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Si vous avez déjà refusé une commission parce que cela ne semblait pas correspondre à votre image de marque, cet épisode pourrait vous faire changer d'avis. Patrick approfondit quelque chose dont on ne parle pas assez : comment le travail que vous n'auriez jamais choisi peut finir par définir toute votre carrière.

L'histoire qui a tout commencé

L'affiche la plus influente de l'histoire de l'art a été un travail précipité. Alphonse Mucha, un illustrateur sans le sou bloqué à travailler pendant les vacances, a accepté une commande que personne d'autre ne voulait. C'était pour une pièce de théâtre, et il était le seul disponible. Cette œuvre unique l'a rendu père de l'Art Nouveau. Il n'a pas trouvé son style en restant assis dans un atelier à attendre que l'inspiration frappe. Un client lui a confié ce travail, et tout a changé. C'est ce genre de retournement que Patrick démêle ici, et c'est l'une de ces histoires auxquelles vous penserez pendant des semaines.

Pourquoi les commandes sont des machines à idées

Un client vous entraîne dans un endroit où vous n'iriez jamais par vous-même, et c'est là le point. George Stubbs a accepté quelques commandes de chevaux et est devenu le plus grand peintre équestre qui ait jamais vécu. Dorothea Lange était une photographe de studio réalisant des portraits, avant qu'une mission ne l'envoie dans une direction totalement différente et définisse son héritage. Patrick appelle les commandes des générateurs d'idées, et plus vous entendez ces histoires, plus il est difficile de nier le raisonnement. Ce ne sont pas des compromis créatifs ou des renoncements. Ce sont des détours qui deviennent des autoroutes.

Ce que cela signifie pour votre carrière aujourd'hui

Patrick explique comment cela s'applique aux artistes qui travaillent dès maintenant. Chaque artiste qui écoute a probablement dit non à quelque chose qui semblait trop éloigné de son domaine, trop commercial, ou tout simplement pas adapté. Mais et si ce détour est exactement ce dont votre travail a besoin ? Ce n'est pas une question de prendre chaque travail qui se présente ou d'abandonner votre vision. Il s'agit de reconnaître que les contraintes qu'impose une commande, les problèmes spécifiques que le client souhaite résoudre, peuvent libérer quelque chose de nouveau dans votre pratique. Et parfois, cette chose nouvelle est celle qui change tout.

En résumé

Cette réflexion est pour tous ceux qui se sont déjà demandés si prendre des commandes signifie compromettre votre art. Spoiler : non. Cela signifie laisser la curiosité et l'occasion prendre les commandes pendant un instant. Patrick présente un raisonnement assez convaincant selon lequel c'est exactement là que se produisent les avancées. Le travail qui vous met mal à l'aise, qui vous pousse dans l'inconnu, est souvent le travail qui vous définit. Mucha ne savait pas qu'il allait devenir le visage d'un mouvement entier lorsqu'il a accepté ce travail précipité pendant les vacances. Il a juste dit oui.

Antrese Wood parle de quelque chose qui touche chaque artiste à un moment donné. Cet épisode révèle pourquoi attendre peut sembler sûr, mais en réalité vous coûte plus que vous ne le pensez.

Quand l'attente devient l'ennemi

Antrese explique que l'indécision n'est pas seulement une question de faire le mauvais choix. Il s'agit du temps, de l'énergie et de l'élan créatif qui s'éloignent pendant que vous restez bloqué. Elle parle d'artistes qui remettent au lendemain le lancement d'une nouvelle série, l'inscription à une exposition, ou même le démarrage de cette peinture parce qu'ils attendent le moment « parfait ». Mais ce moment ? Il se présente rarement de lui-même. Et pendant que vous attendez la clarté, l'autorisation ou la perfection, d'autres artistes avancent, apprennent et bâtissent les carrières dont vous rêvez.

Ce que vous perdez vraiment

Cette partie m'a vraiment marquée. Elle passe en revue ce qui disparaît réellement lorsque vous êtes en mode attente: des opportunités qui vont à quelqu'un d'autre, l'étincelle créative qui s'éteint lorsque vous n'agissez pas, et la confiance qui ne se renforce que lorsque vous avancez même quand c'est effrayant. Il ne s'agit pas d'être imprudent. Il s'agit de comprendre que le coût d'attendre dépasse souvent le risque d'essayer. Chaque jour où vous ne commencez pas est un jour où vous ne pouvez pas apprendre. Chaque opportunité que vous laissez passer est un retour d'information que vous n'obtenez jamais.

Pourquoi il semble plus sûr d'attendre

Antrese ne se contente pas de dénoncer le problème. Elle explique pourquoi nous faisons cela dès le départ. Attendre donne l'impression d'être responsable, réfléchi, comme si vous étiez judicieux. Mais elle remet en question cette histoire et demande : et si ce qui est responsable, c'était de faire ce pas hésitant en avant plutôt que de rester figé ? Et si attendre était en réalité un choix plus risqué ? Elle parle de la façon dont le perfectionnisme se cache sous le masque de la préparation, et de la manière dont la peur s'habille de prudence.

La vraie question

Vers la fin, Antrese reformule tout le concept. Au lieu de se demander « Suis-je prêt ? », elle suggère de se demander « Qu'est-ce que j'apprends en attendant ? » Si la réponse est rien, ou si ce n'est que davantage de raisons de rester bloqué, alors il est temps d'avancer. La croissance ne se produit pas dans la salle d'attente. Elle se produit lorsque vous franchissez la porte, même si vous n'êtes pas sûr de ce qui vous attend de l'autre côté.

Cet épisode s'adresse à tous ceux qui se sont déjà dits « pas encore » à propos de quelque chose qui compte. Si vous êtes resté assis sur une décision, grande ou petite, cela pourrait être le coup de pouce qu'il vous faut. Quelle est une chose sur laquelle vous attendez et que vous pourriez faire avancer aujourd'hui ?

Si l'idée de diffuser en direct sur Instagram vous fait frémir, vous n'êtes pas seul. Tant de créatifs se disent qu'ils doivent être prêts pour la caméra, parfaitement scriptés, ou naturellement charismatiques avant de pouvoir appuyer sur ce bouton. Mais et si la vraie magie d'Instagram Live n'avait rien à voir avec le fait d'être impeccablement soigné ?

