Malerei

Erinnerst du dich daran, als du anfingst zu zeichnen? Nicht, weil du musstest, nicht weil jemand zusah, sondern einfach, weil es sich gut anfühlte. Darum geht es in dieser Episode.

Als die Kunst sich schwer anfühlte

Im Laufe der Zeit hörten viele von uns auf, einfach zum Spielen ein Skizzenbuch herauszunehmen. Stattdessen musste jede Markierung etwas bedeuten. Jedes Stück musste irgendwo hingehen. The Savvy Painter spricht darüber, wie dieser Wandel so still erfolgt, dass man es gar nicht bemerkt, bis man eines Tages feststellt, dass das Erschaffen sich nicht mehr leicht anfühlt. Es fühlt sich wie Arbeit an.

Das Skizzenbuch ohne Plan

Es gibt echte Freiheit, ein Skizzenbuch mit null Erwartungen zu öffnen. Keine Frist, kein Publikum, kein Druck, es portfoliotauglich machen zu müssen. Nur du, deine Materialien und die Erlaubnis, herumzuexperimentieren. Diese Folge geht darauf ein, warum diese unstrukturierte Spielerei möglicherweise das Wichtigste ist, das du gerade für deine künstlerische Praxis tust. Nicht das auffällige Galeriewerk, nicht dasjenige, das du online postest. Die chaotische, unfertige, von niemandem zu sehende Art von Zeichnung.

Was passiert, wenn du loslässt

Das Gespräch untersucht, welche Veränderungen auftreten, wenn du dir die Erlaubnis gibst, ohne Ziel zu erstellen. Deine Hand lockert sich. Ideen beginnen zu fließen, die du niemals finden würdest, wenn du zu sehr versuchst. Du erinnerst dich daran, warum du dich überhaupt in das Ganze verliebt hast. Es geht nicht darum, deine ernsthafte Arbeit oder deine Ziele aufzugeben. Es geht darum, den Teil von dir zu nähren, der einfach zeichnen möchte, weil es Spaß macht.

Die Freude zurückbringen

Wenn deine künstlerische Praxis sich eher wie Verpflichtung als wie Feier anfühlt, ist dieser Beitrag für dich. Wie würde es aussehen, wenn du auch nur 15 Minuten pro Woche freiräumen würdest, in denen die einzige Regel lautet, dass es keine Regeln gibt? Keine Veröffentlichung, kein Beurteilen, kein Nachdenken darüber, was als Nächstes kommt. Nur du und die Sache, die du früher einfach getan hast, nur weil du sie geliebt hast.

Macula Hole ist ein Gemälde darüber, wie Sehvermögen verändert werden kann, und wie diese Veränderung die Beziehung eines Menschen zur Welt neu gestaltet. Das Werk entfaltet sich aus einer dauerhaften visuellen Bedingung und verwandelt einen Punkt von Verwundbarkeit in ein bildnerisches Feld aus Struktur und Spannung, wobei das Raster sowohl Gerüst als auch Begrenzung dient, aber niemals Neutralität bedeutet.

Die zentrale blaue Unterbrechung öffnet eine radikale Bruchstelle im roten Feld: nicht einfach ein chromatischer Kontrast, sondern eine Art Abwesenheit, die das Auge nach innen zieht und Stille verlangt. Diese Leere mindert das Gemälde nicht – sie vertieft es. Es wird zu einem ruhigen, fast meditativem Brennpunkt, an dem sich das Bild jenseits der Repräsentation bewegt und stattdessen einen Zustand verkörpert: Sehen durch Verlust, Erinnerung und das Bewusstsein der Grenze. Macula Hole ist letztlich ein Werk über das Fortbestehen der Gegenwart in der Abwesenheit.

Stille Bindung, 16” x 20” Leinwand, auf Leinwand gespannt

Eine Stute steht still in einem sonnigen Feld und bewacht ihren jungen Fohlen, das friedlich zu ihren Füßen ruht. Umgeben von der Schönheit der Weide fängt diese Szene die tiefe Bindung zwischen Mutter und Fohlen ein. Glaubt ihr, dass dieses Gemälde Gefühle von Wärme, Sicherheit und die dauerhafte Verbindung weckt, die sich in den einfachsten Momenten der Natur findet?

