DACH Künstler

In this richly detailed close-up, a tactile world of purely organic structures unfolds. Smoothly polished stones, a porous cuttlefish shell, and delicate found objects are carefully arranged on the deeply furrowed bark of a tree trunk. The complex interplay of diverse surface textures is perfectly conveyed by the fine grain and rich contrasts of Fomapan 9x12 sheet film. Every nuance and every rough fiber becomes visually tangible—a work of art that invites contemplation, precisely captured with the Sinar view camera.

Against a deep, shadowy background, two silver forks intersect, supporting a small, perfect fruit at their point of contact—a tomato balancing almost weightlessly on the delicate tip. Captured in large-format analog photography, this minimalist still life unfolds with an intense, almost tactile drama. The precise lighting sculpts the gleaming contours of the metal and the gentle volume of the fruit, while the fine texture of the film envelops everything in a timeless tranquility. It is a poetic metaphor for the fragile balance of our existence: How often do we teeter at the intersection of circumstances, held in place by the invisible tension of the moment? The image invites us to pause and discover the beauty in the seemingly inconspicuous and fleeting, before the moment changes.

Against a deep, absolute black, the clear, geometric form of a vase emerges, from which a withered twig bearing delicate blossoms protrudes. Captured in the precise aesthetic of large-format analog photography, this still life combines austerity with organic softness. The light traces the facets of the vessel and the withered structures of the plant with a three-dimensionality that seems almost tangible. It is a visual meditation on the duality of form and transience: While the vase represents human geometry and permanence, the withering twig serves as a reminder of the inexorable transience of life. The analog grain intensifies this contrast into a timeless icon of tranquility—a moment of pause in which transience acquires its own, perfect aesthetic.

In the analog clarity of the large format, this still life unfolds an almost archaic poetry. The image arranges seemingly unrelated relics—stones of geological permanence, a piece of weathered driftwood, and, at the center, a sliced, vulnerable fruit held in place by a metal fork. This contrast between hard and soft, between the artificially forged and the naturally grown, invites a philosophical reflection on the human condition. We are caught in the tension between the permanence of the world and our own transience. The silvery light, captured on the fine grain of analog film, allows the textures to speak and transforms the everyday into a metaphor for eternal change. It is a pause in the flow of time—a testament to the fact that the greatest wholeness often lies in the fragmentary.

Captured in the nuanced depth of large-format analog photography, a mysterious interweaving of organic forms and structures unfolds here. Rough tree bark, curved wood, and delicate, withered flower clusters blend seamlessly together to form a harmonious, almost sculptural composition. This image is a visual meditation on the interconnectedness of all existence and the archaic beauty of transience. Every subtle texture and nuance on the fine-grained negative speaks of time as a master builder, shaping and transforming matter and, through this process of change, bestowing upon it a new, timeless dignity. It is a quiet pause in the face of nature’s complexity, which reflects the full depth of life in its details.

Captured within the disciplined aesthetics of large-format analog photography, this image presents a seemingly meticulous order of nature. Against a patterned background, various organic fragments—dried pods, pieces of wood, and mineral specimens—rest as if in an orderly archive of oblivion. This rigorously composed taxonomy of found objects invites a quiet reflection on the human urge to classify, understand, and preserve the chaos of nature. Every texture, every subtle irregularity and shading—rendered with absolute precision by the fine-grained negative—tells the story of its own life cycle. It is a poetic interplay between order and wilderness—a visual meditation on how we collect the fragments of our world to bestow upon them lasting meaning through the lens of photography

In the analog stillness of the large format, a unique dimension of time and being is revealed. The image depicts a withered branch with blossoms, set against a background of paper with delicate, graphic patterns, framed by the rough texture of the negative. It is a quiet still life that speaks to the transcendence of decay. Nature, in its autumnal, enfeebled beauty, reminds us that the end is not a loss, but part of an eternal cycle. Every detail, captured on the light-sensitive grain, captures not only the physical form but also the soul of the moment. When light meets matter and is fixed for eternity, the boundaries between past and present blur. Thus, the withered branch becomes a symbol of the melancholy of the moment and the deep, inner peace that lies in letting go.