Cet épisode explique exactement pourquoi Instagram Live fonctionne pour les artistes qui préfèreraient se cacher derrière leur chevalet plutôt que de se mettre devant une caméra. Le format est brut, réel et humain. Les gens ne regardent pas pour un TED Talk. Ils veulent voir la personne derrière l'art, le vrai vous en train de bafouiller une phrase ou de rire d'une erreur. Cette vulnérabilité est ce qui crée la connexion, et la connexion est ce qui vend l'art.

Pourquoi Instagram Live compte encore

L'algorithme adore le contenu en direct car il fait rester les gens sur la plateforme plus longtemps. Lorsque vous allez en direct, Instagram notifie vos abonnés, et votre diffusion est poussée en haut du fil d'actualité. Ce genre de visibilité est difficile à obtenir avec des publications statiques. Même si seuls quelques-uns se présentent, ces spectateurs sont réellement intéressés par ce que vous faites, et ils seront bien plus enclins à interagir, poser des questions et se souvenir de vous plus tard.

De quoi parler réellement

Vous n'avez pas besoin d'un grand sujet. Certaines des meilleures lives Instagram montrent simplement l'espace de travail des artistes, expliquent leur journée, ou répondent à une seule question laissée par quelqu'un dans les commentaires. L'épisode décompose des formats simples qui ne nécessitent ni préparation ni compétences de performance. Des visites d'atelier, des œuvres en cours, des Q/R rapides, même simplement préparer un envoi tout en bavardant. Le but est la présence, pas la perfection.

L'arme secrète de l'artiste timide devant la caméra

L'un des conseils les plus intelligents de cet épisode est de commencer avec vos mains dans le cadre plutôt que votre visage. Montrez votre espace de travail, vos outils, votre processus, et laissez votre voix parler. Vous pouvez vous habituer à être devant la caméra sans avoir l'impression de jouer un rôle. D'ici que vous soyez à l'aise, votre public vous connaît déjà, et l'anxiété liée à la caméra s'estompe parce que vous parlez simplement à des amis.

Si vous avez repoussé le passage en direct parce que vous êtes convaincu(e) de ne pas être prêt(e), cet épisode est votre feu vert. Vous n'avez pas besoin d'être extraverti(e) ou d'un talent naturel sur scène. Vous devez simplement être prêt(e) à vous montrer tel que vous êtes. Les personnes qui tiennent à votre travail veulent voir la vraie personne derrière tout cela, avec les pauses maladroites et tout.

Si vous vous êtes déjà demandé s'il est trop tard pour recommencer, l'histoire de Scott Westmoreland pourrait vous faire changer d'avis. Patrick, de Art Marketing Podcast, s'est entretenu avec Scott, et ce qui en est sorti est l'un de ces entretiens qui vous restent en tête.

De la scène au studio

Scott a passé des années à se produire sur Broadway. C'est le rêve pour la plupart des professionnels du théâtre, non ? Mais quelque part en chemin, il s'est rendu compte que son vrai appel était l'art visuel. La façon dont il parle de cette transition est franche. Il ne la romantise pas. Il le savait simplement.

Ce qui m'a frappé, c'est la manière dont il décrit le fait que le milieu du divertissement est une préparation, et non un détour. La discipline, le rejet, ce besoin constant de se présenter, que l'on en ait envie ou non. Tout cela s'est traduit lorsqu'il a pris un pinceau. La plupart des gens voient les changements de carrière comme repartant de zéro. Scott les a vus comme apporter tout ce qu'il avait déjà appris dans un nouveau médium.

Construire une entreprise artistique sans filet de sécurité

Scott n'avait pas de galerie qui l'attendait. Il n'avait pas de collectionneurs en ligne. Il avait des compétences d'un monde et devait comprendre comment les faire fonctionner dans un autre. L'épisode aborde l'aspect pratique de cela. Comment fixer le prix de votre travail lorsque vous êtes nouveau mais pas vraiment nouveau ? Comment parler de votre art lorsque votre parcours est si différent de celui des autres ?

Il parle d'oser s'appuyer sur son histoire plutôt que de la taire. Ses années à Broadway n'étaient pas sans pertinence. Elles faisaient partie de ce qui rendait sa perspective unique. C'est ce genre d'intuition qui ne vient que du fait de le faire réellement, pas de la théoriser à ce sujet.

Pourquoi cela compte pour tout artiste

Le chemin de Scott ne sera pas le vôtre, mais les principes qu'il a suivis s'appliquent probablement. Il n'a pas attendu la permission. Il n'a pas laissé son parcours non conventionnel être un handicap. Il a traité le métier d'art comme une entreprise, ce qui peut sembler évident jusqu'à ce que l'on réalise combien d'artistes résistent à cette partie.

L'épisode dure presque 47 minutes, et chaque minute en vaut la peine. Patrick pose de bonnes questions, et Scott donne des réponses qui paraissent réelles. Pas de superflu, pas de discours de gourou, juste quelqu'un qui a fait un grand saut et a réussi à retomber sur ses pieds.

Avez-vous déjà effectué un pivot de carrière majeur ? Ou y avez-vous pensé mais vous vous êtes retenu ? J'aimerais savoir ce qui vous a arrêté ou ce qui vous a finalement poussé à le faire.

Avez-vous déjà eu l’un de ces jours où vous vous convainquez que vous ne pouvez pas faire la chose, pour réaliser plus tard que vous le faisiez déjà ? Cet épisode regorge de moments comme ça.

Trois artistes, trois percées

Antrese partage des histoires de vrais artistes qui ont découvert qu'ils avaient déjà ce dont ils avaient besoin. Une artiste peintre a continué d'attendre d’être « prête » pour montrer son travail publiquement. Il s'avère que la vulnérabilité qu'elle avait évitée était exactement ce qui donnait de la résonance à son art. Une autre artiste pensait qu'elle avait besoin d'une formation officielle avant de pouvoir se qualifier de légitime, mais ses années de pratique autodidacte avaient déjà posé les bases qu'elle rejetait.

L'écart entre ce que vous avez et ce que vous pensez devoir avoir

Cet écart est généralement imaginaire. La troisième histoire m'a vraiment marqué(e) ! Une artiste supposait qu'elle avait besoin d'un vaste public pour que quiconque la prenne au sérieux. Ce dont elle avait réellement besoin, c'était d'engager la conversation avec les quelques personnes qui la suivaient déjà. Au moment où elle a cessé de courir après les chiffres et a commencé à tisser de vraies connexions, tout a changé. Sa communauté a grandi car elle est finalement apparue telle qu'elle est, et non comme la version polie qu'elle pensait devoir être.

