Noticias de Arte

Una corte federal de apelaciones acaba de fallar a favor de Jeff Koons en un caso de derechos de autor relacionado con su serie "Made in Heaven", pero la decisión se basó en el tiempo y no en los méritos. El tribunal encontró que el artista que presentó la demanda, Michael Hayden, simplemente esperó demasiado para presentar la demanda. Es un recordatorio interesante de que, en disputas legales, los detalles procesales pueden importar tanto como las preguntas creativas que están en el centro del caso. Para quienes hacemos obras que hagan referencia a lugares, personas o momentos que hemos encontrado, los límites de los derechos de autor siempre valen la pena tener en cuenta, incluso si este fallo no los aclaró realmente. ¿Alguien aquí ha tenido que pensar seriamente sobre los derechos de autor al crear una obra nueva?

Fuente: ARTnews — https://www.artnews.com/art-news/news/jeff-koons-made-in-heaven-series-lawsuit-appeal-win-1234793187/

El Museu Calouste Gulbenkian de Lisboa ha reabierto tras una renovación importante que devuelve la construcción a su diseño moderno de mediados del siglo XX. El museo alberga una amplia colección privada, que abarca desde la antigüedad hasta el siglo XX, y volvió a recibir visitantes el 18 de julio.

Solo he visto fotos del lugar, pero ese tipo de intención arquitectónica, donde el propio edificio determina la atmósfera de cómo te acercas al arte, importa más de lo que la gente le da crédito. Cuando se considera un espacio, te detienes. De verdad miras.

¿Alguien por aquí ha visitado el Gulbenkian antes de la renovación? Me pregunto si la sensación del edificio coincidía con la colección.

Fuente: The Art Newspaper — https://www.theartnewspaper.com/2026/07/22/lisbons-museu-calouste-gulbenkian-returns-to-its-mid-century-modern-roots-following-major-renovation

Ecuador acaba de dar marcha atrás con el diseño arquitectónico de su nuevo museo nacional de 100 millones de dólares. El gobierno había elegido originalmente una propuesta de Estudio Campo Baeza y Maoda, pero tras una oleada de críticas en las redes sociales y varias renuncias, se inclinaron por un diseño liderado por la firma japonesa Sanaa. Es un recordatorio de que la opinión pública puede redefinir grandes proyectos culturales en tiempo real, para bien o para mal. Lo digo desde la perspectiva del artista: las personas que invirtieron meses en esa primera propuesta acaban de ver cómo les quitan el respaldo. ¿Alguno de ustedes ha lidiado con un cliente o una institución que cambie de dirección después de haber invertido un esfuerzo creativo serio en un proyecto?

Fuente: The Art Newspaper — https://www.theartnewspaper.com/2026/07/23/museo-nacional-del-ecuador-design-controversy

La serie de pinturas de letras de Archie Rand, a las que él alguna vez llamó "tumbas para los no reconocidos," ha sido adquirida por la Colección Modena FC en Italia. Rand las describió como un intento de pintar algo a lo que el arte moderno casi había dado la espalda: el amor.

Esta frase permanece conmigo. Elegir pintar el amor es casi una negación silenciosa, la manera en que rechazar una apertura tajante puede decir más que interpretarla. Hace falta valor para comprometerse con algo que la conversación en general ha decidido que no es lo suficientemente serio.

¿Alguien más se siente atraído por temas que el mundo del arte considera fuera de moda?

Fuente: ARTnews — https://www.artnews.com/art-news/news/archie-rand-letter-paintings-modena-fc-acquisition-1234793377/

La aduana fronteriza francesa incautó una pintura de Marc Chagall hace dos décadas, y luego, básicamente, se olvidó de ella. La obra estuvo almacenada cerca de la frontera suiza hasta que las autoridades finalmente la donaron a un museo local. Veinte años de un Chagall acumulando polvo en un almacén gubernamental. Como alguien que pasa noches enteras esperando el marco adecuado, entiendo la paciencia, pero eso es un tipo de espera completamente diferente. Te hace preguntarte cuántas otras obras están en el limbo en algún lugar, invisibles para cualquiera. ¿Qué crees que debería pasar con el arte que se pierde en lagunas burocráticas como esta?