A glance in the mirror shows us the passage of the years, yet a look through the same lens reveals the enduring nature of our passion. Three decades lie between these two moments—a time in which the world has continued to turn and left traces of experience in its wake. What has remained unchanged, however, is the tool in my hands: This Sinar large-format camera has been with me from the very beginning, unfazed by fleeting trends, the digital revolution, and the fast pace of our era.

Photography is far more than merely capturing a fleeting moment—it is a silent dialogue with the passing of time. While our lives are in constant flux, true craftsmanship remains a reliable anchor. The camera does not age like we do; rather, with each passing decade, it gains character and familiarity. When I look through its viewfinder today, I see the world with the depth of many years, yet with exactly the same sense of wonder and the same dedication as three decades ago. The eye matures, but the essence of seeing remains eternally young.

Inmitten verwitterter Rinden, trockener Fruchtkapseln und getrockneter Blätter leuchten die zarten, hellen Blüten einer Orchidee wie ein leises Versprechen. Die analoge Großformatfotografie arbeitet jede Faser und Rille dieser organischen Strukturen heraus und verleiht der Vergänglichkeit eine erhabene Würde. Hier begegnen sich das Vergangene und das Aufblühende nicht als Gegensätze, sondern als Teile desselben ewigen Kreislaufs. Die Natur hinterlässt in ihren getrockneten Formen eine eigene Geometrie, ein Zeugnis der verstrichenen Zeit, in dem selbst der Zerfall eine Vollendung in sich trägt.

Dieses meisterhafte Schwarz-Weiß-Fotokunstwerk zieht den Betrachter durch seine unglaubliche Textur und greifbare Detailtreue sofort in seinen Bann. Ein einzelnes Blatt, das im tiefen Low-Key-Licht fast wie dunkles Leder oder geschmiedetes Metall anmutet, ist übersät mit unzähligen, kristallklaren Regentropfen. Jeder einzelne Tropfen fängt das spärliche Licht ein und leuchtet wie ein kostbarer, flüssiger Edelstein aus dem pechschwarzen Hintergrund heraus. Ein besonderer Moment der Spannung und der eingefrorenen Zeit entsteht durch den schweren, prallen Wassertropfen an der untersten Blattspitze, der kurz davor ist, lautlos in die Dunkelheit zu fallen. Mit seiner dramatischen, leicht melancholischen Atmosphäre und der puristischen Strenge ist diese Fotografie ein beeindruckendes Statement-Piece. Es verleiht modernen Wohnräumen, eleganten Badezimmern oder minimalistischen Interieurs eine Aura von tiefgründiger, rauer Eleganz.

Eine zarte Feder, vom Wasser geschliffene Steine, altes Rindenholz und die strahlende Geometrie einer blühenden Sonnenblume fügen sich zu einer stillen Komposition des Daseins zusammen.

Aufgenommen auf analogem Großformatfilm entfaltet sich hier ein Mikrokosmos, in dem jedes Element eine eigene Sprache spricht. Die Härte des Gesteins trifft auf die Weichheit des Gefieders, die Vergänglichkeit des Organischen auf die zeitlose Trägheit der Materie.

In dieser feingliedrigen Anordnung liegt eine leise Erkenntnis: Wir sind umgeben von Fragmenten der Natur, die erst in ihrer Gegenüberstellung die Ganzheit der Zeit offenbaren – ein flüchtiges Gleichgewicht zwischen Vergehen, Innehalten und Werden.

Ich freue mich sehr, meine Mitwirkung an der kommenden Kunstausstellung des Bayer-Fotoclubs anzukündigen!

Gleich 40 Fotografinnen und Fotografen bringen ihre individuellen Perspektiven zusammen, um ein vielschichtiges „Mosaik der Wirklichkeit“ zu erschaffen.

Im Zeitalter der digitalen Bildverarbeitung habe ich mich bewusst für eine analoge Bildserie entschieden. Die Arbeit mit analogem Film fordert Entschleunigung sowie Präzision und lässt eine ganz besondere visuelle Textur entstehen.

Ich lade Sie und euch herzlich ein, diesen besonderen Abend mit uns zu verbringen, ins Gespräch zu kommen und neue kreative Impulse mitzunehmen.

Vernissage: Freitag, 2. Oktober 2026, 18:00 bis 24:00 Uhr

Ort: Bayer-Erholungshaus, Nobelstraße 37, 51373 Leverkusen

Eintritt: Frei

Ich freue mich auf spannende Begegnungen und interessante Gespräche vor Ort!