La permission dont vous n'avez en réalité pas besoin

Une grande partie de ce qui nous retient est d'attendre une permission que personne d'autre ne peut nous donner. Antrese explique comment nous encadrons nos propres limites comme des exigences externes. Nous nous disons qu'il nous faut encore un cours, une autre certification, un autre signe avant d'être autorisés à avancer. Mais la capacité est déjà là. Les exemples de cet épisode le prouvent encore et encore.

Ce que cela signifie pour votre propre pratique

Si vous vous êtes dit que vous n'étiez pas prêt, ou que vous manquiez d'un élément clé, cet épisode pourrait vous aider à vous défaire de cela. Ce ne sont pas des histoires de personnes qui ont eu de la chance ou qui sont devenues talentueuses du jour au lendemain. Ce sont des histoires de personnes qui se sont rendues compte qu'elles s'étaient sous-estimées tout le temps. Le pouvoir était déjà là. Elles avaient juste à cesser de douter assez longtemps pour l'utiliser.

Quelle est la chose sur laquelle vous vous dites sans cesse que vous n'êtes pas prêt ? Et si vous l'étiez déjà ?

Hava s'est assise avec Patrick pour cet épisode et la conversation est allée dans des directions auxquelles je ne m'attendais pas. Elle parle d'utiliser le nouvel outil Voice Prints d'Art Storefronts pour générer des déclarations d'artiste, des publications sur les réseaux sociaux et tout le contenu qui lui prenait des heures chaque semaine. Ce qui m'a stoppé, c'est quand elle a dit que l'outil capturait si bien sa voix réelle que le résultat sonnait comme elle.

Pourquoi cet épisode compte pour les artistes qui vendent en ligne

Si vous êtes artiste et que vous essayez de suivre les réseaux sociaux, les campagnes par e-mail et toutes les exigences de contenu qui accompagnent la gestion d'une activité artistique en ligne, cet épisode est pour vous. Hava n'est pas une personne de la tech. C'est une artiste qui peint des créatures marines et des poissons betta, et elle le fait depuis assez longtemps pour savoir ce qui épuise son énergie et ce qui fait réellement avancer son activité. La voir expliquer comment elle utilise l'IA pour gérer le travail d'écriture répétitif pendant qu'elle se concentre sur la peinture m'a particulièrement marqué.

La préparation de la saison des fêtes du quatrième trimestre qui fonctionne vraiment

Patrick et Hava passent une bonne partie de l'épisode à parler de la préparation de la saison des ventes pour les fêtes. Pas de la manière habituelle « commencer trois mois à l'avance » comme tout le monde le dit, mais en termes concrets. Quels produits promouvoir, comment parler de son calendrier des poissons betta sans donner l'impression de se répéter, et quels canaux marketing convertissent réellement pour elle. La partie sur ses ventes de calendriers était fascinante. Ce n'est pas de l'art au sens traditionnel, mais c'est ce que veulent ses collectionneurs et cela lui permet de financer la création d'originaux plus grands.

Le lancement d'un tout nouveau podcast

L'épisode couvre aussi le lancement d'un tout nouveau podcast sur lequel ils travaillent ensemble. Ils n'en dévoilent pas trop, mais il semble qu'il sera axé sur de vraies histoires d'artistes et des conseils pratiques en marketing. Si cet épisode est un indicateur de ce qui va arriver, je suis partant.

Ce que j'en retire

Je suis parti en me disant combien de temps les artistes passent sur tout sauf à faire de l'art. Hava est honnête à propos de cette réalité. Elle n'est pas en train de prétendre que le côté business n'existe pas ou qu'elle adore le faire. Elle a simplement trouvé des moyens de le rendre moins pénible. L'outil Voice Prints ressemble à l'une de ces solutions qui résout réellement un problème au lieu d'en créer un nouveau à gérer.

Si vous êtes artiste et que vous avez l'impression de vous noyer dans le tapis roulant du contenu, ou que vous essayez de comprendre comment vous préparer au Q4 sans vous épuiser, cet épisode vous offrira quelque chose de concret sur lequel travailler. Hava ne vend pas de cours ni de système. Elle partage simplement ce qui fonctionne dans son studio en ce moment.

Si vous êtes artiste ou photographe et que vous avez repoussé votre préparation pour le Q4, cet épisode est votre appel au réveil. Patrick décompose exactement ce que vous devez faire dans les 70 prochains jours pour faire de cette saison des fêtes la meilleure jusqu'à présent.

Table des matières
00:00 - Introduction à la préparation du Q4
05:30 - L'importance de la fréquence efficace
10:00 - Perspectives économiques pour le Q4
15:00 - Organisation pour le Q4
18:00 - Stratégies de marketing
21:00 - Conclusion et appel à l'action

Le concept de Fréquence Efficace qui change tout

Patrick explique pourquoi les gens ont besoin de voir votre travail plusieurs fois avant d'acheter, surtout pendant le Q4 lorsque la boite mail et les fils sociaux de tout le monde sont complètement saturés. Il ne s'agit pas d'être agaçant. Il s'agit d'être présent lorsque quelqu'un est enfin prêt à prendre cette décision. La décomposition de la façon de structurer vos points de contact sur ces 70 jours est de l'or.

Mettre sa maison en ordre avant la ruée

Cette section couvre tout le travail d'organisation que la plupart d'entre nous oublient jusqu'à ce qu'il soit trop tard. Vérification des prix, logistique d'expédition, comptages d'inventaire, vitesse du site web, traitement des paiements. Ce sont les aspects peu sexy qui font ou défont une saison chargée. Patrick passe méthodiquement en revue chaque pièce, afin que vous puissiez les aborder une à une sans vous laisser déborder.

Un marketing qui connecte réellement

Ce que j'ai aimé ici, c'est la façon dont Patrick présente le marketing comme du storytelling, pas de la vente. Il parle d'équilibrer votre temps entre la création de nouvelles œuvres et leur mise devant les gens. Pour beaucoup d'artistes, cet équilibre penche beaucoup trop vers la création et pas assez vers la connexion avec les humains qui veulent l'acheter. Il donne des ratios et des plannings concrets qui fonctionnent réellement.