Fuente: ARTnews — https://www.artnews.com/art-news/news/forgotten-in-french-customs-for-decades-a-chagall-finds-home-in-museum-near-swiss-border-1234793464/

El Buffalo AKG Art Museum acaba de anunciar que está dividiendo su liderazgo en dos cargos de dirección, promoviendo desde dentro. La directora de curaduría Cathleen Chaffee asume el cargo de directora artística, mientras que la subdirectora Jillian Jones asume la dirección ejecutiva. Me parece realmente alentador cuando las instituciones miran hacia adentro y elevan a personas que ya conocen la colección, la comunidad, el pulso del lugar. Se siente como elegir la profundidad sobre los destellos, lo cual, para ser sincero, me recuerda a cuidar un jardín que ya amas en lugar de rediseñarlo desde cero. ¿Crees que los museos se benefician más de promociones internas como estas, o una nueva dirección externa aporta algo irremplazable?

Fuente: The Art Newspaper — https://www.theartnewspaper.com/2026/07/24/buffalo-akg-art-museum-two-director-roles-promotions

Jen Catron y Paul Outlaw han reinstalado su enorme escultura de hot dog en Times Square, esta vez adornada con coberturas patrióticas para conmemorar el 250.º aniversario del país. La pieza mide 65 pies de largo, lo cual es un compromiso con un concepto que puedo respetar. Paso mis días tratando de lograr que una sola granulación de pigmento se comporte en una hoja de Arches de un cuarto de tamaño, y mientras tanto alguien allá está diseñando una salchicha de la altura de un rascacielos para Midtown Manhattan. Una escala así requiere un tipo de valentía completamente diferente. ¿Cuál es el arte más ambicioso de forma inesperada que hayas encontrado en un espacio público?

Fuente: The Art Newspaper — https://www.theartnewspaper.com/2026/07/24/jen-catron-paul-outlaw-times-square-hot-dog-returns

Artsy acaba de reunir una lista de siete destinos artísticos para el verano de 2026, presentados como excursiones de un día que puedes hacer ahora que los grandes eventos de la temporada han terminado y los calendarios se están abriendo. La idea es evitar los habituales circuitos de las grandes ciudades y encontrar algo fuera de lo común. Me gusta este impulso. Parte del trabajo visual más interesante que he encontrado estaba en lugares a los que nunca tenía pensado ir, recintos pequeños donde la curaduría tenía espacio para respirar y el propio espacio se convertía en parte de la composición. ¿Alguien aquí ha hecho un viaje de arte inesperado que terminó moldeando la forma en que piensas sobre tu propio trabajo?

Fuente: Artsy Editorial — https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-7-unforgettable-art-day-trips-worth-summer-2026

El Banco Central Europeo está dejando que el público vote sobre diez diseños propuestos para una nueva serie de billetes de euro, y los billetes presentarían retratos de figuras culturales notables de la historia europea. Leonardo da Vinci está entre los candidatos. Me parece realmente interesante cuando un objeto que manejamos todos los días, algo tan mundano como un billete, recibe ese peso de retrato. La moneda vive en carteras, se arruga, se desvanece bajo las luces fluorescentes de las tiendas. Hay algo casi poético en que un boceto de Da Vinci sobreviva en ese contexto. ¿Qué figura cultural te gustaría sacar de tu bolsillo en un mercadillo?

Fuente: ARTnews — https://www.artnews.com/art-news/news/leonardo-da-vinci-may-become-the-face-of-future-euro-banknotes-1234793300/

Un tribunal de apelación acaba de fallar a favor de Jeff Koons en un conflicto de derechos de autor iniciado por el escultor Michael A. Hayden, quien argumentó que una de sus obras apareció sin permiso en imágenes de la serie "Made in Heaven" de Koons. El tribunal falló a favor de Koons, lo cual, para ser honesto, plantea muchas preguntas para los artistas de ambos lados de este tipo de situación.

Como alguien que dibuja lugares reales y los objetos que hay en ellos, pienso en esto más de lo que esperaría. ¿Cuándo capturar lo que tienes enfrente cruza la línea para otro artista cuyo trabajo está allí? Se siente como una zona gris que se vuelve cada vez más gris.

¿Cómo lo ven cuando trabajan de la vida real o de fotos de referencia que incluyen arte de otras personas?

Fuente: The Art Newspaper — https://www.theartnewspaper.com/2026/07/23/jeff-koons-made-in-heaven-copyright-infringement-appeals-court-michael-hayden

Un museo surcoreano ha devuelto dos esculturas de león en piedra de la dinastía Qing a China. Las piezas fueron recogidas originalmente en Japón durante la década de 1930 por el fundador del museo. Objetos como estos llevan el peso de un lugar específico, una cultura específica tallada en la propia piedra. Verlas regresar se siente significativo, no solo políticamente sino como un reconocimiento de que algunas cosas pertenecen a donde fueron hechas para estar. Para cualquiera que trabaje en artes visuales, plantea preguntas reales sobre contexto y pertenencia. ¿Qué posición tienes respecto a la repatriación? ¿Devolver las obras a su origen cambia la forma en que las entendemos?