Ein Hauch von verletzlicher Eleganz schmiegt sich in synthetischen Schutz: Drei Calla-Blüten ruhen sanft gebettet auf Noppenfolie, gezeichnet von den feinen Spuren der Zeit.

Durch die meisterhafte Steuerung der Schärfeebene nach Scheimpflug zieht sich ein präziser, beinahe intimer Pfad der Klarheit durch die geschwungenen Kelche und die glänzenden Blasen der Folie.

Der spürbare Kontrast zwischen der organischen, flüchtigen Schönheit der Natur und der künstlichen, dauerhaften Hülle des Kunststoffs wirft eine stille, philosophische Frage auf: Lässt sich das Unbeständige vor dem Verfall bewahren, oder verstärkt der Versuch, den Moment einzufrieren, nur seine Vergänglichkeit?

Auf Großformat gebannt, offenbart die Fotografie jede Nuance dieses leisen Konflikts zwischen Bewahren und Vergehen.

In dieser stimmungsvollen Komposition entfaltet sich die stille Schönheit des Vergänglichen. Getrocknete Rosenknospen, eine markante Mohnkapsel und raue, verwitterte Samenschoten fügen sich auf einem grob strukturierten Stoffhintergrund zu einem berührenden Stillleben zusammen. Das meisterhafte Zusammenspiel aus tiefen Schattierungen und extrem greifbaren Oberflächenstrukturen wird durch die feine Graustufenzeichnung und das klassische Korn des Fomapan 9x12 Planfilms perfekt transportiert. Ein entschleunigtes Werk voller texturierter Tiefe und Melancholie, präzise inszeniert mit der Sinar Fachkamera.

In der intimen Stille der Fotografie offenbart sich eine tiefe, fast melancholische Reflexion über Identität und das menschliche Dasein. Die bewusste Entscheidung für das analoge Großformat verleiht dieser Szene eine außergewöhnliche Plastizität und greifbare Nähe. Jede Nuance der Haut, die feine Struktur des Haares und die matte Oberfläche der kleinen Maske werden durch die meisterhafte Lichtführung in ein zeitloses Chiaroscuro getaucht, das dem Moment die Hektik der Gegenwart nimmt.

Philosophisch berührt das Bild das uralte Motiv des Theatrum Mundi – der Welt als Bühne, auf der wir alle gezwungen sind, Rollen zu spielen. Doch hier sehen wir nicht das Spiel, sondern den Moment danach: das Innehalten. Das schlafende oder in tiefe Introversion versunkene Gesicht hat sich von der starren Persona, die die kleine Maske symbolisiert, emanzipiert. Die Hand hält das künstliche Antlitz zwar noch fest, doch der Griff ist sanft, fast nachdenklich geworden.

Es entsteht ein stiller Dialog zwischen dem verletzlichen, lebendigen Ich und der unbewegten Maske mit ihren gemalten Tränen. In dieser Reduktion auf das Wesentliche stellt das Werk die fundamentale Frage, wer wir eigentlich sind, wenn wir die Erwartungen der Welt für einen Augenblick ablegen und uns der eigenen, ungeschützten Wahrheit hingeben.

In the unhurried pace of large-format analog photography, this still life unfolds with an almost oppressive intensity. The camera does not simply look at objects; it scans them: the wood of the bottle opener, marked by the passage of time; the mathematical perfection of the fan palm blocks; and the floating lightness of the seashells. Within the austere black-and-white aesthetic, the material world dissolves from its everyday function, revealing the underlying essence of things.

A hint of wabi-sabi permeates the arrangement—the acceptance of decay and the search for beauty in imperfection. The rusty opener and the weathered capsules stand there like relics of a past action, framed by nature’s fan-like geometries. Even the small, seemingly randomly placed key seems like an invitation to unlock the hidden chambers of memory.

The image reminds us that every object is an anchor of time. In the sharpness of the film, transience freezes for a moment, offering us a quiet meditation on durability, structure, and what remains when the light fades.

A gentle gradient of light breaks through the darkness of the background and envelops the composition in a multi-layered interplay of shadows and depth. At the center rest two ceramic cups stacked one inside the other—smooth, pure, and almost timeless in their geometry. Yet instead of a hot beverage, the upper cup holds the rough, furrowed texture of weathered driftwood. Flanked by the mathematical precision of the Banksia cone and dried flower heads, a visual tension emerges that instantly slows the viewer’s gaze.