Le constat économique

Patrick ne fait pas semblant avec l'économie. Il explique ce qui se passe dans les dépenses des consommateurs en ce moment et ce que cela signifie pour les artistes qui vendent leur travail ce Q4. Mais au lieu de catastrophisme, il se concentre sur ce que vous pouvez contrôler : votre message, votre fréquence, votre présence. C'est un optimisme pragmatique.

Le Q4 arrive que vous soyez prêt ou non. Cet épisode vous donne la feuille de route pour être prêt plutôt que de courir dans tous les sens. Quelle est la chose que vous allez faire cette semaine pour vous préparer ?

Le 4e trimestre est le moment où tout se met en place pour les artistes et les photographes. Cet épisode décompose les stratégies de marketing par e-mail qui transforment les ouvertures de la boîte de réception en ventes pendant la période d'achat la plus chargée de l'année.

L'opportunité d'e-mails du 4e trimestre que la plupart des créatifs manquent

Patrick explique pourquoi le 4e trimestre n'est pas simplement une autre saison. C'est le moment où les gens font activement des achats de cadeaux, recherchent des œuvres d'art qui leur paraissent personnelles et sont prêts à dépenser. L'épisode détaille comment construire une séquence d'e-mails qui rencontre les acheteurs là où ils se trouvent, d'octobre au début des vacances. Ce qui ressort, c'est l'accent mis sur la planification précoce, et non sur la précipitation en novembre alors que tout le monde est déjà dans sa boîte de réception.

Des stratégies de segmentation qui fonctionnent vraiment

L'un des éléments les plus précieux ici est le décryptage de la façon de segmenter votre liste d'e-mails. Patrick explique qu'il faut traiter différemment les acheteurs pour la première fois et les collectionneurs, et comment réengager les personnes qui n'ont pas ouvert depuis des mois. Les tactiques sont concrètes, comme envoyer des histoires en coulisses à des prospects chauds et des avant-premières exclusives en avant-première pour vos abonnés les plus engagés. Il ne s'agit pas seulement d'envoyer plus d'e-mails, mais d'envoyer le bon message à la bonne personne.

Timing, lignes d’objet et touche humaine

Cette section entre dans les détails qui font la différence entre un e-mail qui est ouvert et un qui est supprimé. Patrick partage des cadres pour rédiger des lignes d'objet qui paraissent personnelles et non agressives. Il couvre aussi le timing, quand envoyer votre première promotion de vacances, et à quelle fréquence envoyer des e-mails sans submerger les gens. L'accent est mis sur le fait de rester humain, même lorsque vous automatisez certaines étapes du processus.

Si vous vous demandez comment tirer le meilleur parti du 4e trimestre sans épuiser votre liste d'e-mails, cet épisode regorge de stratégies que vous pouvez commencer à utiliser dès aujourd'hui. Quel est votre plus grand défi en matière de marketing par e-mail pendant la période chargée ?

Si vous avez déjà eu l'impression que ChatGPT a oublié tout ce que vous lui avez dit au moment où vous avez fermé la fenêtre, cet épisode va changer votre façon de travailler avec l'IA pour toujours.

Table des matières
0:00 Introduction : Le contexte est roi
5:30 Le déclic : Le moment de faire sensation
10:00 Comprendre le contexte dans l'IA
15:00 Notions de base de l’ingénierie des prompts
20:00 Technique de chaînage des prompts
25:00 Exploiter les fichiers source pour le contexte
30:00 Empreintes vocales : personnaliser les réponses de l’IA
35:00 Préparer le 4e trimestre : Maximiser l’IA pour les ventes

Pourquoi cet épisode est différent

Patrick, de Art Storefronts, décode exactement pourquoi la plupart d'entre nous utilisent l'IA de manière complètement incorrecte. On passe des premiers rendez-vous avec ChatGPT à chaque fois qu'on lui demande quelque chose, en partant de zéro, en s'expliquant sans cesse. C'est épuisant !

La grande idée ici est que le contexte est tout. Lorsque vous donnez à l'IA les bonnes informations de base sur qui vous êtes, ce que vous faites et le ton de votre voix, elle cesse de vous donner des réponses génériques et commence à fournir des résultats magiques.

Le changement de jeu des empreintes vocales

Une des techniques les plus sympas que Patrick partage consiste à créer une « empreinte vocale » pour vous-même. Vous donnez à ChatGPT des exemples de la façon dont vous écrivez et communiquez réellement, afin que lorsqu'il génère du contenu pour vous, cela sonne comme VOUS, pas comme un robot qui essaie d'être professionnel. C'est énorme pour quiconque gère les réseaux sociaux ou rédige des e-mails pour les collectionneurs.

Il passe aussi en revue le chaînage des invites, qui est essentiellement l'apprentissage par l'IA pour se rappeler ce dont vous avez parlé dans des conversations précédentes. Au lieu de vous répéter sans cesse, vous vous appuyez sur ce que vous avez déjà établi. C'est comme avoir un assistant qui fait réellement attention !

Des outils réels pour les vrais artistes

Patrick aborde aussi des aspects pratiques, comme téléverser des fichiers sources pour donner à ChatGPT encore plus de contexte sur votre travail. Imaginez pouvoir dire:

Imaginez pouvoir dire trois légendes Instagram dans ma voix sur ma toute dernière série et que cela sonne réellement comme quelque chose que vous publieriez. C'est ça le pouvoir du contexte.

La section de préparation au 4e trimestre à la fin est parfaitement synchronisée si vous vous apprêtez à faire des ventes pendant les fêtes. Patrick montre comment utiliser toutes ces techniques d'IA pour créer du contenu marketing plus rapidement sans perdre votre voix authentique.

À qui s'adresse cet épisode ?

Quiconque a déjà été face à un écran blanc en essayant d'écrire une légende pour les réseaux sociaux, un e-mail ou une déclaration d'artiste. Quiconque a déjà essayé ChatGPT une fois et s'est dit « c'est sympa mais pas utile ». Quiconque veut travailler plus intelligemment sans donner l'impression d'un communiqué de presse corporate.