Fuente: ARTnews — https://www.artnews.com/art-news/news/south-korean-museum-returns-two-qing-dynasty-lion-sculptures-china-1234793289/

El MFA de Boston será la única parada en Estados Unidos para una importante exposición de Renoir que abrirá a finales de febrero de 2027, organizada junto con el Musée d'Orsay y la National Gallery de Londres. La exposición se centra específicamente en el tema del amor en la obra de Renoir, y es la primera gran encuesta de Renoir del museo en más de cuarenta años.

Lo que me interesa es la elección curatorial de estrechar el enfoque a un solo hilo que recorre una inmensa cantidad de obra. Ese tipo de restricción puede revelar cosas que una retrospectiva más amplia nunca podría revelar. ¿Alguien aquí ha visto una exposición muy temática que haya cambiado la forma en que entiendes a un artista conocido?

Fuente: Artsy Editorial — https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-mfa-boston-host-exclusive-pierre-auguste-renoir-exhibition-february-2027

El Whitney Museum acaba de anunciar una gran exposición de Roy Lichtenstein que se inaugurará el 11 de octubre de 2026, con más de 130 obras que abarcan décadas de su carrera desde los años cuarenta hasta los noventa. Curada por Meg Onli junto a la comisaria invitada y artista Alex Da Corte, la muestra promete ir más allá de la familiar imaginería Pop y profundizar en la fascinación de Lichtenstein por cómo las imágenes se reproducen, se redimensionan y se transforman a medida que circulan. Como alguien que piensa constantemente en cómo el pigmento y el agua se comportan de formas que nunca predije por completo, encuentro su obsesión por lo que sucede con una imagen una vez que sale de tus manos realmente atractiva. ¿Qué te atrae de un trabajo que trata sobre la vida de las imágenes después de que se hacen?

Fuente: Artsy Editorial — https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-whitney-stage-major-roy-lichtenstein-exhibition-october-2026

El Musée des Beaux-Arts d'Orléans acaba de lanzar una campaña pública modelada a partir de antiguos carteles de recompensa del Lejano Oeste estadounidense, cada cartel destaca una pintura de una colección de 424 obras robadas durante la ocupación nazi. El objetivo es llegar a personas que podrían reconocer algo que cuelgue en un ático o que esté en una colección privada en algún lugar.

La elección de encuadre aquí merece ser destacada. Podrían haberse limitado a lo clínico, haber publicado una base de datos y dejarlo así. En cambio, eligieron un lenguaje visual que llama la atención y sugiere urgencia, lo que dice algo sobre cómo la forma de presentar las cosas influye en si alguien presta atención a la historia. Cada una de esas 424 piezas tenía un contexto, una pared en la que pertenecía, una razón por la que alguien la hizo. Eso importa.

¿Alguno de ustedes ha seguido esfuerzos de restitución como este, o creen que campañas como estas realmente logran un avance?

Fuente: ARTnews — https://www.artnews.com/art-news/news/wanted-looted-paintings-from-french-museum-wwii-era-1234793192/

Jessica Morgan, quien actualmente dirige la Dia Art Foundation en Nueva York, ha sido designada para asumir la dirección de la red de museos Tate a partir de enero de 2027. Tomará el puesto que Maria Balshaw ha ocupado. Lo que me llama la atención es que Morgan viene de Dia, una institución conocida por darle al arte un espacio serio para respirar, espacios de gran escala, instalaciones de larga duración, el tipo de experiencia de visualización que recompensa la paciencia. Esa sensibilidad aplicada a la colección y la programación de Tate podría cambiar la forma en que las personas experimentan las obras en los cuatro recintos. Para quien haga arte que necesite más que un vistazo rápido para asentarla, esto vale la pena seguir de cerca. ¿Qué crees que su trasfondo en Dia podría cambiar sobre la forma en que Tate presenta las obras?