The large-format analog photograph captures this still life with uncompromising precision. Every fiber of the furrowed wood and the fine glaze of the ceramic are rendered tangibly close through the chemical emulsion of the flat film. At the edge, the characteristic notches of the film cassette reveal the tactile process of creation—a quiet homage to craftsmanship and to a conscious slowing down in the act of photography.

In this scene lies a subtle philosophy of transformation. The everyday vessel becomes a vessel of natural history; the ephemeral takes on a lasting form through light. It is the symbiosis of human order and organic wildness that reminds us: Nothing remains static, and it is precisely in the encounter between opposing worlds that the deepest harmony is revealed.

Dieses Werk entfaltet seine Wirkung nicht durch Lautstärke, sondern durch Haltung. Es lebt von Reduktion, feiner Komposition und einer Bildsprache, die Raum lässt — für Wahrnehmung, für Interpretation und für Tiefe.

Im Zentrum steht das stille Zusammenspiel von Licht, Form und Atmosphäre. Gerade in der Zurückhaltung liegt die Eleganz dieses Bildes: Es wirkt klar, konzentriert und zeitlos, ohne je distanziert zu sein. Statt den Blick zu überfluten, lädt es dazu ein, sich ihm langsam zu nähern.

Die fotografische Sprache verbindet klassische Sensibilität mit einer modernen, fein abgestimmten Ästhetik. So entsteht ein Werk, das nicht nur gesehen, sondern erlebt wird — als leise, anspruchsvolle Präsenz mit nachhaltiger Wirkung.

Für Sammlerinnen und Sammler, die das Unaufdringliche schätzen, eröffnet dieses Bild einen besonderen Zugang: Es ist Kunst, die nicht dekoriert, sondern Atmosphäre schafft. Kunst, die einen Raum veredelt. Kunst, die bleibt. (Text: Arthelfer)

Die Aufnahme entstand mit meiner Sinar-Großformatkamera, was mir ermöglichte, die feinen Texturen des handgewebten Leinens und die Transluzenz der Blätter mit unglaublicher Präzision einzufangen. Die klassische Schwarzweiß-Ästhetik des HP5 unterstreicht die grafische Qualität der Komposition.

Keine KI, keine Filter – nur die ehrliche Textur von Silberhalogeniden auf Schichtträger und damit Handmade!

In the fine grain of analog film lies an unadulterated honesty that mirrors the very essence of a real espresso. It is a love for the slow pace of craftsmanship: the deliberate, the imperfect, the concentrated. After all, a good cup of espresso is much more than just a brief ritual against fatigue—it’s a small, concentrated lesson in philosophy.

In these neatly stacked cups lies the anticipation of the day’s quintessence. It doesn’t take much to create a moment of true fulfillment: just a little heat, honest pressure, and the willingness to savor the moment sip by sip. A still life of ceramics and light that quietly reminds us that the deepest pleasures often come in the smallest doses.

All Handmade. Promise!

Ein kleiner Zweig, schwer von den ersten Tomaten der Saison, neigt sich sanft über den Rand einer verzierten Schale. Was im Sommerlicht leuchtend rot erstrahlt, offenbart im kühlen Schwarzweiß eine ganz eigene, zeitlose Poesie. In diesen perfekten, prallen Formen steckt die geduldige Arbeit von Wochen: das Wachsen im Verborgenen, die Kraft von Erde, Wasser und Licht, gebündelt in einem einzigen Moment der Ernte.

Es ist die Fülle des Augenblicks, die dieses analoge Großformat festhält. Wenn die Früchte der eigenen Arbeit greifbar werden, erinnert uns die Natur an das Wesentliche: dass aus kleinen Samen Erstaunliches erwächst und dass wahrer Reichtum oft in den einfachsten Gaben liegt. Die samtartige Textur der Haut, das zarte Grün der Blätter und die feine Keramik verschmelzen zu einer Hommage an das Vergehen und Wiederkehren der Jahreszeiten.

Auf Planfilm fotografiert und selbst entwickelt. Kein KI-Zugriff möglich. Das reine Handwerk.