Cet épisode vous fera gagner des heures de frustration et vous aidera à réellement prendre plaisir à utiliser les outils d'IA plutôt que de vous battre contre eux. Le temps que vous investissez pour apprendre ces techniques de contexte vous rapportera chaque semaine lorsque vous créerez du contenu.

Cinq millions de personnes regardent des visites d’atelier sur Instagram en ce moment. Pas d'ouvertures de galeries, pas de toiles terminées, des visites d’atelier. Patrick, du podcast Art Marketing, vient d’expliquer pourquoi votre espace de travail reçoit plus d’engagement que votre travail, et les chiffres sont fous.

Dans les coulisses, c'est bien plus fort que le dévoilement final à chaque fois

Les artistes publient leur dernière pièce et obtiennent 200 likes. Puis ils publient un clip de 15 secondes de leur palette en désordre, de tubes de peinture à moitié pressés et d'une tasse de café équilibrée sur une pile de toiles, et cela atteint 2 000 likes. L'algorithme ne se soucie pas de votre composition. Il se soucie du moment où quelqu'un a failli renverser la térébenthine.

Patrick a parcouru les chiffres, et ils pointent tous dans la même direction. Les gens veulent voir où vous créez la chose plus que la chose elle-même. Votre bureau couvert de croquis, le sol de votre studio avec des éclaboussures de peinture que vous n'avez pas nettoyées depuis trois mois, la lumière venant de la fenêtre sur laquelle vous filmez habituellement. Voilà le contenu.

Le secret du marketing est de montrer ce que vous cachez habituellement

La plupart des artistes remettent de l'ordre avant de filmer quoi que ce soit. Patrick dit que c'est une erreur. Le désordre est l'histoire. La toile à moitié terminée en arrière-plan, les photos de référence collées au mur, la playlist que vous aviez en boucle pendant que vous travailliez. Ces détails donnent aux gens l'impression d'être dans la pièce avec vous.

Ce n'est pas une question d'être négligeant. C'est une question d'être réel. Quand quelqu'un voit votre espace de travail, il voit les heures. Il voit le processus. Ils se connectent à cela davantage qu'à une pièce terminée accrochée sur un mur blanc.

Commencez à filmer votre installation, pas seulement votre production

Patrick a donné plein d'exemples d'artistes qui ont transformé leur studio en contenu. Un photographe a montré le coin de son garage où il réalise des photos de produits. Un autre artiste a réalisé un time-lapse de la mise en place d'une nature morte. Les deux publications ont dépassé toutes les publications d'œuvres soignées qu'ils avaient publiées ce mois-là.

La leçon est simple. Votre espace créatif est de l'or pour le marketing, et vous l'ignorez probablement. Filmez une visite guidée. Montrez votre bureau. Faites un panoramique sur votre étagère de références. Publiez-le sans trop réfléchir.

Est-ce que vous faites déjà cela, ou avez-vous ignoré les coulisses ? J’aimerais savoir ce qui a fonctionné pour vous.

Et si la clé d’une créativité constante n’était pas de pousser plus fort, mais de retrouver votre joie ?

Dans l’épisode 154 du podcast Honest Art, Jodie et l’artiste-thérapeute Cindy Wysocki explorent comment redécouvrir la joie peut transformer votre pratique artistique d’un fardeau en une source de guérison et de croissance. Cet épisode aborde en profondeur la façon de surmonter les blocages créatifs, d’embrasser l’expression authentique et de maintenir une constance à long terme sans épuisement — écoute essentielle pour tout artiste ou photographe qui lutte pour rester inspiré.

Points clés

🔹 La joie comme carburant créatif — Priorisez la joie dans votre pratique artistique pour prévenir l’épuisement et maintenir votre énergie créative.

🔹 Constance sans pression — Développez des habitudes qui vous invitent à vous présenter régulièrement sans vous forcer ou vous inquiéter des résultats.

🔹 Le style authentique émerge naturellement — Cessez d’imposer un style ; laissez votre voix unique évoluer organiquement à travers une exploration honnête.

🔹 La guérison émotionnelle améliore la créativité — Reconnaître comment traiter les blocages émotionnels peut ouvrir de nouvelles voies créatives et approfondir votre travail.

🔹 Reformuler « Pas assez artistique » — Remettez en question les récits internes qui limitent votre identité d’artiste — la créativité est accessible à tout stade.

💬 Citation notable

« Les artistes n’abandonnent pas parce qu’ils manquent de talent — ils abandonnent parce qu’ils perdent leur joie. »

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Quels petits changements vous ont aidé à reconnecter avec la joie dans votre pratique créative, surtout pendant les périodes difficiles ? 👇

Et si l'abandon était l'outil secret pour libérer votre flux créatif le plus complet et votre résilience en tant qu'artiste ?

Dans cet épisode profondément réflexif, Preston M. Smith explore les nombreuses facettes de l'abandon — céder au moment présent, relâcher l'attachement aux résultats, et embrasser l'abandon comme catalyseur de croissance. Puisant dans les enseignements des saisons 2, 4 et 6, cet épisode offre aux artistes une sagesse pratique sur la manière dont l'abandon peut transformer non seulement votre processus créatif mais aussi les défis de votre vie en sources de force et d'inspiration.

Points clés

🔹 Abandonner au moment présent — Apprenez à vous engager pleinement avec votre état créatif actuel sans résistance, laissant les idées et l'intuition circuler naturellement.

🔹 Relâcher l'attachement aux résultats — Déplacez l'attention du produit final vers le processus lui-même, réduisant la frustration et ouvrant un espace pour des avancées inattendues.

🔹 Utiliser l'abandon comme adaptation — Accueillez les revers et les changements comme des invitations à recentrer votre pratique artistique et à grandir, plutôt que comme des obstacles à éviter.

🔹 L'abandon comme outil créatif — Pratiquez consciemment l'abandon pour vous libérer des blocages créatifs et inviter de nouvelles perspectives dans votre travail.

🔹 Intégrer l'abandon dans la pratique quotidienne — Développez des rituels ou habitudes qui vous rappellent de lâcher prise régulièrement, cultivant la résilience et l'ouverture dans votre art.

💬 Citation marquante

« La véritable reddition n’est pas l’abandon — c’est céder à ce qui est, afin de créer à partir d’un lieu de liberté, et non de peur. »

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Comment l'abandon — qu'il s'agisse d'un processus, d'un résultat ou d'un défi — a-t-il changé votre approche de l'art ou de la photographie ? 👇

Vous avez du mal à sortir de la paralysie créative ? Austin Kleon vous explique comment créer avant de réfléchir — et s'autoriser l'étrangeté.