Als ich nach einer Nachmittags-Gartenparty die Stufen zu meinem Haus hinaufging, hielt ich am oberen Treppenabsatz inne und blickte über meine Schulter zurück.  Die bunten Kissen schienen das Lächeln und die Freude guter Freunde zu flüstern und zu kichern, lange nachdem sie den „Raum“ verlassen hatten.  Das Gefühl ist es, das diese Malerei inspiriert hat.

„Pillow Talk“ wirkt wie der perfekte Ort für ein Treffen im Hinterhof — weiche Kissen, eine glühende Feuerstelle, gedämpftes Sonnenlicht durch die Bäume, mit Blick auf den Ozean am Horizont. Es ist die Art von Ort, den sich Menschen für Lachen, Wein und leichte Gespräche vorstellen.   Aber für mich geht diese Szene auch um die leiseren Gespräche, die stattfinden, wenn die Gäste gegangen sind: die Geständnisse, die im gedämpften Licht geflüstert werden, die Wahrheiten, die man nur sagt, wenn man sich sicher genug fühlt.   Dieses Stück hält Raum für beides: die Freude der Verbindung und die ehrlichen, verletzlichen Worte, die erst herauskommen, wenn du endlich von der Bühne bist.

Teil meiner Rooms with a View-Serie, setzt dieses Stück mein Interesse fort, Räume zu schaffen, die sowohl Ruhe als auch Intensität, Friedlichkeit und Energie, Einladung und Geheimnis tragen. Es ist ein Raum, der nicht nur gesehen, sondern auch gefühlt werden soll.

Diese Darstellung repräsentiert die mentale, psychologische und physische Belastung, die Schwarze Menschen dazu zwingt, sich kulturellen Normen anzupassen, nur um sicher zu bleiben.

Dieses Werk heißt Whispers 100x100 und es war nicht geplant, so zu sein, wie es ist.

Weißt du, wie ich male? Es gibt nicht immer einen Plan. Eigentlich gibt es meistens gar keinen Plan.

Aus Instinkt zu malen bedeutet einfach voranzugehen, ohne viel nachzudenken. Ich greife zu einem Pinsel oder Spachtel, wähle eine Farbe, weil mir in diesem Moment danach war — es kann ein tiefes Blau oder ein energiegeladenes Gelb sein — und ich fange an. Es ist fast ein Bedürfnis, etwas herauszulassen, von dem ich nicht einmal weiß, was es ist.

Manchmal versucht der Kopf, sich einzumischen und zu sagen: Mach dort mehr Ordnung oder Das ist nicht gut, normalerweise ruiniert es nur. Die Magie der abstrakten Malerei liegt darin: den Verstand auszuschalten und loszulassen. Der Instinkt weiß genau, wo man mehr Farbe auftragen soll, wo die Leinwand atmen darf und sogar wann ein zufälliger Fleck sich letztlich zum besten Teil des Bildes entwickelt.

Es gibt keine Regeln, keine Formeln. Es ist ein direktes Gespräch zwischen meiner Stimmung und der Leinwand. Und wenn ich auf das Gemälde schaue und das Gefühl habe, dass die Geschichte erzählt ist... räume ich die Pinsel beiseite. Es ist so einfach — und so schön — wie das hier.

The Lightening (Studie über den Wal) 24” x 30” Öl auf Leinwand

Dies ist eine Studie zu einer größeren Szene. Es handelt sich um eine Nahaufnahme des Wals und zweier Männer. Die umfassendere Szene liegt in ihrer groben digitalen Rohfassung bei. Ich habe auch das digitale Mock-up der gesamten Serie, Die Unvermeidlichkeit des Lichts, hochgeladen. Ich hoffe wirklich, dass es Ihnen gefällt. Ihr Feedback ist willkommen!

Wenn Sie sich jemals gefragt haben, wie es aussieht, wenn jemand aufhört zu warten und sich stattdessen darauf konzentriert, etwas aufzubauen, ist dieses Gespräch für Sie.

