Si vous avez déjà eu l'impression étrange de mettre un prix sur quelque chose dans lequel vous avez mis tout votre cœur, cet épisode vous donnera l'impression d'assister à une conversation que vous attendiez d'entendre se dérouler.

Table des matières
1:23 Présentations rapides de Merrie, Leslie et Beverly
2:56 Hypothèses sur l'argent en relation avec l'art
8:44 Comment la programmation subconsciente influence la façon dont vous voyez votre art
14:04 Points de jonction critiques qui ont renforcé les hypothèses négatives sur la vente d'art
18:40 Comment le groupe voit la tarification de leurs œuvres
31:09 S'habituer à votre tarification
34:55 Ce que signifie réellement « la valeur de la peinture »
43:25 La valeur pour le collectionneur d'art
50:12 Peindre ce qui se vend versus ce que vous voulez peindre
57:11 Les pensées sur l'argent que les participants remarquent désormais et qui étaient invisibles auparavant

Les hypothèses que personne ne remet en question

Antrese Wood réunit trois membres de son Growth Studio — Merrie Koehlert, Leslie Cannon et Beverly Woodhall — pour l'une de ces conversations qui commencent lentement et deviennent soudainement très réelles. Le sujet d'ouverture est assez simple : quelles hypothèses avez-vous portées sur l'argent et l'art ? Mais les réponses ne le sont pas du tout. Ces trois artistes parlent des croyances qu'elles ont absorbées en grandissant, des messages qu'elles ont reçus de leur famille et de leur culture sur ce que signifie vendre un travail créatif, et de la façon dont ces croyances ont façonné des décennies de décisions qu'elles ne réalisaient même pas qu'elles prenaient.

La tarification devient personnelle rapidement

Vers la marque des 18 minutes, la conversation se déplace vers la tarification, et c'est là que les choses deviennent inconfortables, dans le meilleur sens possible. Chaque artiste décrit le drame intérieur qui se déclenche au moment où elles doivent attribuer un chiffre à une peinture. L'une décrit se sentir presque coupable de facturer ce qu'elle sait que l'œuvre vaut. Une autre parle de la manière dont sa tarification a changé lorsqu'elle a finalement cessé de se comparer à d'autres artistes de sa région. L'honnêteté ici est remarquable. On peut les entendre travailler leurs pensées en temps réel, sans réponses polies, seulement le véritable processus imparfait consistant à déterminer ce que vous croyez que vaut votre travail et si cette croyance vous appartient même au départ.

Le moment du canapé qui reformule tout

Il y a un moment autour de 43 minutes qui a complètement changé ma façon de voir les collectionneurs. Le groupe discute du fait que les artistes se sentent parfois insultés lorsqu'un acheteur dit vouloir une œuvre parce qu'elle correspond à la décoration de sa pièce. Mais Beverly souligne que c'est en réalité un compliment. Quelqu'un veut vivre avec votre travail chaque jour. Ils le veulent dans l'espace où ils prennent le petit-déjeuner, lisent les nouvelles et disputent avec leurs enfants. Ce n'est pas superficiel. Cela signifie que votre art appartient à leur vie réelle. Je ne l'avais jamais entendu formulé ainsi auparavant, et cela m'a vraiment poussé à reconsidérer tout le reproche du « assortir le canapé » auquel j'ai souvent été confronté.

La tension entre gagner sa vie et faire ce que vous aimez

La dernière partie de l'épisode aborde l'une des tensions les plus honnêtes de toute carrière créative : peignez-vous ce qui se vend, ou peignez-vous ce que vous voulez ? La réponse de ce groupe n'est pas nette, et c'est ce qui la rend si précieuse. Ils ne font pas semblant que la tension n'existe pas. Ils y demeurent. Et ils parlent de ce à quoi ressemble naviguer cette tension sans se perdre dans le processus.

Celui-ci mérite votre temps, que vous vendiez de l'art depuis des années ou que vous commenciez juste à réfléchir à ce que votre travail pourrait valoir pour quelqu'un d'autre. Quelle est la partie la plus difficile de la tarification pour vous ?

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