Dans cet épisode de Creative Pep Talk, Austin Kleon plonge au cœur de tactiques pour se libérer de la suranalyse et raviver votre passion enfantine pour créer de l'art. Que vous soyez coincé en mode vente ou en quête d'étincelles inattendues, le nouveau livre d'Austin, Don’t Call It Art, regorge de stratégies fraîches pour aider les artistes et les photographes à créer plus librement et à s'amuser en le faisant.

Points Clés

🔹 Créer Avant de Penser — Commencez à créer immédiatement pour contourner votre critique intérieure et débloquer des idées brutes et authentiques sans trop analyser.

🔹 Le mode Vente n'a pas à tuer la créativité — Apprenez à équilibrer la promotion de votre travail tout en restant fidèle à votre processus créatif, afin que la vente ressemble à une extension de votre art.

🔹 Osez l'étrangeté — Embrassez l'expérimentation et la légèreté pour découvrir de nouvelles directions et raviver la joie dans votre pratique créative.

🔹 L'opposé de la dépression est la créativité — Utilisez la création artistique comme outil pour lutter contre les baisses créatives et les blocages mentaux, en voyant la création comme une forme de soulagement émotionnel.

🔹 Récupérez votre passion enfantine — reconnectez-vous à la curiosité sans inhibition et à l'émerveillement que vous aviez enfant pour alimenter une nouvelle inspiration et une expression sans peur.

💬 Citation remarquable

« N’attendez pas d’être inspiré — commencez à créer, et l’inspiration vous trouvera en chemin. »

🔗 Écouter

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Quel petit rituel ou habitude créative vous aide à sortir de la suranalyse et à commencer simplement à créer ? 👇

Et si votre prochaine avancée dans l'atelier ne commençait pas par la création, mais par poser de meilleures questions ?

Dans cet épisode du podcast The Art Biz, Alyson Stanfield encourage les artistes à voir la recherche comme une partie active et guidée par la curiosité de leur processus créatif — et non pas comme une étape préliminaire ou une tâche académique. Puisant dans son parcours d'historienne de l'art et ses explorations personnelles, Alyson révèle comment une enquête approfondie affine la signification de votre travail, renforce la confiance et transforme la manière dont vous communiquez votre art.

Points clés

🔹 Au-delà de « J’ai toujours été attiré par ceci » — Repoussez les réponses superficielles concernant votre sujet pour découvrir des motivations plus profondes qui donnent à votre travail un sens authentique.

🔹 Le sens plutôt que la beauté — Concentrez votre pratique sur la création d’œuvres qui portent sur quelque chose d’important, et non seulement sur l’aspect visuel, afin d’engager les spectateurs à un niveau profond.

🔹 La recherche comme curiosité, pas comme exactitude — Abordez la recherche comme une enquête ouverte plutôt que comme la recherche de la réponse « juste » — et évitez une dépendance excessive à Google ou à l’IA.

🔹 L’enquête forge la confiance — Une pratique de recherche sérieuse renforce vos déclarations d’artiste, enrichit les conversations avec les collectionneurs et approfondit votre confiance dans l’œuvre.

🔹 La curiosité comme pratique durable — Faites de la curiosité une habitude continue d’atelier plutôt qu’une phase ponctuelle, pour favoriser une croissance et une découverte continues.

💬 Citation marquante

« La recherche n’est pas une case à cocher — c’est une manière de guider votre pratique artistique avec la curiosité qui approfondit le sens et renforce la confiance. »

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Comment intégrez-vous actuellement la curiosité et la recherche dans votre pratique d’atelier, et quels changements pourraient la rendre plus intégrée à votre processus créatif ? 👇

Découvrez les secrets pour capturer l’endurance humaine brute et le chaos à grande vitesse dans la photographie sportive comme jamais auparavant.

Cet épisode plonge au cœur des univers à enjeux élevés du cyclisme compétitif et de la photographie des sports mécaniques, explorant comment les photographes repoussent les limites créatives et techniques pour figer des moments qui mêlent beauté, vitesse et dureté. En écoutant des professionnels qui prospèrent grâce à l’adrénaline, les artistes acquièrent des outils pour maîtriser le mouvement, gérer la surcharge sensorielle et traduire une physicalité intense en récits visuels captivants.

Points clés

🔹 Anticipation de l’action clé — Apprenez à lire les signaux physiques des athlètes et les conditions de course pour capturer les moments décisifs avant qu’ils ne se produisent.

🔹 Équilibrer le flou de mouvement et la netteté — Expérimentez avec les vitesses d’obturation pour transmettre la vitesse sans perdre les détails critiques, créant des images dynamiques mais claires.

🔹 Gestion de la surcharge sensorielle — Développez des stratégies mentales pour rester concentré au milieu d’environnements chaotiques comme les courses de 24 heures, en préservant la créativité malgré la fatigue.

🔹 Narration à travers des étapes séquentielles — Capturez l’arc narratif des sports d’endurance en photographiant plusieurs étapes d’effort, de la lutte au triomphe.

🔹 Exploitation des éléments environnementaux — Utilisez la lumière naturelle, les conditions météo et les caractéristiques du lieu pour ajouter du drame et du contexte qui renforcent l’impact émotionnel de vos clichés.

💬 Citation notable

« Photographier des athlètes sur le bord n’est pas seulement une question de vitesse — c’est ressentir l’histoire derrière chaque muscle tendu et chaque décision en une fraction de seconde. »

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Comment abordez-vous la capture du mouvement et de l’émotion simultanément dans la photographie sportive à grande vitesse ou d’endurance ? 👇

Et si maîtriser la patience pouvait transformer vos photographies en un art tactile intemporel ?

Dans l'épisode n°535 du The Photowalk Podcast, nous plongeons dans l'art méticuleux de la photogravure au polymère au Highland Print Studio, où les images numériques renaissent sous forme d'impressions d'art finement texturées. Guidé par le maître imprimeur John McNaught et d'autres photographes, cet épisode révèle comment ralentir et adopter les procédés traditionnels peut approfondir votre connexion à la photographie et créer des œuvres qui durent vraiment.