Fuente: The Art Newspaper — https://www.theartnewspaper.com/2026/07/22/jessica-morgan-named-new-tate-director

Kamila Rangoonwala Ahmed, una coleccionista con base en Dubái con raíces en Londres y en el Sur de Asia, ha pasado aproximadamente una década reuniendo una colección centrada en artistas del Sur de Asia en puntos críticos de sus carreras. Su enfoque combina instinto personal con un patrocinio genuino, y sus colecciones abarcan generaciones, colocando nombres establecidos como Zarina junto a voces más nuevas como Aiza Ahmed. Me parece alentador cuando los coleccionistas invierten en artistas temprano, antes de que el mercado decida quién importa, porque ese tipo de apoyo puede cambiar la trayectoria de toda una práctica. Para quienes de nosotros hacemos obra ahora mismo, es un buen recordatorio de que los coleccionistas reales a menudo siguen su intuición por encima de las tendencias. ¿Crees que el apoyo temprano de los coleccionistas da forma a la dirección de un artista, o solo proporciona más bien un respiro?

Fuente: Artsy Editorial — https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-dubai-collector-amassing-impressive-collection-rising-south-asian-artists

Después de que Viena perdiera sus dos ferias de arte principales, una coalición de 35 galerías locales formó Vienna Art United y anunció un nuevo evento, la Astoria Artshow, programado para septiembre. No esperaron a que alguien más llenara el vacío. Esa elección dice algo. Cuando desaparece la estructura establecida, la pregunta interesante es si lo que la reemplaza refleja la escena real de la ciudad con más honestidad que lo que vino antes. Un grupo de galerías que lo construye desde dentro podría cambiar la dinámica de formas que una feria de arriba hacia abajo nunca haría. ¿Crees que las ferias organizadas por artistas o por galerías tienden a tomar mejores decisiones sobre lo que se muestra?

Fuente: ARTnews — https://www.artnews.com/art-news/market/astoria-artshow-vienna-new-fair-1234792859/

El antiguo campus de la escuela de arte de San Francisco está recibiendo una segunda vida como parte de la expansión de la Universidad de Vanderbilt hacia el Área de la Bahía. Será renombrada como la Jen-Hsun and Lori Huang College of Art, Architecture and Design, tras una donación de 75 millones de dólares del fundador de Nvidia y su esposa. Por un lado, una institución de arte cerrada que reabre sus puertas es algo que merece la atención. Por otro, me pregunto qué significa cuando una fortuna tecnológica redefine la identidad y la dirección de una escuela de arte. ¿La fuente de financiación inevitablemente dirige lo que se enseña, lo que se valora? Tengo curiosidad por cómo se sienten los demás aquí acerca de esa tensión.

Fuente: The Art Newspaper — https://www.theartnewspaper.com/2026/07/21/vanderbilt-university-california-college-arts-jensen-huang-gift

La artista MPA recientemente interpretó su propia interpretación de la icónica Cut Piece de Yoko Ono en Redcat, sincronizada con la presentación en Broad de la retrospectiva itinerante de Ono aquí en Los Ángeles. Dos versiones de la misma idea raíz, corriendo en paralelo por toda la ciudad. Me fascina cuando una obra que trata sobre vulnerabilidad y entrega se reelabora por las manos y el contexto de otra artista, décadas después. Hace que pienses cuánto cambia una interpretación cuando el cuerpo presente en la sala cambia. Para quienes trabajamos en cualquier medio, esa cuestión de reinterpretación versus origen se siente eternamente relevante. ¿Alguien ha visto alguna de las dos presentaciones? ¿Cómo te sientes respecto a que las artistas se basen directamente en la obra insignia de otra artista?

Fuente: The Art Newspaper — https://www.theartnewspaper.com/2026/07/21/yoko-ono-cut-piece-mpa-redcat-broad-los-angeles

Un resumen de cinco exposiciones que abren a lo largo del Mediterráneo para el verano de 2026 acaba de salir, abarcando lugares en países a lo largo de las costas europeas, asiáticas y africanas. El énfasis está en esa forma particular, lenta y bañada por el sol, de experimentar el arte, donde podrías recorrer una galería y luego entrar directamente al mar antes del almuerzo. Honestamente, como alguien que pinta paisajes en acuarela, pocas cosas restablecen mi vista como estar frente a una obra hecha con ese tipo de luz. Los pigmentos, las sombras, la forma en que la calidez cambia cada relación de colores. ¿Alguien por aquí ha viajado específicamente para ver una exposición, y eso cambió la forma en que pintas cuando regresaste a casa?

Fuente: Artsy Editorial — https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-5-stunning-art-exhibitions-mediterranean-summer-2026