Die Zahlen, die eine Geschichte erzählen

Die in Nordkalifornien ansässige Ölmalerin Terry Sauve erwirtschaftete in diesem Jahr Verkäufe in Höhe von 276.000 $. Das umfasst 28.000 $ aus ihrer Website und 23.000 $ allein aus dem Druckverkauf. Das sind nicht nur Zahlen in einer Tabelle. Sie beweisen, dass der Weg nach vorn existiert, selbst in dem, was alle ständig als schwieriges wirtschaftliches Klima bezeichnen.

Der Moment, in dem sich alles änderte

Terry war 29, als ihre Mutter sagte: „Ich habe immer gedacht, du würdest Künstlerin werden.“ Manchmal können die Menschen, die uns am besten kennen, sehen, wovon wir Angst hatten, es zu behaupten. Sie schrieb sich an der Academy of Art in San Francisco ein, studierte bei Meistern wie Brian Blood und Craig Nelson und ersetzte ein Jahrzehnt des Wartens darauf, entdeckt zu werden, durch die langsame, beständige Anstrengung, aufzutauchen und die Arbeit zu tun.

Der 25-Dollar-Druck, der jemanden zu Tränen rührte

Terry spricht darüber, wie sie mattierte Drucke für 25 $ verkauft hat und beobachtete, wie Sammler zu Tränen gerührt wurden. Nicht, weil der Preis niedrig war, sondern weil die Verbindung echt war. Sie sagte Ja zu mehr Ausstellungen in geschäftigen Zeiten, als es einfacher gewesen wäre, Nein zu sagen. Sie baute Systeme, die funktioniert haben, während sie schlief. Sie hörte auf, ihre Kunst wie ein Geheimnis zu behandeln, und begann, sie wie ein Geschäft zu behandeln, dem es wert ist zu gedeihen.

Was das für dich bedeutet

Diese Folge geht nicht darum, sich mit den Erfolgen anderer zu vergleichen. Es geht darum zu hören, was möglich wird, wenn du aufhörst, auf Erlaubnis zu warten, und beginnst, die Struktur um deine Arbeit herum aufzubauen. Terry stolperte nicht zufällig in 276.000 $. Sie trainierte mit Menschen, die sie voranbrachten. Sie trat bei Veranstaltungen auf, selbst wenn es sich zu viel anfühlte. Sie setzte die Preise für ihre Werke erschwinglich fest, ohne sich dafür zu entschuldigen. Sie verwandelte ihre Website in eine Einnahmequelle, nicht nur in eine digitale Visitenkarte.

Du bist dran

Was würde sich ändern, wenn du aufhörst, auf den „richtigen Zeitpunkt“ zu warten, und jetzt beginnst zu bauen? Was ist eine Sache, die du aufgeschoben hast, weil sie zu klein, zu chaotisch oder zu unsicher erschien? Terrys Geschichte erinnert daran, dass die Künstlerinnen, die gewinnen, nicht diejenigen mit dem größten Talent oder dem besten Timing sind. Sie sind diejenigen, die immer wieder erscheinen, weiter anpassen und sich weigern, ihre Träume wie Hobbys zu behandeln. Diese Folge lohnt sich, sich ganz anzuhören.

Ein weiteres Gemälde, das ich vor einer Weile fertiggestellt habe. Ich zeige auch ein Foto der inneren Abläufe, sozusagen. Ich liebe den Impasto-Stil, stark beeinflusst von Vincent van Gogh, und ich experimentiere seit längerer Zeit mit Textur. Von einigen Betrachtern wirkt es fast wie Stickerei — das war nicht wirklich meine Absicht, aber ich nehme es hin.

Außerdem male ich bei manchen Werken die äußeren Ränder mit, in der Hoffnung, dass vielleicht kein Rahmen nötig sein wird. Und ich habe auch das Umkehr-Farbbild 'Negativbild' hinzugefügt, wenn man so will. Das mache ich mit einer KI-Filter-App. Ich mag diese Sicht auf meine Arbeit; viel Spaß damit.

Fang eine Welle - in sanften Pastellfarben

Jetzt, wo es Sommer ist, male ich wieder Küstenlandschaften der Ostküste. Ich frage mich, ob ich jetzt Szenen für den Winter malen sollte? Würden sie mich an heißen Sommertagen abkühlen? Malst du nur die Jahreszeit, in der du dich gerade befindest oder wechselst du sie auch ab?