Points clés

🔹 Photogravure polymère — Découvrez comment la combinaison de la photographie numérique avec des techniques d'impression datant de plusieurs siècles produit des tirages uniques et texturés qu'aucun écran numérique ne peut reproduire.

🔹 La valeur de la patience — Apprenez pourquoi adopter des flux de travail lents et délibérés peut renforcer la concentration créative et ouvrir de nouvelles possibilités artistiques au-delà des résultats numériques instantanés.

🔹 Photographie tactile — Comprenez le pouvoir de produire des tirages physiques qui captivent les spectateurs par la texture et la profondeur, reconnectant la photographie à ses racines matérielles.

🔹 Contexte historique — Explorez la riche histoire de la photogravure et comment sa renaissance offre une inspiration renouvelée aux photographes modernes en quête d'authenticité.

🔹 Créativité collaborative — Voyez comment travailler aux côtés de maîtres imprimeurs et de pairs peut élargir vos compétences et éveiller la passion pour les procédés photographiques pratiques.

💬 Citation notable

« Dans une époque de défilement sans fin, il y a encore quelque chose de magique à ralentir et à réaliser une photographie que vous pouvez vraiment tenir entre vos mains. »

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Comment l'intégration de techniques d'impression lentes et manuelles comme la photogravure peut-elle changer votre approche de la pratique photographique ? 👇

Si vous avez ressenti cette étrange pression de janvier où tout le monde semble avoir toute l'année déjà tracée, cet épisode est pour vous.

Table des matières
00:00 — Cette étrange pression de janvier
04:05 — La voix qui continue d'être interrompue
08:40 — Quand les objectifs commencent à peser
13:25 — Un rapide check-in instinctif avant de vous engager dans quoi que ce soit
18:35 — La question d'autorisation à laquelle je ne peux pas arrêter de penser

La voix qui se fait couper la parole

Antrese Wood parle de quelque chose qui arrive à tant d'entre nous au début d'une nouvelle année. Pas les voix fortes qui vous disent ce que vous devriez faire, mais cette voix intérieure plus discrète qui est pressée ou ignorée. Celle qui murmure « eh... je ne suis pas sûr de tout ça » lorsque tout le monde semble si certain.

Cet épisode est une pause bienveillante avant de vous lancer dans le mode de définition d'objectifs. Il s'agit avant tout d'écouter votre moi intérieur. Vraiment écouter. Surtout ces parties plus discrètes qui sont habituellement interrompues ou écartées dans la course pour tout comprendre.

Quand les objectifs commencent à peser plutôt qu'à donner des ailes

Wood partage quelque chose à laquelle je pense tout le temps. Les objectifs sont censés nous aider, mais parfois ils commencent à peser. Pas parce que nous faisons quelque chose de mal, mais parce qu'ils ne correspondent peut-être pas aux bons objectifs pour l'endroit où nous en sommes réellement en ce moment.

Elle décrit une simple vérification instinctive qu'elle utilise pour dire si elle se pousse vraiment loin, ou si elle se prépare à s'arrêter. Cette distinction compte plus que nous ne le réalisons. L'un vous fait avancer. L'autre vous épuise simplement.

La question d'autorisation qui change tout

Il y a une question que Wood a posée à sa communauté Growth Studio qui a suscité bien plus que ce à quoi elle s'attendait. Cela n'a rien à voir avec ajouter encore plus à votre charge, ce qui honnêtement pourrait être la partie la plus rafraîchissante. Il ne s'agit pas de faire plus. Il s'agit de s'assurer que ce que vous faites est réellement aligné avec qui vous êtes et où vous allez.

L'ensemble de l'épisode donne l'impression que quelqu'un vous donne la permission de ralentir d'un instant. De faire le point avec vous-même avant de vous engager pour une année entière d'objectifs qui pourraient même ne pas être les vôtres. L'approche de Wood n'est pas anti-objectif du tout. Elle est tout à fait pour fixer des intentions et des objectifs. Mais elle veut s'assurer qu'ils sont les bons, pour les bonnes raisons, au bon moment.

Vous n'avez pas encore besoin de toutes les réponses. Vous avez juste besoin d'un peu d'espace pour vous entendre clairement afin de pouvoir partir d'un endroit qui est réellement vrai.

Si vous avez hâte de déterminer votre année et que quelque chose n'a pas tout à fait semblé juste, écoutez ceci. La voix de Wood est exactement celle posée et réfléchie dont vous avez besoin lorsque le monde vous dit de vous dépêcher et de tout décider tout de suite.

La Fête des Mères, la Fête des Pères, la Semaine d'appréciation des enseignants. Ce sont des moments de vente gravés dans le calendrier que la plupart des artistes ignorent, et Patrick de Art Storefronts vient d'expliquer pourquoi cela laisse de l'argent sur la table.

La fête évidente que tout le monde oublie

La Fête des Mères est la deuxième plus grande fête pour les cadeaux aux États‑Unis. Patrick souligne que la personne moyenne dépense plus de 200 dollars en cadeaux pour sa mère, et une grande proportion de ces cadeaux sont des objets décoratifs pour la maison. Vous savez à quoi ressemblent ces objets décoratifs ? De l'art. De la photographie. Des choses que les gens accrochent sur les murs. Mais la plupart des artistes les traitent comme n'importe quel autre dimanche de mai, puis se demandent pourquoi leurs ventes restent stagnantes alors que les fleuristes et les bijouteries font le plein.

Le constat ici est brutal. Vous n'avez pas besoin d'une audience massive ou d'un grand nombre de suiveurs pour capitaliser sur une fête où des millions de personnes pensent déjà : « Je dois acheter quelque chose de significatif ». Vous avez juste besoin d'apporter une raison pour laquelle elles choisissent votre travail.

Le calendrier que vous ne regardez pas

Patrick ne s'arrête pas à la fête des Mères. Il passe en revue la fête des Pères, la Journée des Grands-Parents, la Semaine d'appréciation des enseignants, la saison des remises de diplômes, et une poignée d'autres dates que la plupart des artistes ne considèrent même pas comme des opportunités de vente. Le but n'est pas de vous transformer en usine de cartes de vœux. Il s'agit de reconnaître qu'il existe des semaines chaque année où les gens font activement leurs achats pour quelque chose de réfléchi, personnel et significatif à offrir à quelqu'un qui leur tient à cœur.

