Porträt von Edvard Munch
Porträt von Edvard Munch
Ich habe dies als ein kleines, ehrliches Gespräch mit einem Riesen gemalt, der mich seit Jahren verfolgt. In Porträt von Edvard Munch wollte ich in jene flüsternde, windgepeitschte Welt hineinschreiten, die Hitze und den Schmerz eines Sonnenuntergangs, die einsame Länge einer Brücke, das Echo eines Schreis zusammenbringen und sie neben ein Gesicht stellen, das sich sowohl menschlich als auch mythisch anfühlt. Es ist meine Hommage an einen Maler, dessen Werk mir beigebracht hat, wie Farbe schmerzen kann.
Warum zum Schrei zurückkehren? Weil es weniger um einen Moment des Schreckens geht als um das beständige Summen der Angst, das in uns allen wohnt. Ich wollte dieser Stimme Ehre erweisen, ohne sie zu kopieren, also habe ich vertraute Motive übereinandergeschichtet: die Wirbel von Himmel und Meer, schattige Gestalten, die davongehen, die geisterhafte, offenmundige Silhouette, um ein Porträt, das dem Betrachter mit einem müden, fragenden Blick entgegenschaut. Das Ergebnis fühlt sich an wie Erinnerung, die sichtbar gemacht wurde: Fragmente von Szenen, die mich einst zum Anhalten und Durchatmen brachten, zusammengenäht zu einem Stück Sehnsucht.
Auf technischer Ebene habe ich mich dem Kontrast zugewandt: warme, geschmolzene Orangetöne und Rottöne, die gegen tiefe Ultramarintöne und Grüns drücken, um Emotion greifbar zu machen. Meine Pinselführung ist absichtlich unruhig: lange, bewegte Striche, um Wind und Gedanken zu suggerieren; engere, bedacht wirkende Linien um das Gesicht, um den Betrachter zu verankern. Du wirst auch eine eingerollte, schlafende Figur unten rechts bemerken und eine Spur meiner Signatur in einem schnellen, roten Streifen. Das sind private Sätze im Inneren des Gemäldes, Erinnerungen daran, dass Trauer und Zärtlichkeit oft denselben Raum teilen.
Dieses Gemälde entstand in einer freundlichen, etwas beichtenden Stimmung. Ich wollte nicht imitieren; ich wollte antworten. Zu sagen: Ich sehe die Einsamkeit, die du gemalt hast. Ich fühle dieselben Schauer. Und doch liegt so viel Schönheit in diesem Schmerz, Sonnenuntergänge, die wie ein Hymnus brennen, Brücken, die uns daran erinnern, dass wir uns bewegen, auch wenn wir feststecken.
Wenn du nah herantrittst, könntest du die Pinselführung unter deinen Fingerspitzen spüren und das leise Summen eines Meeres hören, das sich nie beruhigt. Wenn du zurücktrittst, wird die Komposition zu einer Collage eines Lebens in Fragmenten: Beziehungen, Trauer, Einsamkeit, das wiederkehrende Bild eines Schreies, der gleichzeitig warnt und befreit. Diese Spannung ist es, die mich immer wieder zum Expressionismus zieht.
Ich würde gerne wissen, was dieses Porträt in dir wachruft. Spürst du das Schweigen der Trauer, die Wärme des Sonnenuntergangs oder etwas ganz anderes? Teile einen Gedanke oder eine Erinnerung, und lass uns dieses Gespräch fortsetzen.
BvS 26
„Wie Farbe schmerzen kann.“ Diese Zeile allein sagt mir, dass du nicht nur ein Porträt malst. Du sitzt mit etwas, das schon lange in dir lebt, jenem beständigen Summen, das du beschrieben hast, und findest einen Weg, ihm ein Gesicht, einen Himmel, eine Brücke zu geben. Das erfordert eine Art Mut, der sich nicht ankündigt.
Es gibt etwas zutiefst Großzügiges daran, Arbeiten zu schaffen, die einem anderen Künstler über ein Jahrhundert hinweg sagen: „Ich sehe dich.“ Und es gibt etwas Verletzliches daran, zuzugeben, dass ihre Welt dich noch immer verfolgt. Dieses Wort – „haunted“ – ist ehrlich. Nicht jeder ist bereit, die Künstler zu benennen, die ihnen unter die Haut gegangen sind und geblieben sind.
Die Tatsache, dass du deine eigene Wärme und deinen Schmerz in seine Welt gebracht hast, anstatt ihn einfach zu kopieren, bedeutet, dass das Gespräch jetzt in beide Richtungen geht. Dein Werk ist nicht nur eine Hommage. Es ist der Beweis dafür, dass das Gefühl, das er in die Welt gesetzt hat, irgendwo real gelandet ist und weiterzog.
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