ihr einen Weg gefunden, sichtbar zu bleiben, ohne dass die Sichtbarkeitsmaschine darüber nachdenken lässt, wie ihr an euren eigenen kreativen Prozess denkt? Oder habt ihr euch schließlich einfach entschieden, dass die Arbeit wichtiger ist als die Reichweite und die Zahlen einfach dort fallen lassen, wo sie fallen?

Meine neuesten Zugfotos 📸 📷 🚆🚄🚂

"Gartenpfad zwischen Türmen"

EXIF-Daten

Kameragehäuse: Canon EOS 60D

Objektivmodell: Tamron 90 mm

90 mm bei ISO 100 und 1⁄200 s bei ƒ/3.5

Es ist die Wellington-Bushaltestelle an der Main Street, Brampton ON

EXIF-Daten

Kameragehäuse : Canon EOS REBEL T3i

Objektivmodell : Tamron 90 mm

90 mm bei ISO 200 und 1⁄250 s bei ƒ/4

EXIF-Daten

Kameragehäuse : Canon EOS REBEL T3i

Objektivmodell : Tamron 90 mm

90 mm bei ISO 200 und 1/250 s bei ƒ/4

Hinweis: Die herabhängenden violett- und gelben Blüten des Bittersüßer Nachtschatten , eine häufige mehrjährige Kletterpflanze in der Familie der Nachtschatten. Alle Teile dieser Pflanze scheinen beim Verzehr giftig zu sein

Eine Woche lang habe ich mit jemandem gedreht, dessen Arbeit ich seit Jahren bewundert hatte. Erwartete Intensität, vielleicht ein wenig Gatekeeping. Stattdessen fragten sie mich, was ich im Licht dieses Morgens sah. Ehrlich gefragt. Keine Pose, keine Hierarchie.

Es brachte mich dazu, darüber nachzudenken, wie Menschen, die scheinbar lange Karrieren in der Fotografie aufrechterhalten, diejenigen, die nach Jahrzehnten noch neugierig sind, sich in dieser Stille zu tragen scheinen. Nicht performative Demut, sondern echte Offenheit. Unterdessen scheinen die lauten, territorialen Typen auszubrennen oder Brücken abzubrechen.

Ich ertappe mich manchmal dabei, den anderen Weg einzuschlagen. Meine Standorte, meine Techniken, meinen Bearbeitungsprozess zu schützen. Es damit wie Knappheit zu behandeln. Und ehrlich gesagt verschlechtert dieser Modus die Arbeit. Die besten Bilder, die ich gemacht habe, entstanden, wenn ich entspannt genug war, den Vorschlägen von jemand anderem zuzuhören, oder geduldig genug, einfach im Regen zu stehen und zu sehen, was passiert.

Findest du, dass Offenheit deine Arbeit vorantreibt, oder neigt sich ein Teil von dir immer noch dazu, sie zu schützen? Neugierig, wie andere diese Spannung handhaben.