Le changement que préconise Patrick est petit mais puissant. Au lieu d'espérer que quelqu'un tombe par hasard sur votre travail et décide de l'acheter un mardi au hasard, vous alignez vos promotions avec les moments où les gens sont déjà motivés à acheter. Ce n'est pas manipulateur. C'est juste intelligent.

La seule action qui change tout

Vers la fin de l'épisode, Patrick plaide en faveur de planifier ces promotions à l'avance. Il ne parle pas de campagnes élaborées ni de semaines de préparation. Il parle de connaître les dates, d'avoir un email simple prêt à envoyer, et de faciliter le fait pour quelqu'un de dire oui. La différence entre un artiste qui vend pendant ces créneaux et celui qui ne vend pas dépend souvent du fait qu'il ait mentionné ou non que c'était une option.

Ce qui m'a le plus frappé, c'est de réaliser que ce n'est pas une histoire d'être agressif ou pousser. Il s'agit de comprendre que vos collectionneurs, votre liste de diffusion et vos abonnés pensent déjà à ces fêtes. Vous ne perturbez pas leur vie. Vous proposez quelque chose qui correspond exactement à ce qu'ils recherchent déjà.

Avez-vous déjà lancé une promotion pendant une fête, ou laissez-vous habituellement ces dates passer ?

Si vous êtes un artiste qui met tout son cœur sur Instagram et vous vous demandez pourquoi les ventes ne viennent pas, cet épisode pourrait tout changer.

La vérité cachée sur les ventes sur Instagram

Patrick et Matt abordent l'une des questions les plus frustrantes auxquelles les artistes sont confrontés : pourquoi une œuvre belle reçoit énormément de likes mais zéro achat. La réponse ne tient pas à la qualité de votre art ni au nombre de hashtags que vous utilisez. Il s'agit de quelque chose que la plupart des artistes ne pensent jamais vérifier, et une fois que vous l'entendrez, vous voudrez auditer l'ensemble de votre présence immédiatement.

Ce qui empêche réellement les gens d’acheter

Les hôtes passent en revue des scénarios réels où des acheteurs potentiels arrivent sur votre profil, prêts à acheter, puis quelque chose de petit mais critique les pousse à partir. Ils décomposent les points de friction exacts qui tuent l'élan des ventes, des liens confus dans la biographie aux signaux de tarification peu clairs. Ce n'est pas de la théorie : c'est basé sur l'observation de milliers de comptes d'artistes et sur les mêmes schémas qui se répètent.

Une chose qui m'a vraiment frappé était leur point sur le parcours de l'acheteur. Quelqu'un qui double-tape votre publication agit d'une manière complètement différente de quelqu'un qui clique pour visiter votre profil. Comprendre cette différence et configurer votre compte pour les deux publics peut faire la différence entre le silence radio et des ventes constantes. L'épisode explore aussi pourquoi certains artistes avec un nombre de followers plus modeste dépassent de façon constante des comptes avec plus de 50 000 abonnés, et tout se résume à ces décisions de configuration apparemment minuscules.

La solution est plus simple que vous ne le pensez

Bonne nouvelle : la plupart de ces obstacles qui tuent les ventes peuvent être corrigés en moins d'une heure. Patrick et Matt vous proposent un processus d'audit étape par étape pour trouver et éliminer les obstacles entre votre audience sur Instagram et votre page de paiement. Ils partagent aussi quels outils et quelles stratégies de liens fonctionnent réellement en 2024, car le paysage d'Instagram a changé de façon spectaculaire au cours de l'année écoulée.

Ils décomposent même la psychologie derrière pourquoi certaines formules d'appel à l'action fonctionnent mieux que d'autres, et comment tester ce qui résonne avec votre audience spécifique. Il ne s'agit pas de copier ce qui a fonctionné pour quelqu'un d'autre, il s'agit de comprendre les principes afin de pouvoir les appliquer à votre situation unique.

Ce que j'aime dans cet épisode, c'est à quel point il est pratique. Pas de blabla, pas de conseils du genre « il suffit de publier plus ». Juste de vrais problèmes et de vraies solutions venant de personnes qui ont aidé des milliers d'artistes à transformer leur présence sur Instagram en revenu réel. Si vous avez déjà eu l'impression qu'Instagram est une impasse pour les ventes, écoutez celui-ci. Vous pourriez découvrir la seule chose qui se dresse entre vous et votre prochaine vente.

Patrick s'est entretenu avec The Hogans pour cette conversation, et ce qui ressort, c'est la façon dont ils ont construit leur carrière artistique en équipe. Si vous vous êtes déjà demandé ce qu'il faut pour que cela fonctionne lorsque les deux partenaires sont artistes, cet épisode est pour vous.

Nos débuts ensemble

Les Hogans parlent de leurs débuts et de la façon dont ils ont déterminé leur direction créative. Ils partagent des histoires sur les décisions qui ont façonné leur parcours, et il est clair qu'ils ont appris en faisant. La partie sur la façon de trouver leur voix d'artistes tout en restant fidèles l'un à l'autre résonne vraiment.

Construire le côté business

L'un des enseignements les plus importants est leur approche du côté commercial de l'art. Ils n'ignorent pas les aspects difficiles, parlant ouvertement des tarifs, du marketing et de la connexion avec les collectionneurs. Ce qui est rafraîchissant, c'est leur côté pragmatique. Il ne s'agit pas de théorie ou de ce qui pourrait fonctionner un jour; il s'agit de ce qui a réellement fonctionné pour eux.

Le partenariat créatif

Il y a un moment dans la conversation où ils parlent de collaboration et de différences créatives. C'est honnête d'une manière qui pousse à réfléchir à vos propres relations créatives, que ce soit avec un partenaire, un ami, ou même avec vous-même. La façon dont ils gèrent ces moments en dit long sur les raisons de leur longévité.

Ce qui les pousse à continuer

À la fin, ils réfléchissent à ce qui les motive après toutes ces années. Il ne s'agit pas de courir après les tendances ou d'essayer d'être quelqu'un qu'ils ne sont pas. Il s'agit de rester connectés à la raison pour laquelle ils ont commencé au départ et de laisser cela guider tout le reste.

Si vous bâtissez une carrière artistique, surtout si vous le faites aux côtés de quelqu'un d'autre, cette conversation a beaucoup à offrir.